Un’immagine di gioco

Recensione

Partiamo dal presupposto che non sarò imparziale in questa recensione, questo tipo di giochi mi piace troppo per dare molto peso agli aspetti più critici.

Ora che ci siamo detti tutto, posso cominciare a parlarvi di FANTASIAN Neo Dimension, una perla uscita nel 2021 che è però rimasta intrappolata su mobile, anzi, su Apple Arcade, che è ancora meno accessibile.

FANTASIAN approda su PC con una versione ampliata e adattata per Steam, che mi è stata regalata da Square Enix, che ringrazio infinitamente.

Una goduria per gli occhi

Di solito, nei miei articoli, parlo della grafica alla fine dell’articolo, ma in questo caso non posso fare a meno di iniziare da quella, perché la prima cosa che colpisce di FANTASIAN Neo Dimension è la sua estetica.

Come già nella versione originale, l’ambientazione è costituita da diorami fatti a mano, un capolavoro di artigianato.

Guardate che ambientazioni!

Ogni sezione di gioco sembra uscita da una fotografia di un modellino in scala, ma questa volta gli sviluppatori hanno aggiunto dettagli interattivi che ampliano la sensazione di immersione.

Mi è successo più volte di fermarmi semplicemente per ammirare un albero o un piccolo ponte, sentendo quasi il bisogno di toccare lo schermo, o camminare in giro a caso (nonostante un pessimo porting dei comandi di gioco) semplicemente per vivere di più il mondo di gioco.

Storia

Il racconto si mantiene su binari già noti agli amanti dei JRPG: un protagonista con amnesia, un mondo da salvare e un misterioso antagonista che sembra conoscere più di quanto non lasci intendere.

Immergiamoci nella storia

Però FANTASIAN Neo Dimension brilla nei dettagli. Ogni personaggio ha una sua storia da raccontare e le interazioni sono arricchite da una scrittura che alterna momenti leggeri a riflessioni più profonde, che passa da semplici dialoghi a storie raccontate come se si stesse leggendo un libro.

Una delle novità di questa versione è l’aggiunta di alcune quest secondarie, che espandono l’universo narrativo. Una, in particolare, mi ha colpito per come riesce a intrecciare il passato di un NPC con gli eventi principali del gioco.

Gameplay

Il sistema di combattimento a turni della versione originale qui viene ulteriormente raffinato.

L’introduzione della modalità “Strategia Neo” permette di impostare le azioni dei compagni in anticipo, creando sinergie che ricordano un sistema da tavolo più che un classico JRPG. Nonostante questo, il ritmo dei combattimenti può risultare un po’ lento per chi preferisce un approccio più diretto, anche perché è legato ad un combat system che non era brillantissimo già all’uscita del gioco originale.

Il combat system

Un altro elemento che spicca è la modalità Dimensional Rift, che consente ai giocatori di accedere a sfide opzionali in mondi paralleli. Questo non solo aumenta la longevità del titolo, ma offre anche ricompense utili per affrontare i boss più ostici.

Musica: un tocco di classe

Se la grafica è un trionfo visivo, la colonna sonora non è da meno. Composta ancora una volta dal leggendario Nobuo Uematsu, ogni traccia è un viaggio emotivo che accompagna il giocatore attraverso i momenti chiave della storia. Una novità è la possibilità di personalizzare la soundtrack in base al momento, un tocco che ho trovato estremamente interessante.

La grafica di gioco è uno degli aspetti migliori del titolo

Conclusione

Fantasian Neo Dimension non è perfetto, ma è una lettera d’amore ai JRPG classici, arricchita da un’estetica unica e un gameplay interessante, ma non troppo raffinato. Certo, ci sono momenti in cui la trama può sembrare già vista, e il ritmo dei combattimenti non è per tutti, ma il viaggio che offre è qualcosa di unico.

