Recensione

Ci sono videogiochi che ti piacciono e ci sono quelli che ti risucchiano in un buco nero spazio-temporale. Super Mario Galaxy per me è stato decisamente il secondo caso. È vero che ho la tendenza a chiudermi completamente in un gioco che mi appassiona finché non l’ho esaurito, ma sono pochi i giochi che negli anni hanno meritato questo speciale trattamento da parte mia: Yoshy’s Wolly World (per rimanere in tema), Hogwart’s Legacy, Pokémon Ultra Luna, Baldur’s Gate 3… e ovviamente Super Mario Galaxy, che imho è il miglior Super Mario di sempre (non scannatemi, è la mia opinione personale), anche meglio di Super Mario Galaxy 2, che non sono invece riuscita a completare al 100%.

Uscito nel 2007 su Nintendo Wii, SMG arrivava in un periodo in cui Nintendo stava cambiando le regole del gioco: controller con sensori di movimento, nuove idee di pubblico, voglia di sperimentare. Ma SMG non era solo un Mario ambientato nello spazio: era una meraviglia continua! Pianeti minuscoli con una loro gravità impazzita, livelli che sembravano progettati in sogno (o sotto l’effetto di droghe), una colonna sonora orchestrale capace di trasformare ogni salto in qualcosa di epico e incredibilmente stressante.

Io con Super Mario Galaxy ho perso il contatto con la realtà. L’ho giocato dopo un intervento chirurgico che mi ha costretta a casa per settimane, e il classico “ancora un pianeta e poi spengo” ripetuto fino a perdere il senso delle ore mi ha aiutata molto in quel periodo. Era uno di quei giochi che non ti chiedono semplicemente di arrivare ai titoli di coda: ti chiedono presenza, dedizione, quasi una forma di abbandono volontario della vita sociale, che in quel momento per me era forzato.

Anni dopo ho provato a rigiocarci, convinta di ritrovare quella stessa magia. Non è andata benissimo. Non perché il gioco non fosse ancora straordinario, ma perché certe esperienze funzionano solo in un preciso momento della vita. Galaxy era rimasto lì, sospeso nello spazio insieme alla me stessa che aveva l’energia per completarlo al 100% senza preoccuparsi delle conseguenze fisiche ed esistenziali. E diciamolo, anche perché arrivare alla fine è stata una faticaccia, e il controller Wii ha rischiato più volte di ritrovarsi conficcato nello schermo della TV dei miei…

Ora mi ritrovo a parlarne di nuovo grazie a un’occasione speciale: l’anteprima cinematografica del nuovo film dedicato a questo universo!

Super Mario Galaxy: il film arriva al cinema a distanza di tre anni da Super Mario Bros – Il film, il primo capitolo cinematografico animato dedicato ai mitici idraulici italo-giapponesi Mario e Luigi. Il grande successo del film precedente ha dimostrato che questo universo funziona anche fuori dal videogioco, e soprattutto che può parlare a più generazioni contemporaneamente: a chi ci è cresciuto e a chi lo sta scoprendo ora.

Il film è prodotto da Chris Melandri di Illumination e Shigeru Miyamoto di Nintendo, è co-finanziato da Universal Pictures e Nintendo e sarà distribuito in tutto il mondo da Universal Pictures.

Trama (senza spoiler)

Dove eravamo rimasti? Nel primo film Mario e Luigi, due fratelli idraulici di Brooklyn, si sono ritrovati catapultati in un mondo parallelo passando attraverso un misterioso tubo. Separati durante il viaggio, Mario è finito nel Regno dei Funghi, dove ha incontrato la Principessa Peach, mentre Luigi, il solito sfigato, è stato invece catturato dal malvagio Bowser, deciso a conquistare il regno e a sposare la bella principessa. Per salvare suo fratello, Mario ha intrapreso un viaggio tra allenamenti, sfide e alleanze improbabili, imparando a muoversi in un modo completamente nuovo (evviva: anche Mario sclera come me quando non riesce a fare un “semplicissimo” salto) fino allo scontro finale contro Bowser, che ovviamente viene sconfitto. Mio personaggio preferito del film? In assoluto lo sfavillotto psicopatico! 

Questa volta, come si intravede già dal trailer, al centro della storia c’è Bowser Jr., deciso a liberare suo padre dalla mini prigione in cui è stato rinchiuso da Mario. Il problema è che, nel farlo, finisce per mettere in pericolo molto più di quanto dovrebbe, arrivando a minacciare l’esistenza dell’intero universo.

Per fermarlo, Mario, Luigi, Peach e Toad vengono trascinati ben oltre i confini del Regno dei Funghi, fin nello spazio profondo, dove pianeti stravaganti, ambientazioni surreali e creature improbabili diventano il nuovo terreno di gioco, in un viaggio che richiama apertamente le atmosfere del videogioco. 

