Recensione

Lo dico subito, così ci togliamo il pensiero: io Street Fighter – Sfida finale, quello del 1994 con Jean-Claude Van Damme, lo adoro. So benissimo che è un film oggettivamente brutto e non ho alcuna intenzione di difenderlo davanti a una giuria, anche perché è davvero duro da difendere, però fa parte della mia gioventù ed è diventato iconico proprio grazie a tutto quello che c’è di assurdo sullo schermo, oltre all’essere il film di un gioco che ho adorato alla follia. Capirai quindi con quale stato d’animo mi sono seduto in sala per vedere in anteprima il nuovo Street Fighter, diretto da Kitao Sakurai (Bad Trip, The Eric Andre Show), prodotto da Legendary insieme a Capcom e in arrivo nei cinema italiani il 15 ottobre con Eagle Pictures, che ringrazio per l’invito all’anteprima. Si tratta di un reboot vero e proprio, che riparte da zero lasciandosi alle spalle sia il film con Van Damme sia lo sfortunato The Legend of Chun-Li del 2009, che ammetto di non aver neanche visto. Come sempre, recensione completamente SPOILER FREE!

Trama

Siamo nel 1993, l’anno in cui Street Fighter II regnava incontrastato nelle sale giochi, e per chi in quelle sale giochi ci ha lasciato pomeriggi interi (e parecchie monete) l’ambientazione è già un piccolo regalo. Ryu e Ken Masters, un tempo inseparabili e oggi divisi da un passato che nessuno dei due sembra aver davvero digerito, vengono trascinati di nuovo sul ring dalla misteriosa Chun-Li, che li recluta per il prossimo World Warrior Tournament. Dietro al torneo, però, si nasconde una cospirazione ben più pericolosa, che costringerà i due a fare i conti con gli avversari, con i propri demoni (anche in senso letterale…) e, inevitabilmente, anche l’uno con l’altro. E se non ci riescono? Beh, l’esito è piuttosto scontato: GAME OVER.

Più di così non ti racconto, anche perché la trama, per carità, non è il motivo principale per cui comprerai il biglietto. Street Fighter è un film dichiaratamente caciarone, che non si prende mai troppo sul serio e che punta tutto su combattimenti, personaggi sopra le righe e un’energia da sala giochi che si respira dall’inizio alla fine, per scelte visive e non solo. Ho riso parecchio, in più di un momento, e la scelta di giocare apertamente con il lato più esagerato del videogioco secondo me è quella giusta: provare a rendere “realistica” una saga in cui la gente spara palle di energia dalle mani sarebbe forse stato un errore.

Il film poi è letteralmente pieno di citazioni, alcune lampanti e pensate per far esultare chiunque abbia avuto un joystick in mano negli anni Novanta, altre molto più sottili, quasi nascoste, che probabilmente scoprirai solo alla seconda visione. Quella che mi ha colpito di più è forse la presenza di Joe, interpretato dal campione UFC Alexander Volkanovski: per chi non lo ricordasse, Joe era uno degli avversari che Ryu affrontava nel primissimo Street Fighter del 1987, e da allora è praticamente sparito dalla saga. Ripescarlo dopo tutti questi anni è il tipo di scelta che fa capire quanto chi ha lavorato al film conosca davvero la materia.

E qui arriva la parte che mi ha toccato di più: ci sono anche dei riferimenti al film del 1994, tra cui un omaggio al compianto Raúl Julia, l’indimenticabile Bison di allora. Julia girò quel film già gravemente malato e morì nell’ottobre del 1994, circa due mesi prima che arrivasse in sala; vedere che qualcuno se n’è ricordato, anche trent’anni dopo, mi ha fatto davvero piacere.

Forse l’unica cosa che mi ha fatto storcere il naso è che gran parte della trama ruota attorno ad un torneo: ok, è ciò che abbiamo visto anche nei giochi, ma saprai bene che la particolarità di Street Fighter era lo spostarsi in giro per il mondo e combattere proprio per strada. Qui ci sono combattimenti che si svolgono in posti al di fuori del ring, però sarebbe stato carino vedere più spostamenti e più “street fights”.

Cast

Partiamo dalla coppia protagonista, che funziona bene. Andrew Koji (già visto in Warrior e Bullet Train) dà a Ryu la giusta compostezza, quella del combattente silenzioso e un bel po’ tormentato, mentre Noah Centineo (The Fosters) si diverte chiaramente un mondo nei panni di un Ken sbruffone e carismatico, esattamente come dovrebbe essere, anzi, a volte anche un pelo “troppo”. La dinamica tra i due regge, e il loro rapporto è il cuore emotivo del film. Callina Liang (Presence) è una Chun-Li convincente, determinata, dura e credibile nelle scene d’azione, e mi è piaciuto che non sia stata ridotta a semplice spalla dei due protagonisti. Anzi, so che l’attrice si è sottoposta ad un duro allenamento per rendere omaggio al personaggio di Chun-Li, cosa che è decisamente riuscita.

Discorso a parte per David Dastmalchian (The Dark Knight, Dune, Suicide Squad), che raccoglie un’eredità pesantissima nei panni di M. Bison. Quando era stato annunciato avevo qualche dubbio, perché fisicamente è lontano dal personaggio del videogioco, eppure ne esce benissimo: il suo Bison è inquietante e al tempo stesso perfettamente in linea con il tono sopra le righe del film. Non era facile, e lui ci è riuscito. Anzi, colgo l’occasione per sottolineare come sia un attore forse un po’ sottovalutato!

Poi c’è Jason Momoa, che a quanto pare si è praticamente autoproclamato Blanka e che si vede quanto si sia divertito a interpretarlo. Il problema, almeno per me, è che di Momoa resta poco: il personaggio è affidato in larga parte alla computer grafica, e avrei preferito vedere molto più trucco e molto più attore. Peccato, perché l’entusiasmo c’è tutto, ma viene un po’ sepolto sotto gli effetti digitali.

Ed eccoci al limite più evidente del film, cioè troppi personaggi. Oltre ai nomi già citati troviamo Cody Rhodes come Guile, Roman Reigns come Akuma, 50 Cent come Balrog, Olivier Richters come Zangief, Vidyut Jammwal come Dhalsim, Orville Peck come Vega, Mel Jarnson come Cammy, Hirooki Goto come E. Honda e persino Dan Hibiki, Juli e Don Sauvage. Per chi è cresciuto con il gioco vederli tutti insieme è una gioia, ma in poco meno di due ore lo spazio è quello che è, e diversi di loro finiscono per essere poco più di una bella comparsata. Alcuni avrebbero meritato decisamente più tempo per essere caratterizzati, e in un paio di frangenti, quando lo schermo si riempie di combattenti, si perde anche un po’ il filo di cosa stia succedendo e perché.

Per quanto riguarda la regia, Kitao Sakurai porta in dote il suo passato nella commedia, e si sente: i tempi comici funzionano, le gag arrivano quasi sempre a segno e l’alternanza tra risate e scazzottate scorre in modo naturale in quasi tutte le occasioni. Nel complesso il film è fatto bene, curato e piacevole da guardare, con un’attenzione ai dettagli che chi ama la saga noterà subito. La confusione di cui parlavo nasce più dalla scrittura e dal numero di personaggi da gestire che da una regia incerta.

Concludendo

Street Fighter mi è piaciuto abbastanza, e non lo dico a denti stretti. È un film che sa esattamente cosa vuole essere, cioè un grande omaggio alla saga Capcom, rumoroso, colorato e divertente, che rispetta il materiale di partenza senza prendersi troppo sul serio. Il cast principale funziona, Bison è in ottime mani e le citazioni sono talmente tante che rivederlo sarà quasi obbligatorio.

D’altro canto, la voglia di mettere dentro praticamente tutto il roster si paga: diversi personaggi restano in superficie, qualcuno quasi ridotto a macchietta, mentre il Blanka di Momoa, per i miei gusti, è davvero troppo digitale. Difetti che non rovinano l’esperienza, ma che impediscono al film di fare quel salto di qualità che avrebbe potuto fare con qualche combattente in meno. E a volte la scrittura traballante fa un po’ di salti forzati che mi hanno lasciato dubbioso, ma in fondo va bene così.

Se hai una storia di combattimenti all’ultimo Hadoken tra cabinati e pad, devi vederlo per forza, non ci sono discussioni. Poi magari non ti piace, però vederlo ci sta tutto. Se invece cerchi una storia solida e approfondita, potresti trovarlo un po’ caotico. Da fan del film del 1994 (sì, ancora quello), posso dirti che questa volta la saga è stata trattata con molto più rispetto, e mi piacerebbe proprio vedere cosa potrebbe fare un secondo round, magari con qualche personaggio in meno e più tempo per quelli che restano.