Solcando i mari

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Nerdando in breve

FANTASIAN Neo Dimension è un JRPG di Square Enix e Mistwalker. Titolo figlio (nel bene e nel male) dei vecchi Final Fantasy, porta un gameplay a volte molto bello, altre volte noioso e una storia interessante, ma anche un pochino cliché. Tutti i lati negativi vengono però assorbiti, quasi annullati dal comparto artistico del gioco, che è stato amore a prima vista, per me.

Se amate i giochi che riescono a trasmettere emozioni attraverso un mix di narrazione, arte e gameplay, allora fatevi un favore e provate questo titolo. Non è solo un gioco: è un’esperienza.

Trailer

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Ci siamo.

La saga degli Skywalker sta per terminare dopo ben 42 anni con la prossima uscita di Star Wars Episodio IX: L’ascesa di Skywalker.

Volenti o nolenti, si tratta di un momento storico per il cinema, e qui in redazione (o meglio, in buona parte di essa) siamo assolutamente in fermento per capire come si concluderà una storia che ha cambiato per sempre il mondo del fantastico. E per piangere le nostre lacrime migliori in una sala buia, di fronte ai titoli di coda finali.

Dopo due anni dall’uscita dell’ottavo episodio, Gli Ultimi Jedi, che ha ricevuto un fuoco incrociato di apprezzamenti e polemiche che tutt’oggi non accenna a diminuire, noi non ancora ci siamo stancati di parlare di Guerre Stellari.

Anzi, per questo mese sarà la nostra cover story, quindi sappiate che ne avrete fin sopra le orecchie dei nostri articoli sulla creatura di George Lucas.

A differenza della bellissima e polemicissima serie di articoli che ha visto LC e FrankieDedo confrontarsi sul bello e brutto di ciascun film, mi intrometto io per parlarvi, in modo del tutto rilassato, di un argomento che di certo metterà d’accordo anche i più accaniti detrattori: le colonne sonore della Saga delle Saghe rappresentano, chi più chi meno, un capitolo fondamentale della storia delle colonne sonore cinematografiche.

John Williams, classe 1932, è senza dubbio uno dei più grandi compositori della storia del cinema, nell’Olimpo insieme a pochi altri; ed è grazie a lui che tantissimi film che amiamo sono ancora più belli ed indimenticabili, grazie alla musica composta dal suo estro, genio e fantasia.

Io non ho studiato musica e tecnicamente sono veramente un profano, ma mi faccio guidare, in questo mondo sicuramente complesso, principalmente dalle emozioni che la musica mi suscita. Da grande fan di Williams ne ho seguito e recuperato grande parte della produzione documentandomi abbastanza: il suo lavoro sarebbe stato fondamentale, secondo chi è più esperto di me, per riportare in auge la musica sinfonica nel mondo del cinema. L’enorme popolarità dei suoi temi più famosi e le sue 50 candidature agli Oscar (secondo, nella storia, solo a Mr. Walt Disney) parlano da sé.

Di queste cinquanta candidature, il Maestro ha conquistato finora soltanto cinque statuette (scandaloso, ma tant’è l’amara realtà) e la terza in ordine temporale, vinta nel 1977, merito proprio della colonna sonora di Episodio IV: Una nuova speranza, lì dove la magia ebbe inizio.

Ora, i film di Guerre Stellari di cui Williams ha composto la colonna sonora sono 9 (in pratica, tutti tranne Rogue One e Solo, per il quale ha soltanto collaborato) e potete immaginare quanto ricco ed abbondante sia il materiale da ascoltare.

Posso tranquillamente affermare di credere, senza alcuna vergogna, che i film della Saga non sarebbero così belli se non avessero QUELLE colonne sonore: sono parte integrante e necessaria di un viaggio incredibile ed irripetibile in quella galassia lontana lontana, capaci di evocare luoghi, personaggi e situazioni solamente con l’accenno di qualche nota.