Ad affiancare i nostri eroi ci sono nuovi alleati fondamentali, a partire dall’adorabile Yoshi, fino a una simpatica new entry proveniente da un altro universo Nintendo.

Tra esplorazione, scontri e una minaccia che cresce sempre di più, il gruppo deve unire le forze per affrontare Bowser Jr. in un’avventura che alza decisamente la posta in gioco rispetto al primo film, senza perdere il ritmo e l’energia che da sempre caratterizzano la saga Nintendo.

Cast

Anche in questo secondo capitolo tornano le voci che avevano conquistato il pubblico nel primo film: Chris Pratt è di nuovo Mario, Charlie Day presta la voce a Luigi, mentre Anya Taylor-Joy torna nei panni della Principessa Peach e Keegan-Michael Kay in quelli di Toad. E sì, ovviamente c’è ancora Jack Black come Bowser, che dopo il primo film ormai è semplicemente impossibile immaginare con un’altra voce.

Tra le novità del cast troviamo Brie Larson nei panni di Rosalinda: a quanto pare Larson è una grande appassionata di Super Mario e in particolare del capitolo Galaxy, e ha insistito molto per avere la parte; Benny Safdie entra nel cast come interprete di Bowser Jr., mentre Yoshi (che è un po’ come Groot) è doppiato da Donald Glover e Glenn Powell doppia Fox McCloud.

Ho avuto il piacere di assistere alla proiezione della versione doppiata in italiano in cui tornano Claudio Santamaria e Emiliano Coltorti nei panni di Mario e Luigi. 

Colonna sonora

La colonna sonora del film è stata scritta da Brian Tyler, che già si era occupato di quella del primo film e che ha riarrangiato gli iconici temi musicali dei videogiochi di Super Mario e li ha fatti suonare da un’orchestra di 70 elementi. Il risultato è un mix riuscitissimo tra nostalgia e spettacolo: melodie che chiunque abbia giocato riconosce immediatamente, ma amplificate e rese ancora più epiche dall’orchestra.

Concludendo

Super Mario Galaxy: il film allarga letteralmente l’universo “di gioco” introducendo personaggi amatissimi come Rosalinda e il tenerissimo Yoshi, ma soprattutto portando l’avventura fuori dai confini del Regno dei Funghi, infatti questa volta si vola letteralmente nello spazio tra pianeti magici, galassie coloratissime e percorsi che sfidano la gravità, in un mondo che richiama apertamente le atmosfere di Super Mario Galaxy. Il film è graficamente pazzesco, coloratissimo e molto divertente, mi sono sentita tornare indietro nel tempo e catapultata dentro al videogioco, ma devo ammettere che rivedere alcune scene ambientate in certi particolari livelli del videogioco, appunto, mi ha messo un po’ di ansia! Ho adorato in particolare Yoshi e gli sfavillotti del pianeta di Rosalinda.

Attenzione alle scene post-credit, in particolare a quella proprio in fondo ai titoli di coda…

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Nerdando in breve

Super Mario Galaxy: il film è un sequel che amplia l’universo di Mario in modo spettacolare, portandoci tra galassie e pianeti divertenti e coloratissimi! È pieno di richiami ai videogiochi e funziona sia per i fan di lunga data che per chi si avvicina per la prima volta. È un film perfetto per tutta la famiglia, con il giusto mix di azione, ironia e nostalgia.

Trailer

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Articolo a cura di Antonio Petito che trovate qui
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Ok, parliamoci chiaro; il tempo è un giudice spietato, soprattutto con il cinema. Quante volte ci è capitato di rivedere un film che adoravamo da bambini solo per scoprire – con una punta di amarezza – che non era invecchiato affatto bene? È quasi un piccolo tradimento, un momento in cui ci rendiamo conto che la magia era legata più al contesto che alla bellezza effettiva e che la polvere del tempo, alla fine, si posa inesorabilmente su quasi tutto.

Poi però, ci sono le eccezioni, quei piccoli miracoli cinematografici che, contro ogni previsione, con il passare degli anni non solo non perdono smalto, ma brillano di una luce ancora più forte. E forse nessun film moderno incarna questa idea meglio di Scott Pilgrim vs. The World, un’opera che, a quindici anni dalla sua uscita italiana, non sembra semplicemente invecchiata bene, ma quasi ringiovanita, come se il mondo avesse finalmente ottenuto i mezzi per stare dietro al suo strano linguaggio, soprattutto considerando il periodo d’uscita (2010), durante il quale Hollywood si preparava a sfornare una quantità enorme di film tratti da fumetti grazie a Marvel, DC e qualche altro esperimento sparso, andato più o meno bene.

Inizialmente infatti, Scott Pilgrim sembrava appartenere proprio alla categoria di quei film nati “un po’ storti”, ma poi qualcosa è cambiato.

