Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Esistono eventi che sembrano essere sempre stati così.

Grandi. Caotici. Pieni.

Stand ovunque, code interminabili, cosplay curati nei minimi dettagli, annunci, ospiti, creator. Un flusso continuo di persone e contenuti che sembra naturale, quasi inevitabile.
Eppure non è sempre stato così.

Le fiere del fumetto, per come le conosciamo oggi, non sono nate come eventi di massa, capaci di accogliere centinaia di migliaia di persone, né per diventare il punto d’incontro tra cinema, videogiochi, serie TV e cultura pop.

All’inizio erano qualcosa di completamente diverso.

Molto più piccole.
Molto più intime.
Quasi invisibili.

E mentre il Napoli Comicon si prepara ad aprire ancora una volta le sue porte per l’edizione 2026, è proprio da lì che vale la pena partire.

Le origini: tutto iniziò negli USA

Molto prima delle folle, degli stand e degli annunci, le fiere del fumetto non erano affatto “fiere”.

Non c’erano padiglioni.
Non c’erano palchi.
Non c’erano nemmeno “eventi” nel senso in cui li intendiamo oggi.

C’era solo una cosa: i fan.

Negli anni Sessanta, negli Stati Uniti, il fumetto era ancora considerato un prodotto marginale, privo di un vero riconoscimento culturale e di un importante evento fisico dedicato in cui parlarne.

Eppure, proprio in quel contesto, qualcosa inizia a muoversi.

Figure come Stan Lee e Julius Schwartz iniziano a pubblicare nelle riviste gli indirizzi completi dei lettori. Un dettaglio apparentemente secondario, ma fondamentale: per la prima volta, gli appassionati possono trovarsi, scriversi, riconoscersi.

Nasce così una rete informale fatta di lettere, scambi e fanzine: una comunità.

È in questo contesto che emerge una figura chiave: Jerry Bails, spesso considerato il “padre del fandom dei fumetti”. Tra il 1961 e il 1962 contribuisce a fondare l’Academy of Comic-Book Fans and Collectors, una delle prime organizzazioni dedicate allo studio e alla conservazione del fumetto.

Ma soprattutto, crea un precedente: i fan possono organizzarsi.

Il passaggio successivo è inevitabile.

Nel marzo del 1964, proprio a casa di Bails, si tiene uno dei primi raduni documentati: l’Alley Tally. Poche persone, riunite per contare i voti degli Alley Awards.

Niente pubblico. Niente spettacolo.
Solo un po’ di appassionati, tutti nella stessa stanza.

Pochi mesi dopo, a luglio, a New York prende forma qualcosa di ancora più riconoscibile: la Tri-State Con, considerata la prima vera comic convention. Circa cento partecipanti, una sala sindacale, e tra gli ospiti anche Steve Ditko.

È ancora tutto minuscolo, ma è già qualcosa di diverso.

Per la prima volta, il fumetto esce dalla dimensione privata e diventa un evento.

Negli anni successivi, questo modello inizia a prendere forma. Nel 1970 nasce quella che diventerà il punto di riferimento mondiale: il San Diego Comic-Con. La prima edizione attira poco più di 300 persone.

Un numero che oggi sembra irrilevante, ma che dentro lasciava già intravedere il futuro.

Perché una volta che una comunità si incontra, cresce.
E quando cresce, cambia forma.

Da quel momento in poi, non si torna indietro.

La domanda non è più se queste fiere continueranno a esistere, ma fino a dove potranno arrivare.

Come le fiere del fumetto sono diventate un fenomeno di massa

All’inizio, le fiere del fumetto erano incontri.

Poi diventano eventi.

E a un certo punto, smettono di essere solo questo.

Tra gli anni Ottanta e Novanta succede qualcosa di decisivo: il fumetto smette di essere un universo chiuso e inizia a contaminarsi con tutto il resto: cinema, televisione, giocattoli, videogiochi.

