Recensione

Ieri, 7 ottobre 2026, è uscita su Prime Video la serie TV su Carrie e io ho deciso di farmi una maratona incredibile per finirla tutta di fila. Letteralmente non ho parlato per tutto il giorno con il mio fidanzato, a malapena ho fatto pipì.

Se avessi messo questo impegno nello studio, probabilmente a quest’ora avrei cinque lauree.

Anche perché ieri ho riguardato sia il film originale di Brian De Palma del 1976 sia il remake di Kimberly Peirce del 2013, proprio per avere un paragone il più possibile fresco. Ero curiosissima di capire come la storia di Carrie sarebbe potuta diventare una serie TV. Perché una cosa è prendere il romanzo di Stephen King e farne un film di due ore, un’altra è dover costruire una stagione intera attorno a una storia che tutti conosciamo già.

E in realtà, dopo averla vista, me lo domando ancora.

Perché se la protagonista di questa serie si fosse chiamata Veronica, poco o nulla mi avrebbe fatto pensare alla Carrie di De Palma. A parte i nomi, alcuni personaggi, la telecinesi e alcune scene fondamentali, il resto è praticamente un mondo inesplorato.

E questo non è necessariamente un difetto.

È semplicemente una storia molto diversa da quella che mi aspetto quando penso a Carrie. Non per questo è meno bella. Anzi, per certi aspetti è persino geniale.

Da qui in poi, però, spoiler praticamente su tutto. Se sei allergico, questo è il momento giusto per chiudere la pagina.

La doccia

Partiamo dalla scena più famosa di tutte. Quella che probabilmente viene in mente a chiunque senta pronunciare il nome Carrie: la doccia, il sangue, le compagne che ridono, l’umiliazione che dà inizio alla storia.

Nella serie di Flanagan c’è, ma è completamente diversa.

De Palma costruiva la scena attraverso uno sguardo estremamente voyeuristico: la macchina da presa indugiava sul corpo nudo di Carrie prima ancora che arrivassero il sangue e l’orrore. Il corpo della ragazza diventava così contemporaneamente qualcosa di innocente, qualcosa che lei stessa non conosce e qualcosa che lo spettatore è invitato a guardare.

Nel remake del 2013 Kimberly Pierce riduce molto questo aspetto e sposta l’attenzione soprattutto sul disagio di Carrie. Anche lì il corpo è importante, ma lo sguardo è meno interessato a mostrarlo.

Flanagan fa un passo ulteriore: non spoglia nessuno.

La scena avviene nello spogliatoio, ma Carrie è vestita. Sono le compagne ad accorgersi del sangue e a farglielo notare. Lei non capisce cosa stia succedendo, chiede aiuto, si agita, urla. E soprattutto si arrabbia perché nessuno sembra intenzionato ad aiutarla.

È una differenza apparentemente piccola, ma dice molto su questa versione di Carrie. Perché finalmente Carrie non è soltanto una ragazza a cui le cose accadono.

Carrie

La Carrie del 1976 è estremamente passiva. All’inizio sembra quasi incapace di stare al mondo. È ingenua, isolata, terrorizzata dalla madre e completamente impreparata a gestire ciò che le succede. Non è stupida, anzi: quando scopre di avere dei poteri cerca informazioni, prova a capire cosa siano e come funzionino, ma per gran parte del film subisce e basta.

La Carrie del 2013 è già più reattiva. Nella stessa scena del ciclo capisce che le ragazze la stanno umiliando deliberatamente e reagisce in maniera più consapevole.

Quella di Flanagan, invece, è curiosa fin dall’inizio. È stata cresciuta completamente fuori dal mondo e deve imparare praticamente da zero come funziona la società, ma non si limita a subire ciò che le viene raccontato. Fa domande, cerca libri sulla telecinesi e sulla stregoneria, si esercita, cerca di capire cosa le sta succedendo.

E soprattutto interagisce.

Carrie si fa amici, va a una festa, beve, parla con le persone, scopre i social, l’amicizia e persino la cattiveria degli altri. Tutto contemporaneamente.

La scuola non è più soltanto il luogo in cui Carrie viene bullizzata: è il primo vero contatto che ha con il mondo.

Carrie arriva persino a usare i suoi poteri prima del ballo, per piccoli dispetti e per reagire a chi la ferisce. Quando Chris la provoca, non resta semplicemente immobile a subire: reagisce, le rompe il naso usando i suoi poteri e le dice pure di “mettersi il tappo” mentre sanguina.

Sinceramente, l’ho adorata.

Questa Carrie ha molta più voglia di vivere e molta meno voglia di farsi mettere i piedi in testa. 