Un glorioso fallimento

Mettiamola così: il botteghino di Scott Pilgrim vs The World fu un disastro. Costato circa 60 milioni di dollari, ne recuperò meno di 50 a livello globale, diventando sulla carta uno dei più grandi flop del 2010. Il problema era semplice: nessuno sapeva come etichettarlo.

Era troppo strano per essere una commedia romantica, troppo surreale per essere un film d’azione e troppo autoreferenziale per il grande pubblico, che non capì il suo linguaggio fatto di estetica 8-bit, onomatopee a schermo e battaglie in stile videogioco.

Ma fu proprio quando le luci della ribalta si spensero che la vera fortuna del film ebbe inizio. Lontano dai cinema, grazie al passaparola e a un fandom che cresceva esponenzialmente e in modo quasi carbonaro, Scott Pilgrim guadagnò sempre più fama, e la sua ascesa divenne inarrestabile, fruttando più nel decennio successivo che durante la sua run cinematografica, dimostrando che, a volte, il giudizio più importante non è quello del presente, ma quello del tempo.

Un film a tempo di musica (letteralmente)

La verità è che per capire Scott Pilgrim vs. The World non basta guardarlo, ma bisogna… ascoltarlo.

La sua genialità sonora, va infatti ben oltre una semplice “soundtrack azzeccata”, ma è molto di più.

Tanto per cominciare, Edgar Wright aveva infatti un sogno proibito, un capriccio artistico molto difficile da realizzare: usare un brano di The Legend of Zelda. Sapendo però che i normali canali legali con Nintendo sarebbero stati un vicolo cieco, decise di scavalcare gli avvocati e scrivere direttamente all’azienda. Nella sua lettera, descrisse il brano che voleva non come semplice musica, ma come “la ninna nanna di un’intera generazione“.

Questa singola frase fece breccia nel cuore di Nintendo, che non solo gli concesse la musica, ma fornì con entusiasmo anche una serie di effetti sonori iconici del gioco, da poter usare nel film.

Questo aneddoto è la chiave di tutto: la cura per il sonoro, orchestrata dal produttore Nigel Godrich (il “sesto Radiohead”), era la costruzione di un mondo. È sua l’idea di affidare a Beck il compito di scrivere le sgangherate canzoni dei Sex Bob-omb, ed è sua la scelta di coinvolgere colossi come i Metric o i Broken Social Scene per dare un’identità unica a ogni band.

E a proposito dei Metric, eccovi una scena in cui Brie Larson (che nel film interpreta Envy Adams) esegue una cover della loro Black Sheep, in una scena che fa capire quanto il montaggio sia stato influenzato dalla colonna sonora, in maniera quasi maniacale.

Come ti anniento un archetipo

Lasciando da parte il grandissimo comparto visivo e volendo parlare di scrittura, è inutile dire che anche qui il lavoro è stato dei migliori; il soggetto iniziale è di qualità, l’ironia è particolare e la narrazione scorrevole, ma ciò che valorizza al massimo la sceneggiatura di Scott Pilgrim vs. The World è la caratterizzazione dei personaggi, in particolare di uno: Ramona Flowers.

In superficie, il personaggio col volto di Mary Elizabeth Winstead potrebbe sembrare l’incarnazione di un cliché che il cinema indipendente dei primi anni 2000 ha usato fino alla nausea, ovvero la Manic Pixie Dream Girl, quella ragazza cool, misteriosa, con i capelli colorati e una personalità eccentrica che arriva per salvare il protagonista maschile dalla sua noiosa esistenza, essendo più una sorta di estensione della sua personalità che un personaggio tridimensionale.

Film come 500 Giorni Insieme di Mark Webb (Sì, proprio il regista dei due The Amazing Spider-Man) uscito appena un anno prima, avevano già provato a mettere in discussione questa figura, mostrandone i “danni” dal punto di vista del protagonista, ma Edgar Wright (e in origine Bryan Lee O’Malley) fanno un passo ulteriore e molto più radicale: la annientano dall’interno.

Ramona non è un premio da vincere o un sogno da realizzare; è una persona reale, con un passato ingombrante e complicato, e i suoi sette malvagi ex non sono un bizzarro espediente narrativo, ma la metafora più potente e letterale del concetto di “bagaglio emotivo”.

Scott, per stare con lei, non deve semplicemente conquistarla; deve affrontare, letteralmente, i suoi traumi, i suoi errori, le sue relazioni passate. Ramona non è perfetta; commette errori, è irritante e a volte è egoista e scappa dalle sue responsabilità. Non è lì per salvare Scott. Anzi, per gran parte del film, è lei stessa a dover essere salvata, ma non da un nemico esterno, bensì da sé stessa e dalle sue scelte. Non un trofeo, ma una persona, che diventa anche un motivo di maturazione per il protagonista.