Le convention non sono più solo luoghi dove comprare e scambiare albi, ma diventano spazi in cui la cultura pop, nel suo insieme, inizia a prendere forma.

Eventi come il San Diego Comic-Con iniziano ad allargare il proprio raggio d’azione. Non si parla più soltanto di fumetti, ma di tutto ciò che da quei fumetti deriva.

È il primo vero salto.

Negli anni Novanta, poi, arriva un altro elemento destinato a cambiare tutto: Internet.

Per la prima volta, i fan non devono più aspettare una fiera per trovarsi. Possono organizzarsi, coordinarsi, creare community online.

E, proprio per questo, le fiere cambiano funzione; non sono più solo un punto di incontro, ma diventano un punto di riferimento.

È lì che si concentrano le novità, si fanno gli annunci e -in generale- succedono le cose importanti.

A consolidare questo cambiamento arriva, tra la fine degli anni Novanta e i primi Duemila, un nuovo modello: quello delle convention costruite attorno alle celebrità, fatto di autografi, panel tematici ed esclusive pensate proprio per l’evento.

Il fumetto resta, ma non è più l’unico protagonista.

E poi arriva Hollywood.

Con l’esplosione dei cinecomic nei primi anni Duemila — e in particolare con la nascita del Marvel Cinematic Universe — le fiere diventano il palcoscenico perfetto per il lancio globale di film e serie TV, con teaser trailer mostrati in anteprima, cast sul palco e reazioni del pubblico che fanno il giro del mondo.

La “Hall H” del SDCC diventa, nel tempo, uno dei luoghi più influenti dell’industria dell’intrattenimento, in un passaggio simbolico che sancisce un cambio radicale: non sono più le fiere a inseguire la cultura pop, ma è la cultura pop che passa da lì.

Parallelamente, in quegli anni un altro fenomeno cresce fino a diventare centrale: il cosplay che, da pratica di nicchia, diventa pian piano un elemento visivo dominante, uno dei “linguaggi pop” più riconoscibili all’interno degli eventi.

Le fiere smettono definitivamente di essere qualcosa da osservare, ma qualcosa da vivere, e quando un evento diventa esperienza, il passo successivo è inevitabile: diventa massa.

E la cosa si estenderà anche nel resto del mondo.

L’arrivo in Europa: le fiere come eventi culturali

Negli Stati Uniti, le convention crescono seguendo una logica sempre più commerciale e mediatica. In Europa, invece, il percorso è diverso: il fumetto non viene solo consumato, viene legittimato e considerato cultura.

Il punto di svolta arriva nel 1974, con la nascita del Festival International de la Bande Dessinée di Angoulême. Non in una grande metropoli, ma in una piccola città francese destinata a diventare, nel giro di pochi anni, un punto di riferimento mondiale.

Qui il fumetto non è solo intrattenimento, ma esposizione, critica, studio.

Le tavole originali vengono trattate come opere d’arte, gli autori diventano protagonisti e i premi iniziano ad assumere un peso internazionale.

È un approccio completamente diverso. Non si tratta più soltanto di radunare fan, ma di costruire un’identità culturale attorno al medium.

A rafforzare questo processo è anche il supporto istituzionale: in Francia, il fumetto viene riconosciuto ufficialmente come “Nona Arte”, entrando a pieno titolo nel discorso culturale nazionale, come un vero e proprio linguaggio artistico.

Mentre negli Stati Uniti le fiere diventano sempre più grandi, in Europa diventano sempre più radicate. Dei semplici eventi diventano parte delle città che li ospitano: festival diffusi, spazi urbani trasformati, intere comunità coinvolte. Delle vere e proprie “città nelle città”.

È qui che nasce il “modello della fiera-città”, un formato che non si limita a contenere il pubblico ma lo ingloba, e che, negli anni successivi, troverà una delle sue espressioni più potenti proprio in Italia.

Intanto, in Italia…

Per iniziare questo articolo, abbiamo giustamente guardato agli Stati Uniti come punto di partenza. Ma c’è un dettaglio che spesso passa inosservato: in un certo senso, l’Italia arriva prima.