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Nerdando in breve

Street Fighter è un reboot caciarone e pieno d’amore per la saga, con un buon cast ma troppi combattenti in poco tempo: siamo pronti a premere START ancora una volta?

Trailer

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Bubble and Shadow

Cavaliere: Questo gioco di carte colpisce per le illustrazioni e i materiali di altissimo livello riuscendo al contempo ad avere un prezzo basso, ma anche il gameplay è divertente e inaspettatamente innovativo. Quindi una vera chicca! Inoltre la recensione (che trovi qui) è anche un’anteprima in quanto questo gioco da tavolo è ora in preordine!

Coyote vs Acme

Cavaliere: Coyote vs. Acme è diventato famoso per la sua travagliata storia durata anni. Lo consiglio visto che è intrattenente e offre anche altro, quindi oltre la narrazione social del film che doveva essere cancellato e altre frasi fatte che lasciano il tempo che trovano. Anche in questo caso non mi dilungo visto che trovi la recensione no spoiler qui!

The Doomies

Cavaliere: Non darò l’Award a The Doomies visto che, per ora, serie come The Amazing Digital Circus e la seconda stagione di Frieren le sono superiori. Ma si tratta di una serie ben fatta, senza puntate del cavolo, semplice e per ragazzi nel senso buono del termine. Inoltre azzecca alla grande l’atmosfera “spooky“, perfetta visto che si avvicina Halloween.
Poi diciamolo, mi lamento che Disney si sia impantanata a produrre sempre le stesse cose, almeno quando pubblica qualcosa di nuovo e di qualità sventoliamolo ai quattro venti! Invece, come sempre accade, non se l’è filata nessuno ed è un gran peccato! Quindi alla fine a The Doomies ho voluto tanto bene.
Puoi guardare questa serie su Disney+, ma senza spoiler ti avverto che la prima stagione “non finisce”.

I Guerrieri di Wyld

Zeno2k: Ovvero: il romanzo che ho sempre sognato di [leggere|scrivere|giocare].

Ovvero: l’idea di trasformare una campagna di Dungeons and Dragons in un romanzo non era così folle e astrusa.

È quello che ha fatto il canadese Nicholas Eames, dando vita a un racconto complesso ma non complicato, divertente, emozionante, un vero sogno per chiunque abbia una certa età (come me) e ne ha passato più di metà dedicata al gioco di ruolo per eccellenza.

In breve, la trama: i componenti della banda Saga, la più famosa banda di mercenari del mondo, vengono riuniti per una missione finale in cui, oltre a tutti gli orrori che puoi trovare nel manuale dei mostri, dovranno essere affrontati quelli più difficili: l’età che avanza, l’amore per la famiglia, lo scendere a patti con il corpo e la mente che cambia.

Imperdibile.

Silo – Stagione 3

Zeno2k: Da grande amante dei libri, ho trovato la produzione Apple TV estremamente ben fatta e convincente.

Ero curioso di sapere cosa avrebbero combinato per gestire l’assenza della protagonista dal secondo volume (che di fatto è un prequel) e la soluzione (prendere dal terzo libro ed espandere) mi ha convinto.

Alcuni passaggi risultano un pelo lenti ma mai stucchevoli, segno di un’ottima scrittura e della grande cura messa nell’espandere quello che nel libro non c’è, così come è stata rimossa buona parte dell’architettura dei Silo e che, probabilmente, virata in TV show sarebbe risultata mortalmente noiosa.

Insomma: non vedo l’ora di vedere la conclusione (sperando che la prossima stagione sia l’ultima).

Constellation

Zeno2k: Noomi Rapace è protagonista di questa miniserie disponibile su Apple TV a tinte fanta-horror. Personalmente l’ho trovata intrigante, magnetica, inquietante al punto giusto e con un bel mix dei temi più caldi al momento, dall’entanglement quantistico agli spazi liminali.

La trama, in breve: a seguito di un incidente a bordo della ISS, l’astronauta svedese Johanna Ericsson torna sulla Terra trovando una situazione (personale) diversa da come la ricordava.

Dal punto di vista produttivo si era ventilata la possibilità che venissero ordinate più stagioni, ma alla fine Apple ha optato per una singola, cancellando la serie.

Il finale è semi-aperto, merita comunque di essere vista.

Onimusha: Way of the Sword

Djando: L’ho scritto già nella mia recensione ma lo ripeto con piacere qui: questa nuovo “capitolo” di Onimusha, a un milione di anni dall’ultima volta che è stato sulle nostre console, mi è piaciuta da matti e la consiglio veramente di cuore.

Una direzione artistica eccellente, una grafica e un motore di gioco senza sbavature, unite a un sistema di combattimento semplice ma profondo e a un protagonista che poche volte ha avuto un aspetto così vivo – oltre che così “noto”, avendo le fattezze del mitico Toshihiro Mifune – ci hanno regalato un gioco che mi ha tenuto incollato allo schermo come non succedeva da un bel po’ di tempo.

E poi si sa, io quando vedo le foglie rosse di acero, non ci capisco più niente.

The Gentlemen

Tencar: La seconda stagione di The Gentlemen ha tutto ciò che adoro in una serie action. Non c’è stato un minuto fuori posto: da vedere su Netflix.

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Ci sono serie che si perdono per strada e serie che restano lì, in attesa che qualcuno si ricordi di loro. Onimusha per me apparteneva alla seconda categoria: dopo Dawn of Dreams, nel 2006, Capcom ha semplicemente smesso di parlarne, e vent’anni di silenzio bastano a trasformare l’attesa in rassegnazione. Onimusha: Way of the Sword, è arrivato il 4 settembre su PlayStation 5, Xbox Series X|S, Nintendo Switch 2 e PC. L’ho giocato su PlayStation 5 Pro grazie a una copia recensione inviata da Capcom, che ringrazio. Te lo dico subito, perché tutto quello che leggerai dopo parte da qui: mi è piaciuto tantissimo. È un gioco che sa esattamente cosa vuole essere, senza rincorrere le mode del momento, e che proprio per questo mi ha tenuto incollato dall’inizio alla fine.

Recensione

La storia di Onimusha: Way of the Sword è completamente autonoma, quindi potrai affrontarla anche senza aver mai toccato un Onimusha in vita tua. Siamo in una Kyoto di epoca Edo attraversata da una corruzione soprannaturale che richiama in città i Genma, e colui che si ritrova a fare da argine è niente di meno che Miyamoto Musashi, giovane, irruento e ancora parecchio lontano dal mito. Il Guanto Oni che gli viene imposto è tanto un’arma quanto una condanna, e dentro ci abita uno spirito femminile che diventa presto la voce con cui Musashi discute, litiga e ragiona. Attorno a lui ruotano tanti personaggi, tra cui il rivale Sasaki Ganryu, l’Okuni che tutti conosciamo come inventrice del kabuki e una galleria di antagonisti che pescano a piene mani nel folklore giapponese, Shuten Doji compreso.

Ed è qui che il gioco mi ha conquistato più di quanto mi aspettassi. La mitologia fa da tessuto al racconto invece che da verniciatura esotica: le missioni dedicate ai misteri della città sono piccole favole popolari, spesso macabre, che spiegano il mondo mentre te lo fanno attraversare.

Sul protagonista serve una doverosa premessa. Il Musashi storico, vissuto tra la fine del Cinquecento e la metà del Seicento, fu il fondatore della scuola a due spade Niten Ichi-ryu e l’autore del Libro dei cinque anelli, ma l’immagine che quasi tutti abbiamo in testa nasce dal romanzo di Eiji Yoshikawa, che ne ha fatto un personaggio popolare. Da quel romanzo derivano sia la trilogia cinematografica di Hiroshi Inagaki, girata tra il 1954 e il 1956 con Toshiro Mifune nei panni del guerriero, sia il Vagabond di Takehiko Inoue.

Capcom ha ottenuto dalla Mifune Productions il diritto di usare le sembianze dell’attore, quindi il rimando al cinema è letterale, ce l’avrai proprio davanti agli occhi! Il carattere però guarda altrove: questo Musashi sporco, ostinato e ancora tutto istinto somiglia parecchio al Takezo che Takehiko Inoue (sì, l’autore di Slam Dunk e Vagabond!) disegna nelle prime centinaia di pagine. Volto di Mifune, temperamento da Vagabond, e la sintesi funziona benissimo. Anzi, nelle prime fasi di gioco c’è persino della comicità in alcune situazioni, cosa che mi ha totalmente ricordato quei film e l’umorismo tipicamente giapponese.

Riuscirà il nostro Musashi a sopravvivere in questo mondo divenuto particolarmente ostile, e quali sono i misteri dell’indecifrabile “Uomo in bianco“? A te il piacere di scoprirlo!