Un film generazionale

Sì lo so, a volte la definizione è usata a sproposito, ma per stavolta facciamo finta di essere tutti d’accordo.

Sì, Scott Pilgrim vs. The World è un film generazionale. E il perché è presto spiegato.

Semplicemente, parlava la lingua di una generazione prima ancora che quella generazione si rendesse conto di averne una. Per chi è cresciuto negli anni ’90 e 2000, tra Super Mario, Street Fighter, fumetti indipendenti e la musica di MTV, il film di Wright non era un esercizio di stile, ma una specie di dichiarazione d’amore.

La sua estetica non era un vezzo, ma il modo in cui quella generazione vedeva il mondo: una serie di livelli da superare, di boss da sconfiggere, con una colonna sonora indie rock a fare da sottofondo. Ma al di là del linguaggio, la sua eredità risiede nei suoi temi, oggi più attuali che mai, parlando della difficoltà di entrare nell’età adulta, di relazioni complicate e, soprattutto, del bisogno di imparare ad amare sé stessi, in un’ultima, vera battaglia in cui Scott non lotta per Ramona, ma per il rispetto di sé, guadagnando il potere più grande che una persona possa avere, ovvero il “Potere dell’Amor Proprio“.

Questo, era su per giù Scott Pilgrim vs. The World.
Se lo avete già amato, è il momento perfetto per un rewatch. Scoprirete che, quindici anni dopo, non ha perso un briciolo della sua energia. Anzi, come un buon vino o un classico videogioco, è solo migliorato.

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È primavera, la natura inizia a risvegliarsi e…arriva il momento di scoprire le novità home video di Eagle Pictures per marzo 2024!
Molta carne al fuoco questo mese in casa Eagle Pictures, che propone moltissimi titoli da non lasciarsi sfuggire.

Si comincia The Marvels di Nia DaCosta: nuovo capitolo del Marvel Cinematic Universe con protagonista un trio di supereroine capitanate da Carol Danvers, interpretata dal premio Oscar Brie Larson.
Il film sarà disponibile a partire dal 6 marzo 2024 nei formati DVD, Blu-Ray e 4K, quest’ultima anche in un’esclusiva Steelbook da collezione. Per il sito Film&More sarà disponibile un abbinamento esclusivo per il formato Steelbook 4K con una card e un gadget da collezione, il fumetto originale di 320 pagine Noi siamo The Marvels, pubblicato da Panini Comics e contenente 12 storie di Captain Marvel, Ms. Marvel e Monica Rambeau.

Sempre a partire dal 6 marzo arriva inoltre Columbia Classics – Vol. 4, cofanetto da collezione contenente 6 indimenticabili titoli della Columbia Pictures, completamente rimasterizzati in 4K Ultra HD. 14 dischi e oltre 30 ore di contenuti speciali per i film contenuti nella raccolta: La signora del venerdì, Indovina chi viene a cena?, Kramer contro Kramer, Starman, Insonnia d’amore, Ubriaco d’amore.

Arriva il 14 marzo Diabolik dove sei?, terzo e ultimo capitolo cinematografico diretto dai Manetti Bros. a partire dall’iconico personaggio dei fumetti inventato dalle Sorelle Giussani.
Interpretato da Giacomo Gianniotti, Miriam Leone, Valerio Mastanderea, Monica Bellucci, Carolina Crescentini e Paolo Calabresi, il film sarà disponibile in DVD, Blu-Ray e in edizione combo con il fumetto. Per il sito Film&More, un’edizione ricca di gadget: una card e spille da collezionare, oltre che una copia del fumetto omonimo da cui è tratto il lungometraggio.

Per gli appassionati di motori, arriva il 21 marzo Ferrari, biopic sul celebre ex pilota e costruttore delle auto più famose al mondo. Diretto da Michael Mann e interpretato da Adam Driver, Penelope Cruz, Shailene Woodley e Patrick Dempsey, il film arriva in DVD, Blu-Ray, 4K e Steelbook 4K con 5 card da collezione.

Il 21 marzo è la data da segnare anche per gustarsi I Cavalieri dello zodiaco, la storica e iconica serie animata a partire dal manga di Masami Kurumada. Sarà disponibile in una nuova edizione da collezione a tiratura limitata nei formati DVD e per la prima volta anche in Blu-Ray, grazie ai nuovi materiali rimasterizzati in HD con doppiaggio integrale in italiano.

Infine, il 28 marzo da segnalare l’arrivo in home video di Wish, l’ultimo classico Disney che ha celebrato i 100 anni dei Walt Disney Animation Studios. Sarà disponibile in DVD, Blu-Ray e Steelbook 4K.