Nel 1965, a Bordighera nacque il Salone Internazionale dei Comics, la prima manifestazione al mondo strutturata e con un respiro realmente internazionale dedicata al fumetto. Non un raduno spontaneo, non un incontro tra fan, ma un evento pensato, organizzato, costruito.

Dietro ci sono nomi come Romano Calisi e Claudio Bertieri, con il supporto di figure come Umberto Eco.

“Quando ho voglia di rilassarmi leggo un saggio di Engels, se invece ho voglia di impegnarmi leggo Corto Maltese”

Il successo è immediato, ma la storia prende presto una nuova direzione. Già dal 1966 il Salone si sposta a Lucca, dando inizio a un legame che dura ancora oggi. Quella che nasce come una rassegna specialistica diventa nel tempo qualcosa di molto più grande, sempre più aperto al pubblico e sempre più contaminato da altri linguaggi.

Il vero punto di svolta arriva nel 1993 con l’avvento di Lucca Comics & Games: non è solo un cambio di nome, ma di visione, con la trasformazione più radicale che arriva nel 2006, quando la fiera abbandona gli spazi tradizionali per occupare l’intero centro storico della città toscana. Le mura diventano il perimetro dell’evento, le piazze e le strade si trasformano in spazi espositivi. Non è più una fiera dentro una città, ma una città che diventa fiera.

Il modello della “fiera-città”, già sperimentato altrove in Europa, qui raggiunge una delle sue forme più compiute, e i numeri iniziano a crescere fino a diventare imponenti: centinaia di migliaia di visitatori e un impatto economico sempre più rilevante.

In questo equilibrio tra cultura e intrattenimento, tra industria e passione, l’Italia costruisce una propria identità nel panorama globale delle fiere del fumetto. Ed è proprio su questa base che emergono esperienze diverse, capaci di interpretare la cultura pop in modo nuovo, tra cui una in particolare destinata a diventare centrale, sia per numeri che per impatto.

Quella di Napoli.

Il Napoli Comicon: identità, crescita e trasformazione

Napoli Comicon rappresenta un caso particolare. A differenza di Lucca, non nasce come estensione di un modello già consolidato, ma come progetto che costruisce la propria identità nel tempo, adattandosi e trasformandosi insieme al pubblico che lo segue.

La sua origine risale al 1998, a Castel Sant’Elmo, una scelta che fin dall’inizio definisce il carattere dell’evento: un dialogo costante tra cultura pop e contesto storico, tra immaginario contemporaneo e città.

Col passare degli anni però, la crescita del pubblico rende inevitabile un’evoluzione strutturale. Il trasferimento alla Mostra d’Oltremare segna un passaggio decisivo: da evento raccolto a grande manifestazione di massa. È qui che il Comicon assume progressivamente la forma di un ecosistema completo della cultura pop, capace di integrare tutte le realtà che le più grandi fiere internazionali contengono.

Ma il Napoli Comicon non si spiega davvero attraverso le sue strutture o i suoi numeri. Si capisce nell’attesa.

Nelle file che iniziano molto prima dell’apertura dei cancelli. Nei gruppi che si danno appuntamento mesi prima. Nei cosplay che prendono forma lentamente, tra prove, errori, dettagli rifiniti fino all’ultimo minuto.

Si capisce nel momento in cui si varca l’ingresso e tutto cambia ritmo. Il rumore aumenta, gli spazi si aprono, le persone diventano parte dello stesso flusso. Non si cammina semplicemente dentro una fiera: si entra dentro un linguaggio condiviso.

Ogni padiglione è una possibilità diversa. Ogni angolo è un incontro. Ogni giornata è troppo piena per essere ricordata tutta intera.

Ed è forse questo il vero elemento che ha reso il Comicon qualcosa di più di un evento: la sensazione di esserci dentro, anche solo per pochi giorni, come se il resto del mondo restasse fuori, un’esperienza collettiva prima ancora che culturale.