Finalmente gli altri personaggi esistono

In un precedente articolo mi ero lamentata del fatto che i personaggi maschili fossero spesso semplici pedine e, effettivamente, nel primo film è difficile considerarli molto più di questo.

Billy è violento perché deve esserlo per la storia. Tommy è totalmente insipido.

Chris è la ragazza cattiva che deve organizzare la vendetta. Sue è quella che si pente.

Nella serie non funziona più così.

Quasi tutti hanno una vita anche quando Carrie non è nella stanza.

Ed è probabilmente questa la differenza più grande rispetto ai due film: Flanagan non costruisce i personaggi soltanto in funzione di Carrie. Li lascia esistere per conto proprio, con famiglie, problemi, paure, desideri e motivazioni che non dipendono necessariamente dalla protagonista.

Tommy

Nel film del 1976 è praticamente pollo scondito, sembra quasi eseguire quello che gli dice Sue. Nel remake del 2013 acquista già maggiore autonomia e personalità. Nella serie di Flanagan finalmente acquista sapore.

Tommy è genuinamente gentile con Carrie perché vuole esserlo. Non perché Sue gli chiede di portarla al ballo, non perché deve fare il bravo ragazzo e non perché qualcuno gli ha detto che è la cosa giusta da fare.

La conosce, parla con lei e la ascolta. Passano del tempo insieme, guardano le stelle, lui la riaccompagna a casa e alla fine decide spontaneamente di invitarla al ballo.

E soprattutto prova sentimenti propri.

Si arrabbia con Sue quando scopre che gli ha nascosto il ritardo delle mestruazioni, il test di gravidanza e tutta la situazione che riguarda la loro relazione. Non è lì soltanto per accompagnare Carrie verso il massacro finale.

Billy

Già il remake aveva dato a Billy una maggiore autonomia, rendendolo più aggressivo e violento. Qui diventa ancora più indipendente da Chris.

Viene introdotto come spacciatore, è impulsivo, pericoloso e prende decisioni per conto proprio. Il rapporto con Chris nasce e cresce dentro un contesto di rabbia, impulsività e problemi familiari.

Non è semplicemente il ragazzo che Chris manda a fare quello che lei vuole.

Anche il loro rapporto acquista quindi una dimensione propria: i due si frequentano, sviluppano un legame e diventano una coppia, invece di essere semplicemente la coppia criminale funzionale alla vendetta contro Carrie.

Chris

Lei è forse il personaggio che più beneficia dell’espansione della storia.

Nel 1976 è praticamente cattiva e basta. Carrie è la sua vittima e lei vuole vendicarsi senza un reale motivo. Nel remake viene già resa più calcolatrice e viene dato maggiore spazio alle sue motivazioni. Qui, invece, entriamo davvero nella sua vita.

La madre ha lasciato suo padre per un altro uomo, che guarda caso è il padre di una compagna di scuola di Chris. Vivono insieme e Chris vive tutto questo come un ulteriore abbandono. Anche il futuro universitario diventa fonte di problemi economici.

E poi c’è Sue. Sue è la sua migliore amica e passa sempre più tempo con Carrie. Dal punto di vista di Chris, anche lei la sta abbandonando.

L’unica persona che sembra rimanerle accanto è Billy.

Questo non giustifica quello che fa, ovviamente. Chris continua a essere responsabile del bullismo, delle umiliazioni e di una quantità impressionante di stronzate, ma la serie prova a raccontare perché una persona possa diventare così ossessionata da qualcun altro.

E alla fine Chris stessa ammette di non sapere nemmeno perché abbia iniziato ad accanirsi tanto contro Carrie. La trovava strana e voleva farle uno scherzo. Il resto è cresciuto progressivamente fino a diventare qualcosa di molto più grande di lei.

Poco prima di morire, quando cerca di chiedere scusa a Carrie, per la prima volta sembra davvero rendersi conto di quello che ha fatto.

Sue

Nel film originale partecipa al bullismo e cerca di rimediare quando ormai è troppo tardi. Nel remake è già più umana e sinceramente pentita.

Nella serie, però, Sue e Carrie diventano davvero amiche.

Sue cerca di aiutarla, prova a fermare Chris, le suggerisce persino di parlare con Margaret e progressivamente costruisce con lei un rapporto vero.

Arriva al ballo appositamente per cercare di avvertire la scuola della presenza di Chris e Billy.

E sarà proprio Sue, dopo la tragedia, a raccontare Carrie nelle sue testimonianze.

Questo è importante perché la serie introduce un elemento che nei due film non esiste: Carrie viene raccontata dagli altri.