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Recensione

Era il lontano 2004 quando il fumettista canadese Bryan Lee O’Malley stupiva il mondo con il suo Scott Pilgrim, pubblicato in Italia in 6 volumi da Rizzoli Lizard a partire dal 2010.
Proprio in quell’anno, il fumetto diventava un film di successo: Scott Pilgrim vs. The World, diretto da Edgar Wright, manteneva inalterata l’atmosfera dell’opera originale, trasponendola in un ispirato live action.

Oggi, quasi vent’anni dopo, Scott Pilgrim, Ramona Flowers e tutta la banda di personaggi fuori dal comune nati dalla mente creativa di O’Malley tornano indiscussi protagonisti grazie a Scott Pilgrim: La serie, serie animata disponibile su Netflix a partire dal 17 novembre 2023.
L’abbiamo guardata in anteprima e…personalmente ne sono rimasta rapita ancora di più di quanto mi sarei aspettata!

Trama

Nella Toronto di qualche anno fa, il giovane musicista Scott Pilgrim resta sconvolto quando incontra nella vita reale la ragazza che popola i suoi sogni: Ramona Flowers si è appena trasferita da New York ed è avvolta da un alone di mistero e fascino.
Scott trova il coraggio di invitarle ad uscire insieme ma, già dopo il primo appuntamento, dovrà scoprire che frequentare Ramona non è certo una faccenda semplice, perché chiunque voglia provarci dovrà prima vedersela con 7 malvagi ex…

Stile

Lo dico subito: Scott Pilgrim: La serie mi ha lasciata davvero a bocca aperta! Sono una grandissima fan del lavoro di Bryan Lee O’Malley, ma devo ammettere che l’ho conosciuto tramite il film.
Nel 2010 ho guardato Scott Pilgrim vs. The World e ne sono rimasta folgorata! Da lì, ho poi riscoperto il fumetto, innamorandomene come e più della pellicola cinematografica.
Adoro lo stile grafico di O’Malley, il suo umorismo e il suo saper tratteggiare personaggi e storie totalmente fuori dalle righe eppure così veri. Tutte queste caratteristiche sono state rese alla perfezione dal lavoro cinematografico di Edgar Wright, rendendo Scott Pilgrim vs. The World di fatto un gioiellino fin troppo sottovalutato.

Quando ho scoperto che Netflix aveva in lavorazione una serie animata basata su Scott Pilgrim, sono letteralmente impazzita di gioia. Sapere poi che il cast del film avrebbe ripreso i rispettivi ruoli (e non era un cast da buttar via: Micheal Cera, Mary Elizabeth Winstead, Kieran Culkin, Chris Evans, Anna Kendrick, Brandon Routh, Brie Larson, Aubrey Plaza, Jason Schwartzman) non ha fatto altro che accrescere l’hype.
L’unico timore era quello di trovarmi di fronte una copia carbone del film, che non aggiungesse nulla di nuovo a quanto già mostrato su schermo.

Ebbene, ho dovuto ricredermi e di molto: Scott Pilgrim: La serie ci presenta una storia totalmente originale (di cui non starò certo a raccontarvi i dettagli), che prende la sua strada pur tenendo ben presenti fumetto e film.
Se lo stile grafico è un primo indizio del rapporto strettissimo tra le due opere, durante la visione potrete divertirvi a scovare rimandi sia al fumetto che al film. Non solo i doppiatori sono gli attori originali, infatti, ma ci sono anche molte altre chicche che si ricollegano agli altri due media.
La crossmedialità, d’altra parte, è da sempre un elemento che contraddistingue l’universo di Scott Pilgrim. Un po’ fumetto, un po’ videogioco, un po’ film: questa è una caratteristica che viene mantenuta anche nella serie TV e che personalmente ho gradito tantissimo! (nda il titolo di ogni puntata richiama nello stile grafico un famoso videogioco, sta a voi scoprire tutte le citazioni!).

Concludendo

Insomma, Scott Pilgrim: La serie si rivela un vero tripudio di emozioni, sensazioni vintage e risate. Ho apprezzato moltissimo la scelta di coinvolgere Bryan Lee O’Malley nella scrittura della serie, perché questo ci ha permesso di avere di fronte qualcosa di completamente nuovo ma che allo stesso tempo consentisse di respirare appieno l’atmosfera originale.
Anche il legame con il film mi ha particolarmente convinto: non avrebbe avuto senso rivedere le stesse vicende live action in una nuova veste, è invece stupendo ritrovare i protagonisti, le musiche e i rimandi a quanto abbiamo visto su grande schermo.

Promosso a pieni voti, quindi? Per me sì, decisamente. Avevo aspettative molto molto alte, che sono state pienamente ripagate. Non vi rivelo nulla sulla serie, vi dico solamente che, così come fumetto e film, la vicenda si conclude senza lasciare nulla in sospeso. Ciononostante spero davvero che ci saranno nuove incursioni televisive nell’universo narrativo di Scott Pilgrim, perché merita davvero!