E proprio mentre questa nuova edizione si prepara ad aprire le porte, questo racconto smette di essere solo storia. Diventa presente.

Perché al prossimo Comicon non si andrà solo per vedere cosa succede, ma per farne parte e raccontarlo mentre accade.

Anche Nerdando sarà lì, dentro questo flusso, per viverlo e raccontarlo dall’interno.

Non come osservatori distanti, ma come parte della stessa esperienza.

Perché alla fine le fiere del fumetto non sono mai state davvero solo fiere: sono sempre state un modo per stare insieme, dentro le storie che ci appassionano.

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Recensione

È sempre bello occuparsi di titoli “piccoli”, perché solitamente ci trovi tanto cuore e tanta anima, e nelle opere d’ingegno penso che non ci sia nulla di più piacevole.

The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles è l’opera prima degli italiani Fix-a-Bug, e di cuore e anima dietro ce n’è parecchio, questo te lo assicuro. E lo dico anche a me stesso, perché alle prime schermate, dietro un’ironia di fondo che appare lampante fin dal titolo, temevo si nascondesse un giochino quasi “mobile”.

Ma non sempre le prime impressioni sono veritiere, per fortuna.

Gameplay

The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles, come avrai intuito, è un GDR dungeon crawler, ovvero uno di quei titoli in cui entri in un dungeon, ammazzi i mostri e saccheggi il tesoro. Certo, non è solo questo, ma ci arriviamo.

La trama del gioco è un pretesto per metterti nei panni di un avventuriero, del quale puoi scegliere il sesso (Eroe o Eroina, e sono cugini!) e il profilo di gioco (Distruttore, Esploratore o Risolutore), in base al tipo di esperienza di gioco e di difficoltà che vuoi. Scegli l’arma, perché sei per forza un guerriero e scendi nel primo dei 50 livelli del dungeon, alla ricerca del Santo Groowl.

Insomma, avrai capito che il tono della faccenda non è quello dei giochi che si prendono troppo sul serio, ma non farti ingannare, perché dietro questa facciata da battutine, citazioni di cultura pop, ironia e facezie, The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles nasconde una profondità inattesa.

Innanzitutto, le partite saranno tutte diverse, grazie alla generazione dinamica dei livelli, che cambia la disposizione di ciò che si trova all’interno di ciascuno. Inoltre i livelli sono creati a mano in quanto a biomi, enigmi, personaggi, che potranno essere diversi ad ogni run.

Non appena si comincia con l’affrontare uno dei tanti tutorial che il gioco propone, poi, si intuisce che la faccenda non sarà semplice come sembrava all’inizio. Affronti il tuo primo scheletro, prendi gli schiaffi – si, sono morto al tutorial e ho anche sbloccato un apposito achievement – e capisci che dovrai mettertici d’impegno per non morire e per portare a termine l’avventura.

Il combattimento è particolare, perché è quasi in tempo reale, con i turni gestiti con una barra che si riempie (tipo Final Fantasy VII, per capirci) e bisogna cliccare sia in caso di attacco, che di difesa. Nulla di esageratamente complicato, ma il targeting dei nemici, soprattutto quando si è circondati, richiede un po’ di pratica e di tempismo.

Ti riprendi dallo shock del combattimento in tempo reale e ti può capitare di trovare un mago che ti propone degli enigmi, o un cuoco che ti chiede aiuto per cucinare leccornie per un pubblico di orchi e goblin esigenti, e così via, fino a colpi di scena completamente inattesi. The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles merita di essere approfondito, perché non è né banale, né semplice: crafting, combattimento, enigmi, dialoghi, gestione dell’inventario, ovvero tutto ciò che non può mancare in un gioco di ruolo che si rispetti.