E anche chi dopo ha dovuto cimentarsi con la composizione di musiche per altri prodotti legati a Star Wars che non fossero i film della saga principale di certo deve un grosso tributo al maestro newyorkese, che chiuderà la sua carriera infinita proprio con la colonna sonora che chiude la saga (piango, ndR).

Se vi è venuta voglia almeno un po’ di avventurarvi nel viaggio musicale che c’è dietro Guerre Stellari, dico che fate bene. Non sarò il vostro Virgilio perché non ne ho di certo le capacità e le conoscenze, ma posso dirvi che anni fa avrei potuto probabilmente fischiettarvi a memoria buona parte di alcune colonne sonore della Saga.

Perciò vado a presentarvi, umilmente, i temi musicali che ritengo i più belli e significativi dell’intera costruzione musicale starwarsiana da parte del maestro John Williams: non dico che lo siano in assoluto, ma lo sono quantomeno per me.

Ah, l’ordine è rigorosamente casuale, non si tratta di una classifica.

Grazie per aver letto queste chiacchiere, ma ora lasciamo parlare sua maestà la musica.

Duel of the Fates (Star Wars Episode I: The Phantom Menace, 1999)

Mentre preparava la trilogia prequel, George Lucas chiese a Williams di scrivere le musiche cercando di creare un tema forte per ciascuno dei tre film.

Anche se Episodio I non fu gradito da tutti e rimane anche oggi uno degli episodi meno amati dai fan, la sua colonna sonora è invece assolutamente strepitosa.

Fulgido esempio ne è appunto il tema principale, quel Duel of the Fates che è divenuto anche uno dei temi più famosi dell’intera saga.

Forte di una parte corale cantata in sanscrito (tradotto in questa lingua da un antico poema epico celtico) e di un’incalzante melodia fatta di violini, clarinetti e corni che si rincorrono, il duello mortale finale a colpi di spada laser tra Qui-Gon Jinn, Obi-Wan Kenobi e Darth Maul non poteva esser sottolineato e narrato musicalmente in modo più epico.

Il tema possiamo ascoltarlo appunto durante il duello finale del film, ma ricompare, accennato, anche durante i due episodi successivi.

Al di fuori della Saga, Duel of the Fates è riconosciuto come uno dei migliori temi di combattimento/scontro più evocativi mai scritti: sarà per questo che me lo sono ritrovato in centinaia di occasioni, quando ci sia necessità di sottolineare l’epicità di una situazione?

“This choral piece, which has to do with the sword fight and comes at the end of the film, is a result of my thinking that something ritualistic and/or pagan and antique might be very effective.“―John Williams

Across the stars (Star Wars Episode II: Attack of the clones, 2002)

Altro episodio controverso, il secondo: per molti la storia d’amore tra Anakin e Padmé Amidala è trattata in modo banale e superficiale per colpa di una sceneggiatura non all’altezza.

Di contro, il tema d’amore composto da quel genio di John Williams è una delle tracce più intense, romantiche e struggenti che abbia mai ascoltato in vita mia. Tema principale di una colonna sonora, neanche a dirlo, capolavoro.

Non sto esagerando, secondo me qui tocchiamo delle vette pazzesche: in Across the Stars ci sono tutta la dolcezza, la passione, l’intensità e la difficoltà di un amore proibito e nascosto, così potente da portare un’intera galassia verso la tenebra.

“Their love is complicated – pure yet forbidden, personal but with profound ramifications for an entire galaxy. Somehow, John has managed to convey all of that complexity in a simple, hauntingly beautiful theme.“―George Lucas

Io questo tema lo porto dentro di me da 17 anni e ogni volta che lo riascolto mi fa venire i brividi.

Per quanto riguarda Star Wars, è nella mia top 3.

Battle of the Heroes (Star Wars Episode III: Revenge of the Sith, 2005)

Il tema principale del terzo episodio di Star Wars è stato scritto da Williams evocando l’idea della tragicità di un duello finale tra due vecchi amici e compagni fraterni.