Sue la vede come una ragazza buona, gentile, fragile. Altri la descrivono in maniera completamente diversa.

Non esiste più una sola Carrie. Esistono tante Carrie quante sono le persone che l’hanno conosciuta.

Margaret

La Margaret del 1976 è terrificante. Fanatica, violenta, punitiva. Solo successivamente il film ci permette di comprendere che dietro quella follia esiste un trauma.

Quella del 2013 è più disturbante psicologicamente, ma anche più umana.

Quella di Flanagan è ancora diversa.

È religiosa, iperprotettiva e controllante, ma non è semplicemente cattiva. Anzi, spesso sembra sinceramente preoccupata per Carrie.

Le chiede come sta. Si preoccupa perché mangia male e dorme peggio. Cerca di capire cosa le stia succedendo. La abbraccia, la bacia e le dice che le vuole bene.

Quando il bullismo supera le mura della scuola e diventa qualcosa di molto più grande, Margaret prova a proteggerla. Probabilmente le due Margaret precedenti avrebbero dato almeno in parte la colpa a Carrie stessa.

Il suo problema è che per lei proteggere Carrie significa impedirle di vivere.

Quando Carrie ha il ciclo, per esempio, cerca di nasconderglielo perché ha paura della sua reazione. Margaret la manda nello sgabuzzino a pregare perché considera la trasformazione in donna qualcosa di legato al peccato. Ma contemporaneamente le procura gli assorbenti perché non si sporchi a scuola.

È questo il paradosso della Margaret di Flanagan: può essere terribilmente oppressiva e contemporaneamente sinceramente amorevole.

È madre, carceriera e vittima delle proprie paure nello stesso momento.

E poi installa delle telecamere in casa senza che Carrie lo sappia, quindi, diciamo, l’amore materno ha anche qualche problema di gestione della privacy.

Finalmente vediamo il padre di Carrie

Per la prima volta abbiamo anche un volto per il padre di Carrie.

Nel film originale Margaret ne parla come di un uomo violento, dedito all’alcol e responsabile di abusi. Nel remake viene citato da Carrie, che pensa addirittura di aver ereditato da lui i propri poteri.

Qui finalmente lo vediamo.

È un uomo molto religioso, con una certa vena complottista, che lavora in un cantiere. Peccato che muoia praticamente subito a causa di un incidente sul lavoro, quindi non abbiamo davvero il tempo di approfondirlo quanto avrei voluto.

La sua morte, però, lascia una traccia importante nella storia. Carrie continua a vederlo nei sogni e persino da sveglia. Margaret ricorda inoltre che, quando Carrie era bambina, delle pietre erano cadute sulla casa. Lei sospettava che fosse stata la figlia, mentre suo marito continuava a dirle che era impossibile.

Anche il passato di Carrie, quindi, viene ampliato.

Instagram, cyberbullismo e una scuola che esiste davvero

È inevitabile che una nuova versione di Carrie affronti il cyberbullismo.

Nel remake del 2013 era già stato aggiornato il contesto, ma qui la cosa diventa molto più grande.

Chris crea un profilo Instagram chiamato @carriered_ per prendere in giro Carrie, ma l’account finisce per trasformarsi in uno strumento di umiliazione collettiva. Non viene presa di mira soltanto Carrie: gli studenti cominciano a mandare foto e contenuti su altri compagni e persino sugli insegnanti.

Un professore viene pubblicamente accusato di essere un pedofilo e arriva a suicidarsi.

Sue registra Chris mentre ammette di aver creato il profilo e porta la registrazione al consulente scolastico. La ragazza continua a negare tutto finché l’evidenza non diventa impossibile da ignorare, così viene espulsa. E, in un altro ribaltamento interessante, gli stessi studenti che fino a quel momento avevano partecipato al sistema di umiliazione finiscono per rivoltarsi contro di lei.

La scuola non è più soltanto il luogo in cui Carrie viene bullizzata.

Ci sono metal detector, esercitazioni per le sparatorie, consulenti, insegnanti, famiglie, social, problemi economici e dinamiche che esistono indipendentemente dalla protagonista.

Ed è un altro elemento che rende questa serie molto diversa dai film: il mondo non sembra fermarsi quando Carrie esce di scena.

La religione

Nel film di De Palma è praticamente ovunque: croci, peccato, punizione, preghiera, la casa di Margaret che sembra costruita apposta per mettere a disagio chiunque ci entri.

Solo Marcellino pane e vino mi trasmetteva la stessa angoscia.

Nel remake viene mantenuta la simbologia, ma con un approccio più psicologico.