Gameplay

Partiamo dalle basi: Onimusha: Way of the Sword vuole essere un gioco all’altezza del tempo in cui ci troviamo ma senza snaturare la sua essenza. La struttura alterna infatti livelli piuttosto lineari a una Kyoto che si apre progressivamente e fa da base tra un capitolo e l’altro. Non aspettatevi un open world e nemmeno un metroidvania: si va avanti, si torna indietro quel tanto che basta a raccogliere quello che avevate lasciato lì, e il backtracking non diventa mai un lavoro. Anzi, l’esplorazione leggera è una delle cose che ho apprezzato di più, perché ti concede una pausa tra uno scontro e l’altro senza mai spezzare il ritmo. Le deviazioni sono brevi, le ricompense arrivano subito e la Visione Oni aiuta a scovare passaggi e nemici nascosti senza trasformare il gioco in una caccia al tesoro, anche se ammetto che per raggiungere qualche oggetto è stato interessante girare fra i vicoli della vecchia Kyoto (e non solo).

Il combattimento è il cuore di tutto ed è tarato sulla lettura, non sulla velocità delle dita. Attacco leggero, attacco pesante, parata e schivata: le fondamenta sono semplici, ma la profondità arriva dal tempismo. Parare al momento giusto riempie una barra che permette di aprire la guardia avversaria, e da lì si passa all’Issen, il colpo perfetto che è la firma della serie fin dal primo capitolo. Dovrai in pratica colpire l’avversario quasi in contemporanea ad un suo colpo, e non c’è alcun indicatore a schermo che suggerisca l’istante buono, toccherà impararlo osservando le animazioni, ed è esattamente questo che rende ogni esecuzione così soddisfacente. Le varianti che permettono di incatenare l’Issen su più nemici o di infierire su un avversario in stordimento allargano il ventaglio quanto basta.

Inoltre, c’è la modalità ardente, che sbloccherai abbastanza presto: parando all’ultimo, riempirai una barra che ti permetterà di essere più letale e anche di ridurre prima la resistenza del nemico. Insomma, tanti modi per far male a chi si frapporrà tra te e il tuo obiettivo.

Il Guanto Oni gestisce le anime: quelle gialle rimettono in sesto la salute, quelle rosse servono a comprare potenziamenti, quelle blu alimentano le armi Oni (martello, lancia, clave, e così via), utilizzabili solo per un numero limitato di colpi ma con effetti decisamente importanti. Questa scarsità mi è piaciuta, perché costringe a decidere quando spendere la propria carta migliore invece di premere un tasto ogni volta che si accende un’icona. Ovviamente le anime blu saranno leggermente più rare da trovare.

Parlando degli Oni, accennavo circa le loro armi, tuttavia non dimentichiamoci le Abilità Oni! Queste abilità, sbloccabili nel corso dell’avventura, ci permetteranno di scoprire segreti nascosti agli occhi umani, avere forza sovrannaturale per sfondare i blocchi che troveremo in giro, fino a risvegliare il nostro “Oni interiore” per aprirci con facilità un varco tra le schiere nemiche. Molto interessanti, non c’è che dire.

Sulla crescita del personaggio qualcuno storcerà il naso, ma io la vedo diversamente. L’albero delle abilità è completo, tocca tutto quello che serve, e i materiali che si raccolgono in giro permettono di rinforzare l’equipaggiamento in modo graduale. Non è un sistema enorme e non pretende di esserlo: la componente “ruolistica” resta volutamente al minimo, perché il gioco vuole che pensi al duello e non alle statistiche. Per come è costruito il resto, è secondo me la scelta giusta.

Il livello di sfida cresce in modo evidente man mano che si avanza, e i boss sono davvero il punto più alto della produzione. Le missioni secondarie di puro scontro, invece, restano la parte forse più dimenticabile del pacchetto: servono a fare scorta di materiali e a poco altro, e qualche nemico lo rivedrete più volte del necessario. Aggiungo infatti che, come nel migliore dei soulslike (ma per fortuna qui siamo ad anni luce di distanza!), accedere agli specchi sparsi qua e là per la mappa permetterà di salvare e di potenziarci, attivando tuttavia il respawn dei nostri nemici. Pazienza, anime in più da raccogliere.

Audio e Video

Lo stile grafico è una meraviglia. La Kyoto di Onimusha: Way of the Sword è cupa, umida, piena di lanterne e legno annerito, e il RE Engine restituisce templi e vicoli con una cura che si sente in ogni inquadratura. Il design dei Genma è grottesco al punto giusto, con creature che sembrano uscite da una stampa antica e passate dentro un incubo. So che una palette così cupa non metterà d’accordo tutti, io ci ho visto una direzione artistica coerente e parecchio evocativa, e in più di un’occasione mi sono fermato semplicemente a guardare. Ammetto che alcuni passaggi mi hanno ricordato il buon Sekiro, che già tanti anni fa ci aveva dato un Giappone decisamente bello da vedere (e dove si moriva male, come scrivevo nella mia recensione).

Il capitolo tecnico più interessante riguarda però il volto del protagonista. L’animazione facciale ricostruita a partire dalle sembianze di Mifune è impressionante, con microespressioni e scatti dello sguardo che riconoscerai se hai presente l’attore, e le sequenze di intermezzo hanno un taglio quasi cinematografico. Su PlayStation 5 Pro troverai le due modalità ormai consuete, una orientata alla risoluzione e una alle prestazioni, e il colpo d’occhio regge in entrambi i casi, quindi la scelta dipende più dal tuo gusto che da un reale scarto qualitativo. Rarissimi sono stati i cali di framerate nella modalità qualità, ma davvero nulla di che.

Sul fronte sonoro la colonna sonora punta su strumenti tradizionali giapponesi e lavora bene di atmosfera. Forse capiterà anche a te, ma uno dei brani mi ha ricordato lo sfondo sonoro del menu principale della PS5, e mi sono chiesto un paio di volte se non avessi scoperto un nuovo bug!

Merita una segnalazione il doppiaggio italiano, presente per la prima volta nella storia della serie e realizzato con attenzione. Tuttavia, chi mi conosce lo sa, non posso che consigliare quello originale giapponese, dove potrai ascoltare anche i modi di parlare diversi dei vari personaggi, perfettamente in linea con il contesto.

Concludendo

Onimusha: Way of the Sword è il ritorno che speravo e non credevo più di vedere. Capcom ha ripreso una formula vecchia di vent’anni, l’ha ripulita, le ha dato un protagonista carismatico e un immaginario folklorico ricchissimo, e ha avuto il buon senso di non appesantirla con sistemi che non le servivano. Il combattimento regge tutta la struttura e migliora man mano che si gioca, la progressione è misurata, la direzione artistica è tra le cose più belle che abbia visto quest’anno. I limiti ci sono e li ho segnalati, ma restano confinati nelle attività secondarie più ripetitive, che si possono tranquillamente centellinare senza perdere nulla di importante.

Lo consiglio a chi ama gli action in cui conta la lettura dell’avversario più della frenesia, a chi ha nostalgia dei capitoli su PlayStation 2 e a chiunque abbia un debole per il folklore giapponese. Potrebbe risultare ostico a chi cerca combo lunghissime e libertà assoluta di movimento, e frustrante a chi non ha pazienza con le parate a tempo, perché lì il gioco non fa sconti a nessuno.

Per il resto, buon divertimento e attenzione all’Uomo in bianco!

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Nerdando in breve

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Ricordo benissimo la prima volta che entrai in contatto con Pragmata, e non nego che mi ha incuriosito fin da subito, con quel mix tra un personaggio in tuta ipertecnologica… e una bambina dai lunghi capelli biondi e un piumino blu! Dopo anni, finalmente Capcom ha rilasciato Pragmata per le piattaforme maggiori, e io son qui a raccontare le mie impressioni grazie alla copia per PlayStation 5 che ci è stata inviata, per la quale ringrazio sentitamente Capcom.

Recensione

La vicenda di Pragmata si svolge interamente su The Cradle, una stazione di ricerca lunare costruita per estrarre e studiare la lunite, un minerale scoperto sul suolo lunare con proprietà quasi magiche: può essere riprocessato tramite stampa 3D molecolare per produrre qualsiasi cosa, armi comprese. Un’utopia tecnologica, che mi piacerebbe davvero poter toccare con mano… o forse no.

Il protagonista è Hugh, un ingegnere spaziale che arriva sulla stazione in seguito a un “incidente critico” dai contorni poco chiari. L’impatto è traumatico sin dai primi minuti: la struttura è silenziosa, buia, infestata da robot diventati ostili sotto il controllo dell’IA di gestione centrale, denominata IDUS. A salvare Hugh c’è Diana, una Pragmata – androide dalle sembianze di una bambina – che sembra sapere tutto di quella base e pochissimo di se stessa.