Il pezzo compare nella parte finale del film quando l’inevitabile scontro tra Obi-Wan e Anakin è al suo culmine, ma viene evocato già a partire dalla traccia “Anakin vs. Obi-Wan”, inframezzato ad altri richiami di altri temi ricorrenti, in quel crescendo pazzesco di pathos musicale che prosegue con “Anakin’s Dark Deeds” e “Enter Lord Vader”.

Già questa traccia è mostruosamente epica di suo, mischiatela con la Marcia Imperiale e il tema della Forza e vi si rizzeranno i capelli già al solo pensiero.

Persone più esperte di me sostengono che melodicamente richiami il tradizionale tema del Dies Irae, soprattutto quello presente nella Symphonie fantastique di Berlioz. Ora, il Dies Irae richiama l’immagine dell’Apocalisse e del giudizio divino.

A me sembra piuttosto appropriato, no?

“Once again, John Williams has exceeded my expectations and produced a lavish, rich, moving and thrilling score. Every fan of Star Wars—and of great music—is in his debt.“―George Lucas about John Williams’ score for Revenge of the Sith

Main title fanfare (Star Wars Episode IV: A New Hope, 1977)

Come dicevamo prima, la colonna sonora di Una nuova speranza è stata l’unica ad aver meritato un premio agli Academy Awards. È anche l’opera che ha dato il via a tutto: in essa si incontrano per la prima volta le basi di tutta la trama musicale della saga, a cominciare dall’iconica fanfara che apre tutti i capitoli principali.

Chiunque, anche la proverbiale persona che ha vissuto in una grotta negli ultimi quarant’anni, conosce o ha visto di sfuggita l’inconfondibile title scroll iniziale, marchio di fabbrica della Saga. Esso però, per quanto innovativo e inimitabile, non lo sarebbe assolutamente se non fosse accompagnato da quella pomposa fanfara, trionfo di ottoni e violini, evocante avventura ed eroismo, i fondamenti cardine della Saga.

Decisamente uno dei temi musicali più famosi della storia del cinema.

Esso è inoltre il tema principale dell’intera saga e ricorre, anche con semplici accenni, nel corso di tutti i film. È utilizzato, inoltre, anche in una marea di altre produzioni legate a Star Wars: è tradizione che i videogiochi di Star Wars si aprano nello stesso modo dei film, con la fanfara e il title scroll.

Il Main Title dura tradizionalmente 1:25, cui segue un pezzo diverso e personalizzato per ciascuno dei film.

When I thought of a theme for Luke and his adventures, I composed a melody that reflected the brassy, bold, masculine, and noble qualities I saw in the character“―John Williams on writing the “Main Title”

Force theme/Binary Sunset (Star Wars Episode IV: A new hope, 1977)

Il tema della Forza, insieme al Main Title e alla Marcia Imperiale, è assolutamente il motivo più riconoscibile tra quelli che Williams ha composto per Star Wars.

Per farla breve, è il tema che si sente per la prima volta quando Luke guarda al tramonto dei due soli di Tatooine durante Una nuova speranza ed è forse il mio preferito: struggente, potente ed epico, quando l’ascolto mi sale un brivido e riesco a sentire la Forza che mi pervade, quella che dà al Jedi la possanz…ehm, ok avete capito.

Nella colonna sonora di Una nuova speranza il tema della forza è intitolato proprio “Binary Sunset” per la scena in cui si sente per la prima volta, ma da allora è stato utilizzato in tutti i film della saga: è considerato certamente come il tema di Luke (nacque però concettualmente come il tema di Ben Kenobi), ma compare ogni qual volta la Forza sia coinvolta in qualche modo, persino come tema funebre per la morte di Qui-Gon Jinn in La Minaccia Fantasma.

Princess Leia’s theme (Star Wars Episode IV: A new hope, 1977)

Un altro tema iconico della saga è quello legato alla Principessa Leia, e compare per la prima volta, ovviamente, in Una nuova speranza.