Scott Pilgrim: La serie è disponibile su Netflix dal 17 novembre 2023: io ve la straconsiglio e aspetto le vostre opinioni a riguardo!
Un grazie a Netflix per avermi permesso di guardare l’intera serie in anteprima.

Nerdando in breve

Scott Pilgrim: La serie ci trascina in una Toronto fuori dal tempo e dallo spazio per raccontarci una storia totalmente nuova. Imperdibile.

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Settembre 2020

Settembre è da sempre sinonimo di nuovi inizi e questo vale anche per le nostre videoteche casalinghe: è il mese perfetto, infatti, per arricchirle con nuovi titoli ed edizioni speciali!
Scopriamo insieme le novità home video che Warner Bros. ha in serbo per settembre 2020, tra grande cinema e boxset da collezione.

Cinema

È stato uno dei titoli di punta della passata stagione cinematografica e ha avuto il pregio di far rivalutare il DC Extended Universe agli spettatori: Birds of Prey arriva anche in home video.
Ricco di contenuti speciali, il film sarà in vendita dal 10 settembre in DVD, Blu-Ray e 4K UHD.

Cinema impegnato, invece, quello che ci propone Il diritto di opporsi, interpretato da Micheal B. Jordan, Jamie Foxx e Brie Larson.
Una storia vera che segue un giovane avvocato di colore nella sua storica battaglia per la giustizia.
A partire dal 10 settembre sarà disponibile in DVD e Blu-Ray.

Per chi è in cerca di risate, il titolo giusto è Tolo Tolo, ultimo film di Checco Zalone e asso piglia tutto nei cinema lo scorso Natale.
Lo troverete in DVD e Blu-Ray dal 10 settembre.

Boxset e Special Edition

Il mese di settembre per quanto riguarda l’home video Warner Bros. arricchisce il suo catalogo Cofanetti Italiani con più di una collection interessante.
Si comincia con Checco Zalone, protagonista di un cofanetto a 5 dischi comprendente Tolo Tolo, Cado dalle nubi, Che bella giornata, Sole a catinelle e Quo Vado?.

Da non perdere anche i cofanetti dedicati rispettivamente a Ficarra & Picone e ad Aldo, Giovanni e Giacomo. Entrambi composti da 4 dischi, il primo contiene i film Il primo Natale, L’Ora Legale, Andiamo a quel paese e Il 7 e l’8; il secondo vede invece il trio AGG protagonista di La banda dei Babbi Natale, Fuga da Reuma Park, Il Ricco, il Povero e il Maggiordomo e il recente Odio l’estate.

Cofanetti Italiani si arricchisce anche della collection dedicata a Fabio De Luigi, che contiene 10 giorni senza mamma, Ti presento Sofia, Tiramisù e Soap Opera.
Da segnalare, infine, Comedy Collection con all’interno Perfetti Sconosciuti, Immaturi, Tutta colpa di Freud e Immaturi – Il viaggio.
Tutti i cofanetti sono in DVD e disponibili dal 10 settembre.

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Il 13 agosto 2010 usciva negli Stati Uniti Scott Pilgrim vs the World (in Italia uscì il 19 novembre dello stesso anno). Sono quindi passati ben dieci anni da quando Edgar Wright portò sul grande schermo il fumetto omonimo di Bryan Lee O’Malley. Nonostante l’insuccesso al botteghino con gli anni Scott Pilgrim vs. the World è diventato un piccolo cult per tutti noi nerd, con tanto di reunion trionfale del cast su Zoom durante questi mesi di pandemia.

Vogliamo omaggiare questo anniversario con qualche curiosità legata a questo piccolo grande film che da 10 anni prende a pizze in faccia gli ex malvagi.

Fumetto

Scott Pilgrim vs. the World è tratto dal fumetto omonimo di Bryan Lee O’Malley, uscito tra il 2004 e il 2010 per Oni Press negli Usa. In Italia uscì nel 2010 per Rizzoli Lizard. Nel 2017 fu ristampato a colori.

Tra le fonti d’ispirazione di O’Malley ci furono numerosi manga shonen, incluso Ranma 1/2. Siccome il fumetto uscì in bianco e nero, tra le altre cose perché più economico del colore, O’Malley decise di rifarsi ancora di più all’immaginario e allo stile dei manga.

Il fumetto vinse l’Harvey Award nel 2007 e l’Eisner Award nel 2010, i due premi fumettistici più importanti nel mondo americano.

Cast

Un film così pieno di personaggi non può non avere un casting pieno di chicche. Il protagonista Scott è Michael Cera, uno che sembra immediatamente un nerd appena lo vedi. In più Cera è canadese e della Toronto Area, suona il basso e quindi a conti fatti, è lo Scott Pilgrim del mondo reale.

Una cosa divertente da notare è la presenza nel cast di ben cinque supereroi. La co-protagonista Mary Elizabeth Winstead nel recente Harley Quinn interpreta Huntress.