Capcom ha dichiarato più volte di voler costruire una narrativa fantascientifica accessibile, senza muri di lore da scalare e aspetti tecnici snocciolati ogni cinque minuti. L’obiettivo è centrato: la storia funziona proprio perché si fida del rapporto tra i due protagonisti per tenere alta la tensione emotiva. Il mistero dietro IDUS, i segreti della lunite e il destino del personale umano sono tutti elementi ben presenti, ma restano lo sfondo su cui si muove qualcosa di più intimo: la costruzione di un legame tra un uomo disorientato e un’androide che non capisce fino in fondo cosa prova, o cos’è.

Non mi dilungo per evitare spoiler, ma posso dire che la durata è tra le 8 e le 12 ore per la campagna principale, con contenuti endgame che allungano significativamente la vita del titolo per chi vuole andare oltre.

Gameplay

Ed eccoci qui. Se la storia fa il suo dovere, il gameplay è il vero motivo per cui Pragmata merita attenzione.

La base è quella di uno sparatutto in terza persona: coperture, schivate, gestione della distanza dai nemici, armi da fuoco con un buon peso e feedback soddisfacente. Fin qui nulla di sorprendente. Anzi, lo dico per puro gusto personale: meno male che non ci sono meccaniche troppo “alla souls”! Il colpo di genio arriva però quando metti mano al sistema di combattimento nella sua interezza: i robot di The Cradle sono protetti da corazze e scudi energetici che li rendono praticamente impermeabili alle pallottole, finché non li “apri” tramite un hack eseguito in tempo reale da Diana.

Attivare l’hacking sovrappone al bersaglio una griglia di nodi colorati nel momento in cui lo prendi di mira con la tua arma: devi tracciare un percorso collegando i nodi potenzianti (più danni, più durata della finestra di vulnerabilità, effetti di stato) fino al nodo finale di esecuzione, tutto mentre i nemici continuano a muoversi, sparare e cercare di farti a pezzi. La finestra di vulnerabilità che si apre una volta completata la griglia è il momento in cui scarichi tutto su quel povero robot e, se hai costruito bene il percorso, lo guardi esplodere in mille detriti soddisfacenti.

Il trucco – e la complessità – è che non stai risolvendo un puzzle in pausa. Stai risolvendo un puzzle in mezzo al caos. Devi tenere sotto controllo la posizione di Hugh, orientare la telecamera, capire da dove arrivano i colpi in arrivo, decidere se interrompere l’hack per schivare o stringere i denti e chiuderlo prima di incassare, e al tempo stesso costruire mentalmente il percorso migliore sulla griglia. Il tutto usando in pratica entrambi i tuoi emisferi cerebrali, vista la “dissociazione” tra le due mani. Detto così sembra un incubo logistico. In pratica, con un po’ di allenamento, diventa uno degli action più appaganti a cui abbia messo mano da anni. Il momento in cui la testa e le dita smettono di combattersi e iniziano a collaborare – l’hack ben piazzato, la schivata al millimetro, la raffica di precisione sui punti deboli appena esposti – ha una soddisfazione rara, quasi simile a quando riesci a “leggere” bene un match di qualsiasi gioco competitivo. Non è un caso che diversi colleghi abbiano tirato in ballo paragoni con il feeling di un rhythm game sovrapposto a uno shooter.

Il sistema di progressione aggiunge ulteriore profondità senza appesantire: le armi secondarie sono generate via stampa 3D e si distruggono dopo l’esaurimento delle munizioni, obbligandoti a riadattare costantemente il tuo arsenale. I nodi di hacking disponibili cambiano di run in run, con un numero limitato di attivazioni che spinge a variare la strategia invece di appiattirsi su una combo preferita. Non è il gioco che ti permette di trovare una build perfetta e di pilotare automatico fino ai credits. Ma è il gioco che ti permette di esplorare le possibilità e di avere comunque un minimo di pianificazione prima di ogni missione.

Fuori dai combattimenti, il jetpack di Hugh introduce sezioni platform leggere, salti assistiti e brevi tratti in bassa gravità, oltre a piccoli enigmi ambientali risolti tramite hacking su terminali statici. Non siamo ai livelli di un platform dedicato, ma queste sezioni respirano bene e smorzano l’intensità degli scontri senza annoiare. Anzi, a volte, mi hanno anche un po’ fatto sclerare!

Se c’è una critica da fare, è che la curva di apprendimento nelle prime ore può sembrare un po’ ripida, soprattutto per chi si aspetta un action immediato e senza troppi fronzoli. Pragmata non è punitivo nel senso souls-like del termine, ma richiede presenza mentale costante: non è il gioco per sbloccare il cervello dopo una giornata pesante. Io l’ho trovata una qualità, non un difetto – ma è giusto saperlo in anticipo.

Infine, un elemento veramente ben realizzato, ossia il Rifugio. Enorme “safe room” – siamo sempre in casa Capcom, qualcuno ha detto macchina da scrivere? – che sarà ampiamente personalizzabile, sarà anche fonte di numerose interazioni con Diana e con il simpatico (ma a volte impertinente) Mr. Cabin, robot che vi farà usare delle monete dedicate per ottenere bonus speciali. Il Rifugio è il posto dal quale partiremo prima di ogni missione e che potremo utilizzare per tutti gli upgrade possibili e immaginabili, nonché per la creazione delle armi che vorremo portare con noi in battaglia; nei vari livelli troverai degli ingressi speciali per il rifugio, permettendoti quindi di avere dei “checkpoint” per far crescere le capacità di Hugh e Diana in corso d’opera, e anche per salvare il gioco, cosa non possibile in missione. Ma fai attenzione: accedere al Rifugio farà fare respawn ai nemici!

Audio e Video

Su PS5 Pro, Pragmata è un piccolo spettacolo tecnico. Il RE Engine torna a fare quello che sa fare meglio – illuminazione globale convincente, superfici materiche e dettagliatissime, animazioni fluide – questa volta in un contesto che per certi versi è più “silenzioso” di un classico horror Capcom, ma non meno elaborato. La stazione lunare è un personaggio “vivente” a tutti gli effetti: corridoi sterili che si alternano a hangar devastati, cupole trasparenti dove la Terra fa capolino nel buio cosmico, moduli ghiacciati, stanze di ricerca abbandonate che raccontano la storia di quello che è successo senza una riga di dialogo. Ogni area ha una sua tavolozza cromatica riconoscibile, e la direzione artistica mantiene una coerenza stilistica che impressiona. Incredibile la riproduzione di New York, vedere per credere.

Su PS5 Pro il gioco gira a risoluzione nativa 4K con 60 fps stabili in modalità standard. Attivando il profilo ad alto frame rate si arriva fino a 120 fps, anche se su questo preset il frame rate non è completamente fisso – restando comunque ben al di sopra di quello ottenibile su PS5 base, dove la situazione è più compromessa. Nei momenti di hacking con effetti particellari pesanti e nemici multipli sullo schermo, la stabilità è quella che ti aspetti da Pro: nessuna esitazione che compromette la leggibilità degli scontri, il che in un gioco che ti chiede di leggere la griglia in tempo reale è quasi una necessità.

Il design sonoro lavora con un approccio che quelli bravi definirebbero “di sottrazione“: colonna sonora fatta di synth metallici, droni elettronici e brani più tesi durante i combattimenti, senza mai sovrastare quello che sta succedendo sullo schermo. Non è una OST da playlist standalone, ma costruisce l’atmosfera giusta per un gioco che si muove su toni freddi, quasi claustrofobici. E, come tipico di alcuni action, Hugh ci avviserà quando l’ondata di nemici è terminata, così da permetterci di resecare un momento i nostri poveri emisferi e tirare il fiato.

Gli effetti audio sono precisi e soddisfacenti: le scariche elettriche degli hack hanno un impatto fisico immediato, le armi suonano come dovrebbero, i robot che crollano a pezzi emettono quel crepitio metallico che ti fa capire di aver fatto un buon lavoro. Il doppiaggio in inglese – con sottotitoli in italiano – è misurato e credibile, con Hugh e Diana che costruiscono la loro relazione anche attraverso il tono di voce, senza eccessi melodrammatici. Io, tuttavia, anche questa volta ho scelto il doppiaggio in giapponese – è un vizio, lo so!