Grande protagonista del gioco è il senso dell’ironia demenziale che lo pervade completamente: se sei appassionato di citazioni, riferimenti e ammiccamenti, in The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles ti sentirai a casa. E qui sotto ti metto uno screenshot che secondo me ti convincerà in meno di due secondi. Altrimenti, ti dico che, se hai mai sognato di incontrare Loris Battacchi o Giovannona Coscia Lunga in un videogioco, è arrivato il momento di coronare questo desiderio. Moltissimi anni ’80, da queste parti.

Comparto tecnico

La grafica è davvero carinissima, e se sei particolarmente amante della pixel art, beh, questo titolo potrà farti felice. The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles è bello da vedere nella semplicità della sua vivace mappa top-down, e l’interfaccia, seppur contenuta tutta nella schermata principale, dopo un po’ diviene molto semplice e intuitiva da utilizzare.

La musica è scanzonata ma evocativa, e ricorda molto le colonne sonore dei giochi anni ’80. Un bell’accompagnamento durante le partite.

Sì e No

• Sì: è molto divertente
• Sì: non è banale come sembra
• Sì: grafica in pixel art e colonna sonora sono un bell’omaggio ai tempi andati
• No: troppi tutorial
• No: se non amate ironia demenziale e citazioni, non passate di qui, sareste sommersi
• No: per via del tono troppo scanzonato, lo si potrebbe derubricare a “giochino”

Conclusioni

The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles è un gioco semplice da sottovalutare al primo sguardo ma nasconde, dietro un aspetto nostalgico dei dungeon crawler di una volta, un grande cuore. Non solo per l’impegno profuso nella sua creazione, che è evidente, ma anche per tutte le meccaniche, le sfide e le sorprese che ti attendono nei suoi cinquanta folli livelli.

Tra una citazione, una risata e una battaglia contro un mostro, The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles sa farsi volere bene ed è un posto dove torni volentieri, se non altro per andare ad accendere quella torcia in più e a vedere cosa ti aspetta dietro l’angolo.

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Nerdando in breve

The Crazy Hyper-Dungeon Chronicles è un omaggio ai vecchi dungeon crawler, ma con un animo moderno e tanta, tanta ironia. Astenersi seriosi.

Trailer

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Nerdopoli: espressioni di una comunità in evoluzione è una raccolta antologica di saggi che analizzano, sotto diversi punti di vista, l’attuale accezione del termine nerd. La raccolta è stata curata da Eleonora Caruso, scrittrice di romanzi (l’ultimo è Le ferite originali, edito da Mondadori lo scorso anno) e appassionata di fanfiction e Sailor Moon.

In Nerdopoli trovano spazio 7 saggi scritti da 7 autori su 7 differenti declinazioni della parola nerd, tutti accomunati dal voler rispondere a una sola domanda: cosa significa essere nerd?
Secondo Tito Faraci, al quale è stata affidata la prefazione del volume, essere un nerd significa passare dall’interesse direttamente all’ossessione, senza fasi intermedie.
Secondo Wikipedia, il nerd è chi ha una certa predisposizione per la tecnologia ed è al contempo tendenzialmente solitario e con una più o meno ridotta propensione alla socializzazione.
Secondo la Treccani, è solo un ludopatico.

Arrivati al punto in cui una parola di quattro lettere significa tutto e niente, forse un’antologia di saggi che faccia un po’ di chiarezza può essere utile.

L’evento

Durante la presentazione che si è tenuta la sera del 15 gennaio a Volume – Dischi e Libri a Milano, sono intervenuti quattro degli autori, in particolare:

• la sopracitata Eleonora;
• Simone Laudiero, sceneggiatore per La Buoncostume e autore di romanzi (l’ultimo è il fantasy Gli eroi perduti);
• Alice Cucchetti, redattrice per il settimanale Film Tv e storica autrice di Serialmente.com;
• Matteo Grilli, sceneggiatore di Anime & Sangue e autore per diverse testate, fra cui Esquire Italia.