Flanagan la intreccia invece con il controllo familiare, l’isolamento e perfino la salute mentale.

Carrie arriva a pensare di avere una malattia mentale perché vede il padre e parla con quella che crede essere un’amica immaginaria. Margaret, dal canto suo, sostiene che le malattie mentali non esistano.

Quello che mi è mancato, però, è il riferimento più esplicito alla simbologia cristiana nel finale.

Nei due film la morte di Margaret è fortemente legata all’immagine di Cristo. Nel 1976 viene trafitta e la composizione richiama apertamente una crocifissione; il remake riprende quella stessa idea.

Qui no.

Il confronto con Carrie è molto più umano e, per certi versi, persino più doloroso, ma mi è mancato quel richiamo visivo così iconico. 

Ridatemi il vestito rosa

Altra domanda fondamentale che nessuno aveva posto ma che io sento il bisogno di porre: perché Carrie è vestita di bianco?

Nel 1976 il vestito è rosa. È cucito da Carrie e diventa parte della sua trasformazione in ragazza che, almeno per una sera, vuole sentirsi normale. Nel remake viene ripreso anche il concetto del colore e del corpo.

Qui Carrie si cuce da sola il vestito, ma è bianco.

E mancano completamente anche quei dialoghi sul rosa, sul rosso e sui seni che Margaret definisce “escrescenze”.

Sono piccolezze, ma sono proprio questi dettagli a rendere riconoscibile Carrie. E quando una serie decide di cambiare quasi tutto, sono anche le piccole assenze a farti capire quanto si sia allontanata dall’originale.

Il ballo

Nei due film il ballo è il grande punto di arrivo. Tutto conduce lì.

Nella serie il ballo arriva nell’ultimo episodio, dopo sette episodi passati a conoscere Carrie, Margaret, Chris, Sue, Tommy, Billy e tutti gli altri.

E questo cambia completamente il significato della scena.

Carrie non ci va soltanto perché Sue e Tommy l’hanno convinta. Lo considera un’occasione per andare avanti, per provare finalmente a vivere una normale adolescenza.

Tommy le chiede spontaneamente di accompagnarla perché ormai tra loro esiste un rapporto.

Chris vota Carrie un numero imbarazzante di volte per farla eleggere reginetta e umiliarla, ma alla fine la folla applaude davvero.

E poi arriva il sangue.

La scena è molto più veloce rispetto a quella di De Palma, che costruiva la tensione con una lentezza quasi insopportabile. Qui tutto succede in pochi istanti: gli studenti ridono, la filmano e Carrie perde il controllo.

Ma anche in questo caso Flanagan cambia qualcosa di importante.

Carrie non è completamente inconsapevole di quello che sta facendo.

La sua rabbia è più consapevole, la vendetta è più ampia e lei stessa ha già imparato a usare i propri poteri.

Quando Tommy muore direttamente per colpa sua, Carrie se ne accorge e ne rimane sconvolta.

È una differenza importante rispetto alle altre versioni: questa Carrie sceglie di reagire, ma quando vede dove l’ha portata quella scelta non riesce più a sopportarla.

La vendetta

Dopo il ballo, Chris e Billy cercano di scappare in macchina.

Billy prova addirittura a investire Carrie, Chris gli urla di frenare e Carrie reagisce: lancia via l’auto, schiaccia Billy e poi fa lo stesso con Chris mentre lei cerca di dirle che le dispiace.

E c’è una cosa che trovo particolarmente interessante: Carrie, per un momento, sembra divertirsi.

Balla tra le fiamme e urla “Vaffanculo, io esisto.”

È forse il momento in cui la Carrie della serie raggiunge il massimo della libertà. Per un attimo è semplicemente libera, poi si rende conto di quello che ha fatto.

Emaline

Ed eccoci alla parte in cui la serie decide definitivamente di prendere Carrie, guardarla negli occhi e giocarci.

Per buona parte della serie Carrie vede Emaline praticamente ovunque. Le parla, interagisce con lei, costruisce un rapporto. Gli altri, però, non sembrano vederla e Carrie viene persino presa in giro perché parla da sola.

All’inizio sembra quindi una classica amica immaginaria, legata al suo isolamento e al suo stato mentale.

Poi la situazione diventa molto più complicata.

Emaline sembra essere una proiezione astrale, una presenza legata alle capacità psichiche di Carrie, e alla fine sembra persino aiutarla a controllare la propria forza.

Carrie non è più l’unica persona con poteri. La serie introduce altre persone dotate di capacità soprannaturali, parla del cosiddetto “luccichio”, fa riferimenti a persone del passato che potrebbero aver avuto capacità simili.