Concludendo

Pragmata è esattamente il tipo di gioco che mi aspettavo da Capcom quando annunciò la nuova IP anni fa: una produzione coraggiosa, focalizzata su un’identità precisa, che non cerca di accontentare tutti ma sceglie una direzione e la percorre fino in fondo. Il sistema di combattimento, con l’hacking in tempo reale integrato nell’azione, è la cosa più fresca e originale che ho visto negli action di questa generazione: richiede coordinazione, attenzione e un certo grado di apprendimento che non tutti potrebbero apprezzare, ma premia in modo straordinario quando finalmente scatta tutto. Su PS5 Pro, tecnicamente, è davvero incredibile.

La narrativa, pur raccontata bene, forse non porta novità incredibili, e qualcuno potrebbe storcere il naso davanti a una durata che non giustifica appieno il prezzo da tripla A. Ma per me, in questo 2026 affollato di sequel e remake, un gioco che osa creare qualcosa di nuovo – personaggi inediti, universo inedito, meccaniche inedite – merita tantissimo rispetto e qualche ora del nostro tempo. Pragmata le merita tutte.

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Nerdando in breve

Capcom rischia tutto su una nuova IP sci-fi e vince: in Pragmata troverai hacking e shooting sincronizzati, atmosfera lunare da manuale, e su PS5 Pro gira che è una bellezza.

Trailer

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Appena uscito ma già abbondantemente spolpato, Resident Evil Requiem è ricco di easter egg tratti dai precedenti titoli della serie.
Ne ho raccolti cinque (più bonus) che mi hanno particolarmente divertito, ma sappi che sono molti, molti di più.

Ma attenzione: ci sono spoiler. Leggi solo se hai già giocato il titolo.

Sanguis Virginis

Una volta uscita dal centro di Cura, Grace entrerà nel lodge VIP alla ricerca delle chiavi dell’elicottero. All’interno del lounge dovremo risolvere un semplice puzzle per aprire la strada verso i sotterranei, ed è qui che appare la bottiglia di vino imbottigliata presso lo Chateau Dimitrescu.
Il riferimento a RE Village è più che evidente.

Il cappello di Jill Valentine

Uno dei momenti più emozionanti di Requiem vede Leon tornare là dove lo abbiamo incontrato per la prima volta (e infatti qui gli easter egg si moltiplicano). Ho scelto questo: esplorando l’ufficio STARS nel Police Department, è possibile trovare il cappello del costume originale di Jill Valentine (era anche un costume bonus di RE 3 remake).
Come detto, nel RCPD, troverai un sacco di easter egg: ti lascio un indizio. Vai a caccia di Mr Tofu!

Roulette

Torniamo nei panni di Grace, avrai notato la roulette? È nella stanza dei giochi e qui, spendendo le monete antiche, puoi sbloccare dei perk. Ebbene: se hai giocato abbastanza alla roulette, scoprirai che escono solo tre numeri: 7, 15 e 29. E se spari al numero che poi esce, ti appare un ulteriore moneta antica.

Analisi del sangue

Questa è una chicca che solo lo stile grafico arcaico poteva suggerire. Analizzando i campioni possiamo sbloccare ricette per Grace. Lo strumento, a video, riporta il nome: ANALYZER__Ver. 1.21.8991.
Leggilo al contrario: Gennaio, 21, 1998. L’anno di uscita di Resident Evil 2, in America.

Scassinare

C’è un trofeo dal nome sibillino: “come madre, tale figlia” che si sblocca la prima volta che scassiniamo una serratura con Grace. Il riferimento è alla protagonista di Resident Evil Outbreak, Alyssa Ashcroft, madre di Grace e alle sue abilità di scassinatrice, appunto.

Bonus

Ho promesso un bonus e non posso che dire che mi ha fatto saltare sulla sedia, non appena ho sentito pronunciare il nome. Il villain di Requiem è di per sé un easter egg: ricalca l’aspetto e i poteri di Albert Wesker, che compare in diversi episodi della serie e che tira le cuoia al termine di quinto capitolo.
Ma come si chiama questo figuro? Zeno.
Chissà se hanno solo dimenticato il “2k” o è un omaggio al me ragazzo ante millenium bug.

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Recensione

Cinque anni sono passati dagli avvenimenti di Resident Evil Village e ben trenta dalla distruzione di Racoon City raccontata in Resident Evil 3: Nemesis. Ma ora, alla sua nona iterazione della saga principale, è giunto finalmente il momento di tornare proprio a Racoon City per una nuova sinfonia mortale. Per due.
Questo è Resident Evil Requiem.

Trama

Protagonista di Resident Evil Requiem è Grace Ashcroft, agente dell’FBI e figlia di Alyssa Ashcroft, personaggio dei due Outbreak. In Requiem viene ingaggiata per indagare sulla morte della madre, avvenuta 8 anni prima degli eventi qui narrati.
Ma la strada di Grace incrocia quella di un altro grande protagonista del passato, quel Leon Kennedy che abbiamo amato sia in Resident Evil 2 e soprattutto RE 4.

Vuoi altre informazioni sulla trama, e magari senza spoiler? Posso solo dirti che, come agente dell’FBI, guiderai Grace nell’indagine attorno ad alcune morti sospette e come Leon farai piazza pulita di infetti.
Non aggiungo altro perché ogni parola sarebbe una parola di troppo: devi immergerti in questo nuovo orrore e scoprire cosa ti attende dietro (letteralmente) ogni angolo.

Gameplay

Dopo aver amato i remake -due, quattro e tre, in quest’ordine di preferenza-; dopo aver adorato Village e i suoi protagonisti, nonostante non sia un appassionato del gioco in soggettiva, non vedevo l’ora di scoprire in quale direzione sarebbe andata la saga, non solo dal punto di vista della trama, sempre affascinante, ma soprattutto dal punto di vista del gameplay: ritorno alle origini (terza persona) o continuità (prima persona)? E ancora: più survival horror o più action?

Bene, la risposta è stata folgorante: entrambe.
A differenza di RE 2, in cui avevamo comunque due protagonisti ma con playthrough paralleli e separati, qui la doppia natura del titolo esplode con un intreccio delle due trame in uno stile cinematografico avvincente che ti terrà incollato al joypad. L’alternanza tra Grace e Leon, però, non è solo funzione della trama ma anche della tipologia di gioco: le sequenze di Grace sono in stile survival horror, per cui è suggerita l’opzione in prima persona per aumentarne la resa; quelle di Leon, invece, sono proposte in terza, per meglio godere della sua natura action shooter.

Il risultato è convincente: dà ritmo, tiene alta la tensione, riduce il rischio di ripetitività.

Quindi, nonostante l’opzione sia modificabile a piacere in ogni modo, il mio suggerimento è proprio di goderti il titolo con questa alternanza.
Personalmente ho gradito di più la fase di Grace, che mi è sembrata decisamente molto più ispirata e avvincente, mentre quella di Leon mi ha dato l’idea di essere un po’ un’occasione per allungare il brodo.

Il titolo si completa, cercando tutti i collezionabili ed esplorando con calma, in una quindicina di ore. Volendo completare tutti gli obiettivi occorrerà, però, investirne almeno altre cinque, per un paio di (speed)run aggiuntive, coadiuvate dagli immancabili perk che potremo sbloccare a fine partita (vedi: munizioni infinite, coltello indistruttibile e tutto il cucuzzaro a cui ci ha abituato il franchise).

Da citare anche una meccanica nuova: le infusioni di sangue (facoltative, per cui c’è un obiettivo dedicato) con cui potenziare le abilità di Grace.

Comparto tecnico

Resident Evil Requiem è stato costruito con il motore RE engine, potenziato per l’occasione e l’effetto si vede. Lo potete, forse, notare dai miei screenshot: io ho testato la mia copia review su Xbox Series X e ,anche se so che su PS 5 Pro dà il meglio, non ho potuto proprio lamentarmi. Sono rimasto incredibilmente e piacevolmente sorpreso dagli effetti di luce, dai riflessi, dalla pioggia e pozzanghere sull’asfalto. Fin dai primissimi istanti di gioco, mi sono fermato ad ammirare l’effetto incredibile di quei pochi passi immersi in una città che mi è sembrata viva e reale, quasi tangibile.

Non mancano piccole (o medie) sbavature, soprattutto in alcuni interni. Mi è spiaciuto, ad esempio, notare Grace davanti allo specchio e non vederne il riflesso. So benissimo che specchi (e porte) sono la cosa più complessa da animare e rendere in modo credibile, ma da una produzione di questo calibro non mi aspetto questo genere di inciampi.
Inezie, potrai dire, e sono d’accordo: perché sono dovuto andare a cercare il pelo nell’uovo per trovare qualcosa che, dal punto di vista tecnico, non fosse più che eccellente.