La prima a prendere la parola è stata Eleonora, il cui saggio, Rifarsi una storia, racconta la genesi e la morte (non definitiva) delle fanfiction (nota di Penny: per chi non lo sapesse, le fanfiction sono delle storie non canoniche ambientate in un universo narrativo ben delineato, scritte però dai fan della saga e non dagli autori della stessa).

Eleonora ci ha dato la sua risposta alla grande domanda di cui sopra, sostenendo che il nerd sia il grande appassionato di qualcosa, non importa cosa. Oggi è possibile definirsi tale senza vergogna, sapendo inoltre che tendenzialmente chi ci ascolta ha una vaga idea di cosa significhi il termine. Dieci anni fa però non era così, all’epoca il “nerd” era più stereotipato, un qualcuno con camicia e occhialetti e pieno fino all’orlo di problemi sociali. L’avvento di internet ha contribuito a modificarne l’accezione, mutandola in una persona curiosa di quello che ama, tanto da interessarsi anche a chi la ami come lei.

Harry Potter ha rovinato la fanfiction

C’è chi si interessa alle saghe del proprio cuore talmente tanto, da arrivare a produrre contenuti originali che le riguardino. Ci si riferisce ai così detti fandom, i domini dei fan: fan-art, fan-merch e fan-fiction sono solo alcuni dei prodotti creati da fan e destinati ad altrettanti fan. Soprattutto il regno delle fanfiction, racconta Eleonora, era una nicchia di quei “tanti ma pochi” che sceglievano di investire il proprio tempo libero nel rattoppare le mancanze scovate qui e là, con narrazioni di loro creazione. Era un regno anarchico, nel quale tutto era lecito. Si potevano inserire incesti importanti, violenza e contenuti erotici senza farsi troppi problemi, poiché la natura stessa della fanfic lasciava libero l’autore di esplorare qualunque argomento.

Tuttavia, un malaugurato giorno, un troll invase EFP, il più importante sito di fanfiction in Italia. Per chi non lo sapesse, ogni racconto ha il suo ranking, ossia un semaforo di riferimento che ne indichi la leggibilità (un po’ come il bollino dei film su Mediaset). Costui (o costei, chissà) scrisse un racconto intitolato Hermione sadomaso e lo pubblicò fra quelli a bollino verde.
Erano gli anni in cui le nuove generazioni si approcciavano all’internet e al suo contenuto non troppo filtrato, nel quale quelle regole non scritte cominciavano a non essere conosciute da tutti e, pertanto, non rispettate. Fatto sta che i genitori dei giovanissimi che incapparono nel racconto non ne furono troppo contenti, anzi: iniziarono a tormentare il sito e la sua creatrice, obbligando quel mondo anarchico e autogestito a ridimensionarsi un po’.

Sui saggi nella raccolta

La parola è poi passata a Simone, il cui saggio, Love Dungeon, tratta del connubio fra letteratura fantasy e gioco di ruolo. Simone ha raccontato quanto il genere fantasy sia ancora una nicchia, benché dall’esterno possa non sembrare. Il Signore degli Anelli e la saga di Harry Potter hanno saputo lasciare il segno, ma nessuno dei due ha avuto la pretesa di spalancare le porte alla narrazione di fantasia, chiedendo che fosse accettata anche da un pubblico adulto. Poi però è arrivato Martin, che con il suo Trono di Spade e tutta la fanzone che ha saputo creare, ha fatto credere di aver finalmente dato nuova luce al genere.
Invece no, è solo un’altra eccezione: secondo Simone il fantasy è davvero ancora una minoranza che viene guardata dall’alto in basso con le stesse occhiatacce riservate ai romanzi erotici.