Due ex di Ramona sono stati o sono poi diventati supereroi. Il secondo ex di Ramona, Lucas Lee, fu interpretato da Chris Evans, già Torcia Umana e futuro Capitan America. Mentre Brandon Routh era già stato Superman nel film Superman Returns prima di diventare Todd Ingram, l’ex dai superpoteri vegani. Anche tra gli ex di Scott c’è una futura supereroina: Envy Adams è infatti Brie Larson. Chiude la carrellata supereroistica il cameo del Punitore Thomas Jane, qui poliziotto vegano.

In ruoli più piccoli c’è spazio per altri volti noti come Aubrey Plaza, Alison Pill, Anna Kendrick, Kieran Culkin e Jason Schwartzman. In originale la voce narrante è del comico Bill Hader, in seguito uno dei protagonisti di It – Capitolo Due.

Musica

La colonna sonora, uno degli elementi più iconici e ricordati dal film, contiene numerose canzoni pop-rock come nella tradizione di Edgar Wright insieme a tanti brani originali. Il produttore Nigel Godrich per differenziare la varie band presenti, contattò diversi artisti e gruppi indie. Tra questi, il gruppo Metric che fu l’ispirazione per i Clash at the Demonhead e che nel film suonano la canzone Black Sheep. Le canzoni dei Sex Bob-Omb, la band di Scott, furono scritte da Beck ma furono interpretate dagli attori.

Nella colonna sonora inoltre compaiono due canzoni che ispirarono i nomi dei due protagonisti e che sono tra le preferite di O’Malley: Scott Pilgrim dei Plumtree e I heard Ramona sing di Frank Black.

La primissima canzone dei Sex Bob-Omb viene chiamata nel film Launchpad McQuack, in omaggio al personaggio di Duck Tales, da noi conosciuto come Jet McQuack. Nella colonna sonora è però chiamata deludentemente We are Sex Bob-Omb. I titoli con la canzone furono un suggerimento di Quentin Tarantino.

Videogiochi

Di Scott Pilgrim vs. the World uscì un magnifico videogioco omonimo per PS Network e Xbox Live, un beat ‘em up a scorrimento orizzontale in 8-bit con la grafica del fumetto. Ma sia il film che il fumetto sono pieni di riferimenti videoludici, dalle vite extra alla “Pee Bar” quando Scott va in bagno. D’altronde è un film strutturato come un videogioco.

Durante il film si sentono pezzi delle colonne sonore di alcuni videogiochi famosi. Nei primissimi minuti si sente il tema di Legend of Zelda: A Link to the past. Inoltre durante il film si sentono diversi effetti sonori presi dalla saga di Zelda e dai videogiochi di Sonic, mentre il KO alla fine di ogni scontro è preso da Street Fighter Alpha. In un’altra scena Scott suona il tema musicale di Final Fantasy II.

Inoltre, i nomi delle band sono tutti omaggi ai videogiochi. I Sex Bob-Omb di Scott sono un omaggio ai Bob-Omb di Super Mario Bros. 3, mentre Crash and the Boys e Clash at the Demonhead sono nomi di due videogiochi per NES. Le altre due band di Scott sono invece ispirate a due videogiochi per Sega Mega Drive, Kid Chameleon e Sonic & Knuckels.

Infine, il Chaos Theatre di Gideon dove avviene la battaglia finale è una location del videogioco per Super Nintendo EarthBound.

Simboli e numeri

Ogni scena è piena di piccoli dettagli per indicare a che numero di ex siamo arrivati. Da cose più ovvie, come la maglietta con il numero 3 che ha Todd Ingram, a cose meno immediate come il 4-bar dove Scott combatte contro l’ex numero quattro o la fibbia del secondo ex con due X sopra.

Durante tutto il film Scott e gli altri personaggi indossano t-shirt con omaggi e inside-jokes. Scott ad esempio oltre alla t-shirt della band Plumtree da cui ha origine il nome, indossa una t-shirt di Guitar Hero e una degli Smashing Pumpkins, che ispirarono a O’Malley il titolo del terzo volume del fumetto. Dopo aver sconfitto l’ex numero quattro ma prima della battaglia successiva, Scott indossa la t-shirt F4 e mezzo che nei fumetti indossa spesso il figlio di Mr. Fantastic e la Donna Invisibile.

Anche le spalline mostrate hanno il loro senso. Scott sul suo giaccone ha quella degli X-Men, come nel fumetto, mentre il primo ex, Matthew Patel, ha il grado militare più basso con una sola V. Gideon invece ha un logo molto simile alla Triforza di Zelda.