Stesso dicasi per il comparto audio: sia nelle sequenze survival che action (ancora: Grace VS Leon), l’accompagnamento è credibile e godibile. Meglio se in cuffia, soprattutto se hai voglia di cambiare corredo intimo ogni mezz’ora di gioco.
Ottimo, davvero ottimo il doppiaggio italiano che sta rapidamente diventando un lusso anche nelle produzioni tripla A.

Conclusioni

Resident Evil Requiem è un ottimo titolo e un’ottima evoluzione della serie. Davvero ho pochissime remore nel consigliarlo anche se avrei preferito un Leon più convincente e meno tappabuchi, ma è evidente come la vera protagonista (te l’ho detto nelle prime righe della recensione) sia decisamente Grace.
Richiede un po’ di sospensione dell’incredulità (nel senso: un po’ in più oltre al credere che ci sia un virus T che trasforma le persone in mostri), ovvero: Grace è fragile, traumatizzata, spaventata e sull’orlo di spezzarsi.
Chi diavolo assume un profilo del genere nell’FBI?

Ma si tratta di un mero pretesto per collocarla là dove le esigenze di trama la vogliono. Passa sopra questo e goditi le sfaccettature della sua personalità, le espressioni del suo bel viso, la sua maturazione man mano che procederai nel gioco.

Resident Evil Requiem è disponibile su su PlayStation5, Nintendo Switch 2, Xbox Series X|S, Steam, Epic Games Store e GeForce NOW.

Un enorme ringraziamento a Plaion Italia per la copia per Xbox Series X con cui ho scritto questo articolo.

Curiosità

Resident Evil è uno degli storici franchise del mondo videoludico che accompagna da tantissimi anni migliaia, se non milioni, di appassionati in tutto il mondo. Non è certo un mistero che esista un mercato merchandising che fa la fortuna delle PI e la gioia dei nerd. RE non fa certo eccezione.
Se desideri fare un tuffo nel passato o recuperare i titoli della saga per prepararti a dovere per Resident Evil Requiem, il mio suggerimento è andare a caccia di chicche su subito.it dove è possibile trovare anche reperti rari o unici.

Per gli appassionati di action figure, invece, è bene sapere che l’uscita delle statuine di Grace e Leon in scala 1/6 è prevista per questo autunno, con varie opzioni di esposizione come pezzi singoli o combinati in un set.

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Nerdando in breve

Resident Evil Requiem è il nuovo capitolo della celebre serie survival horror di Capcom.

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Mentre tutto il mondo diventa sempre più veloce e digitale, io tento quotidianamente di recuperare un po’ di lentezza. La scelta di munirmi di un Super Pocket nasce proprio dalla volontà di dare l’ultima spallata al maledetto doom scrolling che tanti danni sta facendo a tutti noi. Ho trascorso le ultime due settimane in compagnia di questo gioiello firmato HyperMegaTech! in collaborazione con Evercade e voglio raccontarti la mia esperienza con quello che considero il paradiso del retrogaming.

Recensione

Oggetto della recensione è l’edizione Capcom del Super Pocket. Al momento in cui scrivo ci sono ben 6 edizioni di questa piccola console portatile dedicata al retrogaming. Te le descriverò più giù in una sezione a parte.

Formato e dimensioni

Tenere in mano un Super Pocket è stranamente familiare e naturale. Le sue dimensioni sono infatti 120 mm di altezza, 78 mm di larghezza e 25 mm di spessore, per un peso di circa 200 gr. E indovina a cosa si avvicina tantissimo? Eh già, proprio a quel mattoncino del Game Boy che, probabilmente, anche tu hai avuto. Il Super Pocket essendo più leggero e leggermente più piccolo risulta più tascabile. Io ad esempio l’ho tenuto nel mio giubbino, estraendolo ogni giorno nelle mie tratte in autobus.

Sulla parte frontale ha un d-pad di ottima fattura e diversi pulsanti, tra cui i 4 principali A, B, X e Y. A questi si aggiungono, più piccoli, Start, Select e un bottone per il menú. Sul retro sono collocati altri 4 comandi dorsali aggiuntivi e il controllo del volume.

Il Super Pocket è dotato di uno schermo LCD IPS da 2.8 pollici e, sul retro, di uno slot per inserire le cartucce Evercade, di cui ti parlo in una sezione a parte. Il feeling generale è eccellente, con assemblaggi maniacali e solidi. Il tutto restituisce una sensazione decisamente premium e l’attivazione dei comandi è naturale e precisa.

Esperienza di gioco

Ci ho provato e ri-provato e, purtroppo, raramente con successo. Giocare su smartphone, in completo isolamento e piena immersione, mi risulta quasi impossibile. Troppe sono le distrazioni, le notifiche e i messaggi a cui rispondere. L’HyperMegaTech! Super Pocket fa, ottimamente, quello per cui è stato progettato, ovvero farti perdere in un videogioco senza tentare di rubare la tua attenzione con un pop-up dell’ultima offerta del retailer di turno.

I miei spostamenti sul trasporto pubblico hanno assunto un significato inedito. Grazie a questa piccola console riesco a godermi appieno le mie sessioni di gameplay. La batteria inoltre si è rivelata perfettamente adeguata ai miei bisogni garantendomi più di 4 ore di gioco.

La console è inoltre dotata, nella parte inferiore, vicino allo slider di accensione, di un connettore per cuffie jack 3.5mm. E che le divinità portino in gloria il mitico 3.5mm! E se l’audio in cuffia è una garanzia in situazioni come i viaggi, sappi che qualora tu sia a casa potrai sempre goderti l’audio in uscita dalle piccole casse integrate.

Giochi inclusi

Come dicevo in apertura di recensione, io ho scelto l’edizione Capcom del Super Pocket. L’ho fatto principalmente perché, preso dalla febbre Street Fighter 6 (recupera la recensione di quel capolavoro qui), volevo cimentarmi con Street Fighter II. Scelta incredibilmente azzeccata per un paio di motivi aggiuntivi.

Innanzitutto posso passare il mio tempo in compagnia di una selezione di giochi pre installati che includono pesi massimi del calibro di Mega Man, Final Fight, Bionic Commando e tanti altri. Inoltre sappi che questa collezione non è, al momento, presente in alcuna cartuccia Evercade e rappresenta una vera esclusiva per chi ha deciso di comprare quesat particolare versione della console. Qui il catalogo di giochi completo inserito in questa collection.

Cartucce Evercade

E qui le cose si fanno decisamente interessanti, soprattutto se sei un collezionista. Ti basterà dare un’occhiata alla sezione “cartridges” del sito ufficiale Evercade per avere l’impulso di mettere mano al portafoglio. Al momento in cui scrivo ,tra rilasciate e annunciate, sono più di 80 le collezioni, con circa 700 giochi totali. E tutte queste cartucce sono perfettamente compatibili, non solo con i sistemi Evercade (Alpha, EXP-R, VS-R), ma anche con il Super Pocket.

Le cartridges sono di 3 tipi:

• ​Rosse (Console): Sono le più numerose. Includono raccolte per sistemi casalinghi come NES, SNES, Mega Drive e PlayStation (es. Tomb Raider, GigaCart, Rare Collection 1).
• ​Viola (Arcade): Circa 20 cartucce dedicate ai cabinati originali (es. Technos, Data East, Toaplan e le recenti collection NEOGEO).
• ​Blu (Home Computer): Circa 10-12 cartucce dedicate a sistemi come Commodore 64, Amiga e Spectrum (es. The Bitmap Brothers, Llamasoft).

Versioni e prezzi

Procurarsi un HyperMegaTech! Super Pocket non è per nulla complicato. Oltre a essere commercializzato in qualche retailer fisico, è ordinabile su Amazon e sul sito Funstock. I prezzi si aggirano tra i 50 e i 60 euro, decisamente abbordabili di questi tempi e soprattutto ottimi, considerando la qualità generale del prodotto.

Se, al contrario mio, non sei interessato al catalogo Capcom, puoi scegliere altre 5 edizioni, tutte distinte da azzeccatissime combinazioni cromatiche, originali e personali. Ci sono la edizioni Atari, Technos e le apprezzatissime Data East, Neo Geo (fantastica) e Taito. Ognuna di loro ha, ovviamente, una collezione differente di videogame preinstallata e puoi visionarle comodamente qui.

Concludendo

Posso giudicare la mia esperienza con l’HyperMegaTech! Super Pocket solo in maniera più che positiva. Questa minuta console è di ottima fattura, permette di giocare legalmente a titoli retro fantastici ed è venduta ad un prezzo correttissimo. Non posso che consigliartela calorosamente se vuoi avvicinarti allo sconfinato mondo del retrogaming.

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Nerdando in breve

L’HyperMegaTech! Super Pocket è la piccola e fantastica console portatile dedicata al retrogaming compatibile con le cartucce Evercade.