E a quel punto viene spontaneo chiedersi: siamo ancora dentro Carrie o Flanagan sta preparando un universo completamente nuovo?

Il riferimento al “luccichio”, poi, credo non abbia bisogno di spiegazioni.

Questa è probabilmente la parte che mi incuriosisce di più e allo stesso tempo mi lascia più perplessa.

Perché l’idea è interessante. Molto.

Ma più il mondo si espande, più Carrie rischia di diventare soltanto uno dei tanti pezzi di un universo soprannaturale molto più grande.

E se l’obiettivo era raccontare una nuova Carrie, fino a che punto possiamo allontanarci da Carrie prima che smetta di essere Carrie?

Lo sguardo di Flanagan

Guardando i tre prodotti uno dopo l’altro, a distanza di poche ore, la differenza diventa abbastanza evidente.

De Palma guarda Carrie e vede soprattutto un horror psicologico e atmosferico, sporco, perverso, cattivo. La sua regia è fortemente autoriale e riconoscibile. La scuola è luminosa, la casa è buia e claustrofobica, il corpo di Carrie è osservato dalla macchina da presa in maniera quasi inquietantemente voyeuristica.

Peirce guarda Carrie e la trasforma maggiormente in una tragedia adolescenziale. È più luminosa, più realistica, più interessata ai rapporti tra i ragazzi e meno interessata a sessualizzare Carrie.

Flanagan guarda Carrie e vede un’intera rete di persone.

Vede una ragazza che deve imparare a stare al mondo, una madre che ama la propria figlia nel modo peggiore possibile, adolescenti che si portano dietro famiglie problematiche, abbandoni, rabbia, paura e senso di colpa, e una scuola che deve fare i conti con cyberbullismo, sparatorie, salute mentale e reputazione online.

E vede anche un mondo soprannaturale molto più grande di Carrie.

Il risultato è una serie molto più corale, molto più interessata ai personaggi e alle loro vite.

E devo dire che funziona.

Il primo episodio è stato l’unico che ho percepito come lento. Dal secondo in poi gli episodi sono letteralmente volati, anche quando duravano quasi cinquanta minuti. Considerando quante sottotrame ci sono, non era affatto scontato.

Anche visivamente Flanagan non cerca di imitare De Palma. La fotografia è molto scura, soprattutto negli interni, e mantiene quasi sempre un’atmosfera da horror, anche quando la serie si trasforma in teen drama o dramma familiare.

L’orrore non nasce soltanto dalla paura. Nasce dal trauma, dall’isolamento, dal bullismo, dalla famiglia, dalla salute mentale e, naturalmente, dai poteri.

Bella serie ma non è Carrie

Carrie di Mike Flanagan mi è piaciuta.

Anzi, per certi aspetti l’ho trovata persino geniale.

Mi piace moltissimo il modo in cui sviluppa i personaggi. Tommy finalmente è una persona e non pollo scondito. Ho apprezzato che Sue e Carrie diventino davvero amiche. Chris ha una vita al di fuori della sua ossessione per Carrie. Trovo molto più interessante la Margaret ambigua e umana. E mi piace vedere una Carrie curiosa, attiva e capace di prendere decisioni.

E soprattutto mi piace che Flanagan non abbia semplicemente cercato di rifare quello che avevamo già visto.

Però c’è un problema: più la serie amplia il proprio universo, più rischia di allontanarsi da Carrie. Le altre persone dotate di poteri, il “luccichio”, Emaline, la donna misteriosa e tutto ciò che sembra preparare un universo soprannaturale molto più ampio sono elementi interessanti.

Ma sono anche le cose che mi fanno pensare a quanto possiamo cambiare una storia prima che smetta di essere quella storia.

Per me questa serie non è davvero Carrie nel senso in cui lo sono i due film.

È una nuova storia costruita attorno a Carrie.

E forse è proprio questo che Flanagan voleva raccontare: non una nuova versione della storia che già conosciamo, ma il suo sguardo su Carrie.

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Nerdando in breve

Flanagan prende Carrie, cambia praticamente tutto quello che può e riesce comunque a costruire qualcosa che vale la pena guardare.

Trailer

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Ho sempre amato il cinema in ogni suo genere, ma ce n’è uno che mi ha scelta quando ero una bambina e non mi ha più lasciata andare.

Il mio primo horror è stato The Ring, visto di nascosto quando avevo sette anni. Una scelta probabilmente discutibile per una bambina così piccola, ma che ha avuto una conseguenza inevitabile: non ho più smesso. Anzi, con il passare degli anni ho iniziato a scavare sempre più a fondo, passando dai titoli più conosciuti a opere sempre più oscure, disturbanti e difficili da dimenticare.