Ditemi: come avrebbe potuto non vincere la statuetta più ambita, quell’anno?

Il tema di Leia, che in L’Impero colpisce ancora si svilupperà nel tema d’amore “Han Solo and the Princess“, si apre con un intervallo di sesta maggiore, dicono i sapienti; il geniale Williams, trent’anni dopo, nel creare un nuovo tema d’amore, che stavolta si rivelerà tragico, deciderà di aprirlo con un intervallo di sesta minore.

Sottigliezze non immediatamente coglibili, ma che sicuramente impreziosiscono la tessitura dell’arazzo sonoro della Saga.

Il tema si ascolta nella sua interezza per la prima volta mentre Leia ricorda il suo passato: i flauti mi hanno sempre evocato l’immagine di un bucolico Alderaan, felice prima della tirannia imperiale. Pensate quanto possa bastar poco, alla musica, ad evocare immagini di posti che non abbiamo mai visto.

Il tema di Leia, meraviglioso, è riproposto durante tutta la Saga: fa la sua  comparsa anche nella trilogia prequel, legato al senatore Bail Organa, padre adottivo della principessa.

Imperial March (Star Wars Episode V: The Empire strikes back, 1980)

Si, lo so, stavate aspettando tutti che arrivasse il momento in cui avessi dedicato qualche riga alla marcia delle marce: la Marcia Imperiale, un altro degli iconici temi creati da John Williams per Star Wars, che fece la sua prima apparizione in L’Impero colpisce ancora.

Se di certo non sono io a dovervi ricordare come suona la Marcia Imperiale, perché la conoscete di sicuro, posso però svelarvi una curiosità sulla musica che ispirò Williams: ascoltatevi la Sonata per piano n. 2 di Chopin (nota come “Marcia funebre“) e “Marte, il Portatore di guerra” di Gustav Holst.

La Marcia Imperiale rappresenta esattamente la violenza, il terrore, il rigore, l’ordine e la marzialità di un impero spietato, che soggioga la galassia con il suo pugno di ferro. Sarà per questo che rende particolarmente se eseguita da bande militari, ove prevalgono gli ottoni?

Il tema della Marcia Imperiale ricorre ovviamente nelle apparizioni di Lord Vader, in tutti i film tranne che in Una nuova speranza; l’utilizzo però che ho trovato particolarmente azzeccato ed evocativo è quello fatto durante la trilogia prequel, associato alle azioni di Anakin non ancora corrotto dal Lato Oscuro: persino in La Minaccia Fantasma se ne può sentire un accenno quando Yoda ed Obi-Wan decidono che Anakin sarà addestrato alle vie dei Jedi e come lugubre finale del tema legato proprio ad Anakin bambino.

Rey’s theme (Star Wars Episode VII: The Force awakens, 2015)

Sebbene io preferisca nettamente le colonne sonore dei primi sei film (veri e propri capolavori della musica da cinema, e non solo), ciò non vuol dire che anche l’ultima trilogia non nasconda dei temi che meritino di essere presi in considerazione.

In particolare, il tema che ho preferito in assoluto è quello legato alla nuova protagonista, Rey.

Dopo aver guardato Il risveglio della Forza per la prima volta, John ha sentito una forte empatia con il personaggio di questa orfana misteriosa, abbandonata da tutti e ha voluto creare un tema nel quale si sentisse questa empatia e che non fosse il classico tema legato all’eroe, bensì che richiamasse all’avventura: un tema molto positivo, legato anche all’innocenza di Rey prima che gli eventi galattici le stravolgano l’esistenza.