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Abbiamo avuto già modo di vedere vari universi narrativi entrare a gamba tesa nell’universo di Magic: The Gathering negli scorsi mesi (l’ultimo è stato Avatar, di cui ho scritto qui): da lunedì 1 dicembre 2025 alle 18:00 a domenica 21 dicembre 2025 alle 8:59, saranno disponibili quattro drop Secret Lair x Monster Hunter che segneranno l’approdo della celebre saga Capcom sulle carte del TCG più famoso del mondo.

Secret Lair x Monster Hunter: The Hunt

Questo drop include 5 carte, con protagonisti alcuni tra i più famosi attacchi dei mostri di Monster Hunter, con le illustrazioni di Daniel Romanovsky, Kotakan, Simon Dominic, ガマゾウ/Gamazo e 山宗/SANSYU:

• 1x Blind Obedience: Malzeno + Qurio da Monster Hunter Rise: Sunbreak​.
• 1x Snap: Kushala Daora introdotta in Monster Hunter 2​.
• 1x Village Rites: Magnamalo introdotto in Monster Hunter Rise e Tobi-Kadachi da Monster Hunter: World.
• 1x Mizzium Mortars: Yian Garuga introdotto in Monster Hunter Generations.
• 1x Tooth and Nail: Azure Rathalos introdotto nell’esclusiva giapponese Monster Hunter​ G e Seregios da Monster Hunter 4​ Ultimate.

Secret Lair x Monster Hunter: The Hunters

Il drop è incentrato sui set di armature e armi più celebre del franchise Capcom. Con le illustrazioni di Jeremy Chong, Wayne Wu, イカサマひでお/IkasamaHideo, 二見敬之/Takayuki Futami e 藤木ゆう/Yuu Fujiki comprende:

• 1x Grand Abolisher: Tigrex Armor con Bone Scythes da Monster Hunter Freedom 2.
• 1x Archaeomancer: Velkhana Armor con Slinger e Winged Seraphyd da Monster Hunter World: Iceborne​.
• 1x Grim Haruspex: Nargacuga Armor con Hidden Eye da Monster Hunter Freedom Unite.
• 1x Imperial Recruiter: Rathalos Armor con Pouncing Graveclaws; Brachydios Armor con Burning Crusher; Gore Magala Armor e Royal Rose da Monster Hunter 4 Ultimate.
• 1x Champion of Lambholt: Astalos Armor con Verdant Lightning Shield da Monster Hunter Generations.​

Secret Lair x Monster Hunter: The Monsters

È la volta dei mostri, con 5 carte con le illustrazioni di Brock Grossman, oxygen, Toy(e), Wayne Wu e 獣道/KEMONOMICHI:

• Nezahal, Primal Tide: Lagiacrus da Monster Hunter Tri.
• Drakuseth, Maw of Flames: Rathalos da Monster Hunter​.
• Sarulf, Realm Eater: Zinogre introdotto nell’esclusiva giapponese Monster Hunter Portable 3rd.
• Vaevictis Asmadi, the Dire: Nergigante da Monster Hunter: World​.
• Ziatora, the Incinerator: Fatalis introdotto in Monster Hunter.

Secret Lair x Monster Hunter: The Monsters II

Ovviamente, i mostri sono tanti ed ecco qui il secondo drop dedicato a queste creature, con le illustrazioni di Daniel Romanovsky, Wayne Wu e 佐久間竜一/Ryuichi Sakuma:

• Razaketh, the Foulblooded: Gore Magala da Monster Hunter 4 .
• Amareth, the Lustrous: Velkhana da Monster Hunter World: Iceborne​.
• Wasitora, Nekorus Queen: Nargacuga da Monster Hunter Freedom Unite.
• Kalamax, the Stormsire: Brachydios da Monster Hunter 3 Ultimate.

Per ulteriori informazioni, è a tua disposizione il sito ufficiale di Secret Lair.

Da non appassionato della saga, passerò, ma spero di vederle presto dal vivo perché credo siano davvero splendide.

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Ah, Monster Hunter, che gloriosa serie, un videogioco che è partito come super farmoso e con una altissima barriera d’entrata, ma che è arrivato pian piano a trasformarsi  in un videogioco “mainstream“.

Monster Hunter Wilds è il titolo apice di questa trasformazione, nel positivo e nel negativo.

Attenzione: questa NON è una recensione, è un pensiero, un’opinione, un discorso da parte di un enorme fan della saga, che vuole chiarire il suo dualismo interiore su un gioco che ama.

Ringrazio Capcom per avermi spedito la copia di Monster Hunter Wild che mi ha permesso di scrivere questo articolo.

Una trama, finalmente

Nei vari Monster Hunter, la trama è sempre stata un elemento di sfondo, una linea temporale abbozzata, degli elementi nascosti, tanta banalità e una scusa per la comparsa di nuovi mostri da uccidere.

Monster Hunter Wilds dà una svolta a questa parte di gioco: la storia, anche se breve, è molto interessante, coinvolge pochi personaggi e ne evidenzia l’evoluzione, dà finalmente una personalità (super fica) alla cacciatrice o al cacciatore e, soprattutto, giustifica il “perché” uccidiamo mostri, cosa non scontata.

Senza star qui a fare grandi spoiler, anche se questo gioco ormai lo han visto tutti, ci sono delle strizzate d’occhio ai veterani della saga o a chi conosce la storia dei 4, la guerra dei draghi e la Equal Dragon Weapon, cosa non scontata, un valore aggiunto (o forse fanservice, chi lo sa).

Un gameplay spettacolare

Sul gameplay di Monster Hunter Wilds c’è poco da dire se non: “incredibile”. Le armi sono le solite, ma ognuna più coreografica che mai: io le ho provate tutte ma l’arco, le doppie lame e il falcione-insetto sono le mie preferite perché, utilizzandole, lottare con il mostro diventa una danza.

Ogni colpo ha un peso, ogni combo sembra un’opera d’arte. Ma c’è un problema: è troppo bello.

Il cacciatore o la cacciatrice ha così tante mosse incredibili, così tanti strumenti a disposizione, che il mostro diventa poco più di un punching ball, sempre a terra, cavalcato o bloccato dai focus strike alle ferite.

Persino il palico è diventato fortissimo.

Dove sta la lotta per la sopravvivenza che tanto ho amato? La tensione del dover scegliere il momento giusto per colpire? Credo che quando tutto è spettacolare, niente lo è davvero.

Forse serve un po’ di cruda difficoltà in più perché, alla fine, credo che molti di noi abbiano continuato a cacciare, negli anni, non per il farming facile, ma per la gloria della sfida e per la bellezza di conoscere ogni mostro piano piano.

Un farming [molto] semplificato

Farmare in Monster Hunter Wilds è diventato quasi un passatempo rilassante più che una necessità, che può essere visto come un lato positivo o negativo.

I drop rate sono aumentati, le ferite scoppiano con i Focus Strike e rilasciano materiali in quantità assurde, e la fauna endemica—pur essendo ben contestualizzata nel mondo di gioco—è ovunque, pronta a rimpinguare il tuo inventario con oggetti da crafting.

Fare scorte di materiali non è più un problema, e questo, a prima vista, sembra un bene. Ma c’è un rovescio della medaglia.

Le parti Artian e i gioielli, che dovrebbero essere il vero endgame del farming, sono teoricamente rari, ma in pratica no.

Online circolano già diversi metodi per sfruttare alcune meccaniche, (relative a missioni, cicli lunari in gioco e piante che si possono ottenere solo nella luna piena)  e ottenere letteralmente mille gioielli e mille parti all’ora, cosa che verrà nerfata a breve.

Costruire la build perfetta non è più una questione di impegno e dedizione, ma di guardare il tutorial giusto e spammare una strategia ripetitiva.
Wilds ti mette in mano tutto su un piatto d’argento ma, nel farlo, si perde qualcosa: il senso di soddisfazione che derivava dal guadagnarsi ogni piccolo miglioramento con sudore e pazienza.

Non serviva inserire dei droprate assurdamente rari, come in World, ma qui la caccia non è più un viaggio, è un traguardo già scritto.

Delle performance scadenti

Uno dei problemi più grossi di Monster Hunter Wilds? Le performance.

Il gioco è incredibilmente ambizioso, con un mondo vasto e dinamico, effetti atmosferici pazzeschi e mostri dettagliatissimi. Però, anche su hardware di fascia alta, cali di frame rate, stuttering e pop-in sono all’ordine del giorno.

Su console, il frame rate spesso fatica a restare stabile, mentre su PC l’ottimizzazione lascia a desiderare, con richieste hardware che sembrano esagerate per quello che offre il gioco.