Alice, autrice del saggio Big damn heroes sulle serie televisive, offre un interessante spunto di riflessione sull’attuale fruibilità di film e serie. Durante gli anni 90-2000, il nuovo episodio della serie cult del momento era un rituale collettivo. Tutti sincronizzati davanti allo schermo, pronti a scoprire quali svolte avrebbe preso l’appassionante vicenda. Dopo 20, massimo 60 minuti, tutto era terminato e per un’altra settimana ecco che non si parlava d’altro. Teorie e contro-teorie trovavano posto sulla bocca di tutti in quello che era l’unico intrattenimento disponibile.
Oggi c’è il binge watching, che ha dato a tutti i serial addicted esattamente quello che volevano: tutta la serie disponibile subito e integralmente, senza dover aspettare. Come però Leopardi ci ricorda nel Sabato del Villaggio, gran parte del piacere provocato da un evento risiede nell’attesa dell’evento stesso, e proprio quella gioia dell’attesa è stata il prezzo da pagare per avere le piattaforme di streaming. Giusto o sbagliato che sia, così è.

Evangelion e i suoi eredi

Ultimo ma non ultimo, Matteo ha accennato quello che è il contenuto di La liberazione dell’otaku, il suo saggio in Nerdopoli.
Evangelion è stato per lui non solo intrattenimento ma qualcosa che andasse oltre, che gli ha mostrato quanto Anno abbia voluto sottolineare ed enfatizzare tutti gli aspetti oscuri di un otaku (ndP, l’otaku è l’ossessionato di anime, manga e prodotti affini; praticamente un nerd focalizzato sull’oriente). Neon Genesis Evangelion racconta il patriarcato, il doversi assumere grosse responsabilità e il dover diventare grandi a ogni costo, e non solo quello. È un manifesto sul lato oscuro dell’otaku, perciò ha sentito il bisogno di parlarne in maniera approfondita.

Da qui nasce poi una domanda rivolta a tutti e quattro i partecipanti: esiste un degno erede di Evangelion?

Forse Le bizzarre avventure di JoJo dice Matteo, ma con poca convinzione. Più che altro si augura che prima o poi ne esista uno realmente degno.

Eleonora invece indica due possibili seguaci: il primo è Serial Experiments Lain, che è affine a Evangelion in tematiche e contenuti; l’altro è Puella Magi Madoka Magica, che è la risposta femminile all’opera di Anno.

Evangelion è femminista, i personaggi forti sono donne, gli Eva sono femmine e di discriminazioni di genere non ce ne sono. Tuttavia, è maschile, perché il protagonista è un maschietto e la storia narrata è la sua. Madoka Magica invece ne è la controparte femminile e nel cartone, lì dove ci sono streghe e creature extraterrestri, c’è anche l’analisi accurata dell’identità femminile e dell’uso che la società ne faccia. Chissà se riuscirà a prendere e portare alto il testimone.

Conclusione

La presentazione di Nerdopoli è proseguita cogliendo spunti da ciascuna risposta, mantenendo sempre alta l’asticella dell’attenzione in chi ascoltasse come in una chiacchierata qualunque. Per questo motivo è risultata interessante evitando quei cali di concentrazione, tipici delle conferenze troppo lunghe o moderate male.

Fra i tanti argomenti toccati, c’è stato anche un focalizzarsi sulla tendenza dei nerd più stagionati a difendere le proprie passioni escludendo i neofiti. Quelli che non danno neanche una possibilità ai sequel delle saghe storiche, prima ancora di averli visti; quelli che dicono “facile essere nerd adesso che va di moda! Ai miei tempi…”; quelli che rivendicano il diritto di essere speciali perché a loro, quelle cose lì, piacevano prima che diventassero mainstream.

Così oggi abbiamo puristi di saghe, nelle quali inclusione e accettazione del diverso sono le tematiche portanti, che escludono e bandiscono qualunque novità possa minacciare la loro grotta decorata con action figures inscatolate e fumetti incellofanati. Un ossimoro vivente, insomma.

I “nerd cattivi” sono una minoranza rumorosa da non prendere sottogamba, ma non sono solo nerd. Non resta che sperare che diventino consapevoli del potere inclusivo e condivisivo delle loro passioni, andando oltre all’aspetto dell’intrattenimento e raggiungendo l’essenza di ciò che amano, facendola loro.

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