“Rey, her theme has a musical grammar that is not heroic in the sense of a hero’s theme. It’s kind of an adventure theme that maybe promises more than resolving itself in the most major triumphant resolutions.”
―John Williams

Adoro il personaggio di Rey, e mi piace anche la nuova trilogia perché non sono vecchio abbastanza da essere così barboso da odiarla; e amo il tema di Rey, così leggero e pieno di amor d’avventura, perché Star Wars, alla fine, è grande anche perché riesce ad essere scanzonato e al contempo pieno di temi importanti, avventura, personaggi memorabili, battaglie e sentimenti.

Tutto insieme in una enorme epica moderna.

Ogni generazione ha una leggenda, e noi abbiamo quella di una galassia lontana lontana…

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Introduzione

Ci sono alcuni film horror che hanno fatto la storia, ma avete mai provato a guardare un lungometraggio di questo tipo senza soundtrack? Vi assicuro, fa metà, se non un terzo della paura che farebbe se la colonna sonora fosse presente.

Così ho pensato che sarebbe stato interessante, anche per cultura personale, analizzare le canzoni che hanno fatto la storia nell’ambito horror e scoprire perché aiutano la sensazione di paura trasmessa dal film.

Prima di entrare nel dettaglio, però, dobbiamo farci una domanda: perché questo tipo di musica ci fa spaventare?

Teoria

Secondo lo studio di Hans-Eckhardt Schaefer ( Music-Evoked Emotions—Current Studies, https://www.ncbi.nlm.nih.gov/pmc/articles/PMC5705548/) le onde sonore sono interpretate dall’orecchio e trasformate in segnali neurali che vengono inviati al cervello.

Ci sono quattro meccanismi nel suono che hanno rilevanza sulle nostre emozioni perché intervengono sui segnali che arrivano al cervello, questi sono: tempo, timbro, volume e consonanza.

Facendola molto, ma molto semplice, potremmo dire che: mischiando nella maniera corretta questi quattro segnali, si ottengono delle onde sonore che stimolano l’amigdala. Essa è il centro nervoso che controlla anche la paura, e che, se sollecitata, va a stimolare la ghiandola surrenale. Tale ghiandola inizia a produrre noradrenalina, una parola difficile che indica l’ormone che prepara il corpo a reagire in situazioni di imminente pericolo, principalmente aumentando la frequenza cardiaca.

Ma queste sono solo parole, passiamo al concreto!

Profondo Rosso – Goblin e Giorgio Gaslini

Questa composizione è veramente un capolavoro, invidiata da qualsiasi thriller/horror di altre nazioni.

In questa musica viene a galla il concetto di consonanza, ossia il suonare contemporaneamente due note (che possono essere sia differenti, sia uguali ma di ottave diverse) di modo che ascoltate assieme producano una melodia che sia orecchiabile.

La base di questo brano è semplicemente un giro di note fisso in consonanza, più precisamente ogni nota viene suonata in una ottava base e in due ottave più alta.

Per i non avvezzi un’ottava è una scala completa di otto note, ad esempio nella scala DO RE MI FA SOL LA SI DO il primo DO sarà quello di riferimento, mentre il secondo sarà un’ottava più alto.

Alla base si aggiunge poi un giro note suonate su un basso tagliate occasionalmente da alcuni picchi altissimi in timbro e molto forti in volume (minuto 0:25 nel video).

Ultimo ad arrivare sono gli accordi (gruppi di note suonate insieme) di organo assieme alle percussioni, fatti partire sul climax dell’azione nella scena (minuto 0:50 nel video).

Come è facile notare, questa parte ha una connotazione lugubre, che è data dall’uso di accordi in forma minore, il che significa la nota principale dell’accordo è spostata in basso di una terza (le terze funzionano allo stesso modo delle ottave).

The Murder – Bernard Herrmann

Non poteva mancare la colonna sonora di Psycho, il film horror per antonomasia, più precisamente quella della scena del delitto.

Staccato è la parola chiave di questo componimento. Lo Staccato è una tecnica ritmica in cui, come si può facilmente dedurre dal nome, si applica una pausa netta, di silenzio, tra un suono e quello successivo.