La tana del Bianconiglio, in fondo, è molto più profonda di quanto sembri.

E proprio mentre pensavo a quanto ancora ci fosse da esplorare, un annuncio ha attirato la mia attenzione: Mike Flanagan, mio unico e solo Dio, porterà sul piccolo schermo una nuova versione di Carrie – Lo sguardo di Satana.

Non nascondo l’entusiasmo: tutto ciò che passa dalle mani di quell’uomo si trasforma in oro. Ma capiamoci, Carrie è un capolavoro dell’horror a prescindere da qualsiasi nuovo adattamento.

Del film di Brian De Palma si è parlato moltissimo. Si è analizzato il rapporto tra genitori e figli, il bullismo, il fanatismo religioso, il trauma adolescenziale. Tutto giusto, ma c’è un aspetto che secondo me spesso passa in secondo piano: in Carrie i personaggi che muovono davvero la storia sono donne.

Carrie, Margaret, Chris, e Sue sono il motore dell’intero film. Sono loro a compiere le scelte che determinano la tragedia finale. Sì, ok, Tommy è carino. Ma, a parte prendersi una secchiata in testa, cosa combina?

Il conflitto, il sangue, la tragedia… tutta una faccenda femminile.

Ed è proprio qui che ho iniziato a pensare che forse l’horror sia molto più femminista di quanto siamo abituati a pensare.

L’horror non si limita a mostrarci come vittime. Certo, la vittima è una figura fondamentale del genere, ma non è l’unica. Ci sono madri, figlie, mogli, amanti, sopravvissute e carnefici. Ci sono donne spezzate dal trauma e donne che trasformano quel trauma in qualcosa di distruttivo.

È quasi ironico pensare che un genere costruito spesso sull’impossibile e sul soprannaturale riesca a raccontare con così tante sfumature qualcosa di profondamente umano. 

Carrie

Prima ancora di essere una ragazza con poteri telecinetici, Carrie è una vittima.

È una giovane donna cresciuta in un ambiente che non le permette di esistere davvero: a scuola viene umiliata, mentre a casa è oppressa da una madre incapace di distinguere la fede dalla crudeltà. Cresce convinta che il suo corpo sia una colpa, che essere donna significhi peccare e che ogni desiderio debba essere represso.

Possiamo dare a Margaret il premio Anna Maria Franzoni? Grazie.

La tragedia di Carrie nasce proprio da questo: non è un mostro nato dal nulla, ma lo diventa agli occhi degli altri nel momento in cui decide di smettere di subire.

Sinceramente credo che pure il Dalai Lama, dopo anni di quel trattamento, avrebbe sbroccato come lei. 

Audition

Con Audition, Takashi Miike costruisce uno dei ribaltamenti più belli del cinema horror.

All’inizio sembra che la storia appartenga a Shigeharu: un uomo che, rimasto vedovo, organizza un finto provino per trovare la compagna perfetta. Perché chiaramente partecipare a Uomini e Donne sarebbe stato troppo semplice.

Asami sembra incarnare proprio questo ideale: bella, gentile, educata, fragile. La classica ragazza da proteggere. La mia bimba bellissima, posso abbracciarti? Piangiamo insieme e poi ci vendichiamo dei Gianpirli che abbiamo conosciuto.

Ma è proprio qui che quel pazzo geniale di Miike ribalta tutto. Per gran parte del film guardiamo Asami attraverso gli occhi di Shigeharu, finendo anche noi per vedere la donna perfetta che lui desidera vedere. Poi, lentamente, quella maschera si sgretola e ci costringe a rimettere in discussione tutto ciò che credevamo di sapere su di lei.

Dietro quell’apparente fragilità si nasconde una donna segnata dal dolore e dagli abusi, che rifiuta di essere ancora una volta l’oggetto dello sguardo maschile. E, sinceramente, la si ama proprio per questo. Anche dopo aver visto cosa serve agli ospiti nella ciotola del cane.

The Woman

Mio grande trauma.

Film bellissimo, non fraintendermi. Ma quando l’ho visto mi ha trasmesso la stessa angoscia che provavo da piccola dopo aver visto Io non ho paura e piangevo ogni volta che dovevo scendere in garage.

Già mi immagino a scegliere le immagini per questo articolo con gli occhi chiusi.

Qui troviamo una famiglia: padre Giancazzo, madre completamente succube, due figlie e un figlio. E un cane che… va beh. Non voglio nemmeno pensarci.