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Film a casa

Lo sappiamo, siamo tutti stressati dall’emergenza in corso e dal fatto di essere costretti a recluderci nelle nostre case per evitare che il contagio si diffonda ulteriormente. Da qualche giorno, quindi, con #NerdandoACasa vi stiamo suggerendo un po’ di attività da fare per trascorrere al meglio questo tempo forzatamente casalingo.

Una delle attività più trasversali quando si sta in casa è quella di guardare film. E allora, ecco che ci è venuto in mente il mega-inception: non siamo gli unici ad essere costretti tra le mura domestiche, ci sono anche molti film in cui succede più o meno la stessa cosa.
O forse sono solo i primi effetti dell’isolamento su di noi, chissà…
In ogni caso, ecco a voi 10 film ambientati completamente o quasi dentro un ambiente chiuso.

Shining

Diretto da Stanley Kubrick nel 1980 a partire dall’omonimo romanzo di Stephen King, è anche il film da cui abbiamo tratto l’immagine di apertura dell’articolo. Lo scrittore in crisi Jack Torrance accetta l’incarico di custode invernale dell’Overlook Hotel. Insieme a moglie e figlio, quindi, trascorrerà mesi di isolamento totale all’interno dello spettrale hotel.

La casa

Con un titolo del genere, poteva non entrare in questa classifica? Nel 1981 Sam Raimi dirige a bassissimo budget un film destinato ad entrare nella Storia. Bruce Campbell è il protagonista di una pellicola che vede cinque amici in una baita ricca di fenomeni soprannaturali cercare disperatamente di sopravvivere.
Ha avuto due sequel: La casa 2 e L’armata delle tenebre.

La parola ai giurati

L’ambiente in cui si svolge l’intero film questa volta non è un’abitazione ma un’aula di tribunale: La parola ai giurati è diretto da Sydney Lumet nel 1957 ci porta all’interno della stanza in cui si riunisce la giuria durante un processo per parricidio. Uno dei dodici giurati cerca di persuadere gli altri a considerare un ragionevole dubbio prima di pronunciarsi.

The Hole

Uscito nel 2001 e interpretato da Thora Birch, The Hole racconta di quattro adolescenti che rimangono bloccati in un vecchio bunker di guerra trovato per caso nel bosco. La convivenza si dimostra complessa, anche a causa del fatto che uno di loro forse è l’artefice dell’incidente che li ha portati a restare rinchiusi.

Room

Uscito nel 2015 e interpretato da Jacob Tremblay e Brie Larson, premiata con l’Oscar, Room si ispira al reale caso Fritzl, episodio avvenuto in Austria in cui una giovane è stata rapita e tenuta reclusa per 24 anni.
Ambientato tutto in una stanza, il film racconta la storia della giovane Joy e di suo figlio Jack, che vivono in un piccolo ambiente senza mai poter uscire. Joy è stata infatti rapita anni prima e reclusa, Jack, dalla nascita, non ha mai conosciuto altro che la stanza.

The Others

Interpretato da Nicole Kidman, The Others è stato diretto nel 2001 da Alejandro Amenàbar e vanta tuttora uno dei migliori colpi di scena finali mai apparsi su grande schermo. Durante la Seconda Guerra Mondiale, Grace e i suoi due figli vivono in isolamento in una grande casa. I bambini, infatti, soffrono di fotofobia e non possono quindi esporsi alla luce del sole.

1408

Una singola stanza è anche l’ambientazione di questo film del 2007 ispirato a un racconto di Stephen King. Interpretato da John Cusack e Samuel L. Jackson, mostra uno scrittore che si è autoimposto di smascherare le finzioni nascoste dietro il fenomeno delle case stregate passare una notte nella stanza 1408 del Dolphin Hotel. La camera, stando alla leggenda, è maledetta e uccide chiunque la occupi.

Saw – L’enigmista

Uscito nel 2004 e capostipite di una fortunata e longeva saga cinematografica, Saw – L’enigmista vede due sconosciuti risvegliarsi in un bagno, incatenati a un tubo. I due non hanno idea del perché si trovino lì ma sanno che, se vogliono sopravvivere, dovranno essere pronti a tutto.

Carnage

Un film sulla natura umana, che si svolge tutto dentro un salotto. Chi poteva riuscirci, se non Roman Polanski? Basandosi su un soggetto teatrale e con un poker di grandi attori composto da Jodie Foster, Christoph Waltz, Kate Winslet e John C. Reilly dà vita ad un gioiellino della cinematografia. Due coppie di genitori si ritrovano nella casa di una di loro per discutere della rissa scoppiata tra i rispettivi figli.

Nodo alla gola

Anche il maestro del brivido Alfred Hitchcock si è cimentato con un film ambientato in un ambiente chiuso e ha alzato la posta, girandolo tutto in piano sequenza. Nodo alla gola, primo film a colori per il cineasta britannico, è uscito nel 1948 e racconta di due studenti che hanno compiuto un omicidio in casa loro poco prima di dare una festa.

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