La prima parte di questo brano è una serie in Staccato di note di volume e tono estremamente alti, come per comunicare un senso di crescente ansia. Ovviamente non può mancare il solito gioco di consonanze (lungo tutta l’opera).

Passato il momento di climax, ossia quello dell’accoltellamento, il ritmo rallenta e il tono si abbassa notevolmente, mantenendo una punta di Staccato. Questo suscita allo spettatore la sensazione della morte lenta e dolorosa della protagonista. Se provate ad ascoltare questa parte con gli occhi chiusi, vi accorgerete di poterla paragonare al respiro rotto di chi è sul punto di morte (minuto 0:24 nel video).

The Shining – Wendy Carlos e Rachel Elkind

Per questo film ho deciso di prendere solo il brano iniziale, questo perché The Shining non ha un vero e proprio brano iconico, ma sono tutti egualmente peculiari. Per questo ho deciso, per evitare di scrivere un trattato, di parlare solo del tema iniziale.

Avete presente tutto quello che ci siamo detti finora? ritmi veloci, toni alti e altri mezzi per trasmettere ansia? Beh, dimenticate tutto perché The Shining è tutta un’altra storia.

Qui lo scopo fondamentale è quello di favorire l’inquietudine nello spettatore, far capire che, anche se la scena sembra mostrare una famiglia andare in vacanza, non è un film per bambini.

Questo scopo lo adempie eccome, attraverso l’utilizzo magistrale degli Ottoni: strumenti a fiato composti da ottone, come il trombone o il corno francese (dall’inizio).

La base di questo componimento sono note basse, molto allungate, punto di forza degli strumenti usati.

A favorire il senso di inquietudine, ogni tanto verrà fatto suonare uno strumento a corde, che però produrrà un suono distorto e con molto eco (minuto 1:15 nel video).

Ma non è finita qui, l’ultima chicca che porta questo brano è l’utilizzo di una voce (opportunamente modificata tramite dispositivi elettronici) come strumento (minuto 1:47 nel video).

Non so se è la presenza di inquietanti voci, ma sicuramente questa è la colonna sonora che svolge meglio il suo lavoro tra quelle che fino ad ora ho descritto.

Tubular Bells – Mike Oldfield

L’Esorcista, ci siamo arrivati.

Il titolo di questo brano, ossia Campane Tubulari, è il nome dello strumento a percussione usato come principale, assieme ad un piano.

Questa composizione, a parte per le sue campane tubulari, è veramente molto simile a Profondo Rosso.

La base è sempre composta da una serie di note in consonanza, con delle note di basso a condire il tutto (dall’inizio del brano).

A differenza però del primo brano di cui abbiamo parlato, qui troviamo una prepotente introduzione della chitarra elettrica distorta (minuto 3:52 nel video).

Udite udite signori e signore, mi permetterò di fare una critica ad un capolavoro come questo: secondo me Oldfield poteva fare a meno della chitarra elettrica. Non so perché, ma mi crea un senso di disorientamento, siamo sul set de L’Esorcista o ad un concerto Rock?

È chiaro, però, che questo strumento è una peculiarità, un qualcosa che nessuno aveva all’epoca.

Questo brano è bello perché è vario, pieno di particolarità e intrigante all’orecchio.

Conclusione

L’avventura alla scoperta dei misteri delle colonne sonore dei film horror più famosi è arrivata alla sua conclusione, un peccato, perché mi sono veramente divertito a scrivere questo articolo, è come se avessi dovuto immergermi nella testa dell’autore, per capire cosa intendesse fare con ogni cambio di tonalità o stile.

Ma è stato anche molto difficile, infatti chiedo scusa ai musicisti, di sicuro ho trattato qualche argomento troppo superficialmente.

Spero che questo articolo possa aiutarvi a capire meglio i prossimi film horror che andrete a vedere, inoltre, quali altre canzoni avreste inserito come iconiche? Raccontatemelo sul nostro gruppo Facebook!

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