A questa famiglia del Mulino Bianco si aggiunge una nuova presenza: una donna selvaggia e cannibale che il padre ha trovato durante una battuta di caccia e ha pensato bene di stordire, rapire e incatenare per addomesticarla.

Dopotutto, cosa potrebbe mai andare storto?

Te lo dico io, tutto. Ma che goduria vederla riprendersi la libertà.

In questo tipo di film, la donna dovrebbe essere il mostro. Un essere violento, pericoloso, qualcosa di cui avere paura, da cui scappare. The Woman, invece, ribalta completamente la prospettiva: il vero orrore non è la creatura selvaggia rinchiusa in cantina, ma l’uomo convinto di poter giocare a fare Dio senza conseguenze. 

The Substance

Qui il corpo femminile diventa un prodotto, qualcosa da migliorare, modificare e controllare.

L’ossessione per la giovinezza e per la perfezione trasforma Elisabeth in una prigioniera della propria immagine. Il body horror diventa così il mezzo per raccontare qualcosa di estremamente reale: la pressione costante esercitata sulle donne affinché siano sempre giovani, belle e desiderabili.

Elisabeth non perde valore perché è invecchiata, ma perché una società intera che le ha insegnato che, superata una certa età, non ha più niente da offrire.

Che poi io ci metterei la firma per invecchiare come Demi Moore, ma queste sono piccolezze.

E poi c’è Sue, giovane, bella e apparentemente perfetta. Anche lei, però, è vittima dello stesso meccanismo.

Non importa quanti anni tu abbia o quanto tu sia vicina all’ideale di perfezione, se sei una donna non sei mai abbastanza. E quindi tanto vale trasformarsi in un mostro degno di Society e traumatizzare tutti, che forse era la soluzione fin dall’inizio.

Thanatomorphose

Che dire, i canadesi sanno quello che fanno.

Ci sono film horror in cui il corpo viene distrutto da un mostro, da un virus o da una maledizione. In Thanatomorphose, invece, la protagonista è talmente tanto morta dentro che inizia a decomporsi anche fuori.

Laura conduce un’esistenza vuota, intrappolata in una relazione tossica e incapace di trovare un senso alla propria vita. La sua decomposizione non è soltanto un esercizio di body horror estremo: è la manifestazione fisica di un dolore che la sta consumando molto prima che compaiano i primi segni sul suo corpo.

Ed è proprio qui che il film dimostra quanto l’horror sappia raccontare la figura femminile in modo diverso rispetto ad altri generi.

Laura non è un’eroina, non è una final girl e non è nemmeno una classica vittima in attesa di essere salvata. Non combatte, non cerca vendetta e non si ribella.

È una donna divorata dall’apatia, dalla solitudine e dall’incapacità di reagire, fino a quando il suo stato d’animo diventa qualcosa di tangibile.

 Conclusione

Le donne nell’horror non sono mai state soltanto vittime in attesa di essere salvate.

Sono madri distruttive, ragazze arrabbiate, sopravvissute, mostri, carnefici e persone spezzate.

Ed è forse proprio questo il motivo per cui continuo ad amare così tanto il genere, perché riesce sempre a raccontare qualcosa di profondamente umano. A volte persino più di molti film che, sulla carta, dovrebbero farlo.

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Ottobre è al via! Nel mio mese preferito, carico di autunno e spooky vibes, vi segnalo le novità Plaion Pictures da non perdere!

Universal

Un compleanno di un certo calibro per La Moglie di Frankenstein, iconico classico di James Whale che spegne ben 90 candeline. Per l’occasione, l’amatissimo horror gotico si presenta per la prima volta in Steelbook e, a partire dal 30 ottobre, sarà disponibile in 4K UHD Blu-Ray.

Un altro grande classico ma di tutt’altro genere è protagonista dell’ottobre Universal. Scarface, indimenticabile capolavoro interpretato da Al Pacino e Michelle Pfeiffer con la regia di Brian De Palma, a partire dal 30 ottobre sarà in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

L’inedita rilettura che trasforma una delle fiabe più amate di sempre in un’epica avventura: Biancaneve e il cacciatore sarà disponibile a partire dal 30 ottobre in 4K UHD + Blu-Ray. Dalla stessa data e negli stessi formati sarà disponibile anche il prequel Biancaneve e la regina di ghiaccio.

Uno degli sci-fi più iconici e rivoluzionari di sempre finalmente in 4K UHD. Stiamo parlando di La Cosa, diretto da John Carpenter e interpretato da Kurt Russell. Dal 30 ottobre sarà in 4K UHD + Blu-Ray.