Certo, Monster Hunter non è mai stato un franchise noto per la sua fluidità impeccabile (soprattutto su PC), ma qui si sente davvero il peso dell’ambizione. Speriamo che Capcom riesca a sistemare la situazione con future patch, perché un titolo del genere merita di essere giocato al meglio, senza dover lottare più contro il frame rate che contro i mostri.

Conclusione

Alla fine della fiera, per quanto abbia spalato merda su Monster Hunter Wilds per tutto l’articolo, devo ammettere una cosa: lo considero un capolavoro. Certo, ha i suoi difetti ma è impossibile negare quanto sia coinvolgente. Il mondo è vivo, la caccia è più fluida che mai, e ogni battaglia ha comunque il suo fascino.

Sto continuando a giocarci e, nonostante le critiche che gli ho fatto, mi sta piacendo un sacco.

Mi rimane però, visto che Capcom di solito non ne sbaglia una, la curiosità di vedere cosa succederà con i prossimi aggiornamenti. Questa questione della difficoltà potrebbe rivelarsi esclusivamente una scelta di marketing volta a attrarre nuovi giocatori? Riusciranno quindi a portare una sfida degna di noi veterani? Bilanceranno il farming in modo che il progresso torni a essere un percorso, e non solo una corsa all’ottimizzazione?

Se Capcom ha già in mente come rielaborare questi aspetti in chiave moderna senza snaturare il cuore della serie, allora Wilds potrebbe davvero diventare il gioco che si merita di essere.

Nerdando in breve

Monster Hunter Wilds è il punto di svolta della serie: spettacolare, accessibile e pieno di qualità, ma anche troppo semplificato. La trama è finalmente coinvolgente, il gameplay è incredibile ma rende i mostri fin troppo facili, e il farming è talmente veloce da togliere soddisfazione. Le performance tecniche zoppicano, ma il gioco resta un capolavoro. Resta da vedere se Capcom riuscirà a bilanciare la sfida nei prossimi update, riportando il brivido della caccia ai veterani.

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Trailer

L'articolo Monster Hunter Wilds – Il dualismo nel diventare mainstream proviene da Nerdando.

Se c’è un argomento sulla bocca dei gamer di tutto il mondo, da qualche anno a questa parte, è quello dei remaster e dei remake. Ho spiegato più volte che giudico, in linea generale, con favore queste operazioni. Permettono infatti a nuove generazioni di giocatori di godere di titoli che, magari per motivi anagrafici, non hanno potuto sperimentare. Certo, molto spesso remaster e remake vengono utilizzati dai publisher per mascherare periodi scevri di uscite di rilievo. Altre volte per togliere dal mercato i titoli originali (buttando al macero tanti bei discorsi sulla preservazione delle opere d’arte). E poi ci sono situazioni in cui un developer capisce, con successo, che una cosiddetta fresh coat of paint può davvero portare enormi benefici ad un proprio videogame. Oggi, per fortuna, vi racconto la mia ottima esperienza con Dead Rising Deluxe Remaster, un’operazione che ha portato Capcom a prevedere una nuova vita per un videogame glorioso.

Recensione

Ho avuto il piacere di giocare Dead Rising Deluxe Remaster su Xbox Series X. Come promesso, il gioco ha mantenuto un framerate ancorato per tutta l’esperienza ai 60fps. Sono arrivato ai titoli di coda in circa 10 ore. Come sapranno gli estimatori del titolo originale, però, giochi come Dead Rising incentivano la rigiocabilità visto che ogni playthrough può essere affrontato seguendo attività differenti.

Setting

Dead Rising Deluxe Remaster è, appunto, un remaster dello storico action-adventure pieno di zombie uscito nel lontano 2006. Gli eventi raccontati, il gameplay, il gioco in sé, sono gli stessi che avete già apprezzato all’epoca.

Vestirete i panni di Frank West, un reporter che, armato della sua fidata macchinetta fotografica, decide di indagare sugli eventi che coinvolgono la cittadini di Willamette, Colorado. Frank si fa scortare, in elicottero, sul tetto di un supermercato del centro urbano e da qui inizia la vostra avventura. Si hanno a disposizione 72 ore virtuali per completarla e sta al giocatore decidere come impegnare il proprio tempo. Alcune missioni hanno ovviamente degli orari prestabiliti mentre altre scadono dopo un determinato lasso di tempo. Seguendo l’arco di obiettivi principali si arriva a scoprire tanti dettagli sull’invasione zombie che sta tormentando la popolazione locale.

La trama sa donare i suoi interessanti colpi di scena. I personaggi sono decisamente sopra le righe dato che gli sviluppatori hanno sposato, con successo, uno stile artistico da B-movie americano. Il mall dove avvengono le vicende è interessante, ricco di segreti e personaggi (più o meno amichevoli) secondari.

Comparto artistico

Ovviamente la prima domanda che mi farete è: com’è la grafica? Potete stare tranquilli perché il comparto grafico è eccellente. Capcom ha usato per Dead Rising Deluxe Remaster il celebre e super testato RE engine. Il risultato è visibile in ogni frangente, dai filmati dove spiccano chiaramente le convincenti espressioni facciali, alle fasi in game, ovviamente. Il ciclo giorno/notte non fa altro che evidenziare a dovere la nuova veste grafica. Il numero di zombie presente sullo schermo è francamente impressionante e ha contribuito a creare in me una sensazione di assoluta impotenza rispetto alla catastrofe accaduta.

Sonoro

Una delle polemiche che ha accompagnato l’uscita del gioco ha riguardato il doppiaggio. Dead Rising Deluxe Remaster è infatti stato ridoppiato da nuovi interpreti. Non conosco i dettagli che hanno portato Capcom a scegliere questa strada che ha scontentato i fan dei vecchi doppiatori. Posso dire però che il lavoro fatto su questa riedizione è senz’altro eccellente e interpreta correttamente lo stile eccessivo che gli sviluppatori hanno previsto per l’opera.

In ogni caso, il parco di doppiaggi e sottotitoli in Dead Rising Deluxe Remaster è stato ampliato considerevolmente. Ci sono ora nove lingue tra cui scegliere nel doppiaggio (tra cui l’italiano). I sottotitoli sono invece disponibili per ben 14 idiomi differenti. Applausi a Capcom.

Gameplay

Come già detto, il lavoro svolto su questa Deluxe Remaster, per quanto rimarchevole, non ha cambiato il core gameplay originale. Per esempio, ogni qual volta che si passa da una sezione del mall all’altra si è posti di fronte ad un’anacronistica schermata di caricamento. Se non altro è stato introdotto un sistema di auto salvataggio che fa di necessità virtù.

Sono presenti altri piccoli e grandi miglioramenti, soprattutto di quality-of-life. Frank può ora ricevere telefonate da Otis senza essere interrotto nell’azione, le armi mostrano una barra della durata, è possibile accelerare il tempo al rifugio. All’inizio dell’avventura si è posti di fronte alla scelta tra comandi classici e controlli migliorati che aiutano il gioco ad essere più reattivo e fluido. L’AI dei sopravvissuti, per quanto non perfetta, è stata rivista e resa più avanzata rendendo il salvataggio degli stessi meno frustrante.

Per sintetizzare, la mia esperienza di gioco con Dead Rising Deluxe Remaster è stata eccellente. Il peso degli anni senz’altro si sente ma il videogame è divertente e spassoso. Un’operazione che mi ha riportato ad un’epoca in cui i videogiochi non erano appesantiti da sovrastrutture che per me sono spesso inutili e rendono l’esperienza farraginosa. Dead Rising Deluxe Remaster è immediato, butta il giocatore subito nel mezzo dell’azione ed è un action che stimola la creatività. Ovviamente questa non è una recensione del titolo originale, vale ancora la pena rimarcare questo concetto. Il primo Dead Rising arrivò sul mercato nel 2006 e rappresentò una novità assoluta nel panorama videoludico. Questa edizione gli rende il giusto tributo e testimonia quanto all’avanguardia fu il lavoro del team di sviluppo originale.

Prezzo

Il gioco è acquistabile per Xbox Series X|S, Play Station 5 e PC. Presenta due edizioni, una standard proposta a 49.99 € e una Deluxe per 10 € in più. A mio parere, il prezzo del gioco è corretto.

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Conclusione

Ho adorato il tempo speso in compagnia di Dead Rising Deluxe Remaster. Questa edizione non fa altro che rimarcare quanto divertente era il titolo originale, rendendolo però appetibile ai palati odierni. Un videogame invecchiato decisamente bene, al netto di alcuni inevitabili segni del tempo. A mio parere, rappresenta un ottimo esempio di ciò che un’edizione remaster dovrebbe essere.

Nerdando in breve

Dead Rising Deluxe Remaster è una ri-edizione di qualità dell’originale videogame uscito nel 2006.

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