E, per concludere l’autunno a base di grandi classici di Universal, questo mese arriva anche Duel, il primo e iconico lungometraggio di Steven Spielberg, che sarà disponibile dal 30 ottobre in 4K UHD + Blu-Ray.

Paramount

L’ottobre di Paramount è all’insegna dell’azione più frenetica con Mission: Impossible – The Final Reckoning. La nuova avventura di Ethan Hunt, con il volto di Tom Cruise, dal 14 ottobre sarà in DVD, Blu-Ray + Blu-Ray Bonus, 2 Steelbook 4K UHD + Blu-Ray + Blu-Ray Bonus.

Dal 30 ottobre troveremo invece I Puffi – Il Film in DVD e Blu-Ray, Il Mistero di Sleepy Hollow in Steelbook 4K UHD + Blu-Ray e l’iconicissimo Signori, il delitto è servito che, in occasione del 40° anniversario, festeggia con una Steelbook 4K UHD che comprende tutti e tre i finali.

Plaion

Questo mese si conclude il viaggio in compagnia di Arcane con l’uscita in home video della seconda e ultima stagione. Dal 30 ottobre sarà disponibile in Steelbook 3 Blu-Ray e Steelbook 3 Blu-Ray 4K UHD + Blu-Ray Bonus.

Midnight Factory

Anche questo mese Midnight Factory ci propone una versione decisamente horror delle classiche fiabe per bambini: Bambi – La Vendetta sarà disponibile a partire dal 30 ottobre in Limited Edition DVD e Steelbook 4K UHD + Blu-Ray.

Anime Factory

Per gli amanti degli anime, il titolo da non perdere questo mese è Fieren – Oltre la fine del viaggio – Parte 1, che sarà disponibile dal 30 ottobre in DVD e Limited Edtion Blu-Ray.

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L'articolo Plaion Pictures – Le novità di ottobre 2025 proviene da Nerdando.

La stagione estiva è nel suo pieno ed è il momento ideale per rinfrescarci un po’ sbirciando tra le novità di luglio 2023 in casa Plaion Pictures! Come sempre, diamo uno sguardo anche ai brand tematici Midnight Factory e Anime Factory, oltre che alle nuove uscite in ambito digital.

Plaion

Dopo aver conquistato le sale cinematografiche, a luglio fa il suo debutto anche in home video: Scream VI sarà disponibile a partire dal 13 luglio e farà un ingresso in grande stile. Il film sarà infatti presentato in un’imperdibile edizione da collezione, accompagnato da 6 cards, un o-ring esclusiva e tantissimi contenuti extra.
La Collector Steelbook in 4K UHD +. Blu-Ray sarà disponibile solo su fanfactory.shop. Dalla stessa data, invece, troverete il film in distribuzione in DVD, Blu-Ray e 4K UHD.

È uscito nel 1996 ma da allora non ha fatto altro che invecchiare proprio come un buon vino, aumentando il suo fascino e diventando un vero e proprio cult. Parliamo di Mission: Impossible, primo film della saga diretto da Brian De Palma e interpretato da Tom Cruise.  A partire dal 13 luglio sarà disponibile per la prima volta in assoluto in Steelbook 4k UHD – Blu-Ray. A partire dalla stessa data troverete anche Mission: Impossible 2, Mission: Impossible III, Mission: Impossible – Protocollo Fantasma, Mission Impossible – Rogue Nation e Mission: Impossible – Fallout.

Midnight Factory

Luglio regalerà a tutti gli appassionati di horror un’esclusiva da non perdere: J-Horror Collection ci propone due titoli fondamentali per il genere – Pulse e Dark Water – per la prima volta in 4K ultra HD in versione rimasterizzata.
Il cofanetto, in Limited Edition Midnight Factory, arriva in Blu-Ray e corredata da numerosissimi contenuti speciali, booklet e cards.
A partire dal 13 luglio sarà in esclusiva su fanfactory.shop.

È stato uno degli horror più attesi dell’anno, anche perché riscrive in chiave inedita uno dei miti indiscussi della letteratura per l’infanzia. Winnie The Pooh: Sangue e Miele arriva in Italia grazie a Midnight Factory, che lo presenta in edizione limited con Steelbook luminescente 4k UHD + Blu-Ray e Booklet. Lo troverete a partire dal 13 luglio.

Anime Factory

Per gli amanti dell’animazione giapponese luglio 2023 porta in dono il nuovo e inedito prodotto cinematografico dedicato a Doraemon. Doraemon – Il film: Nobita e le piccole guerre stellari 2021 a partire dal 13 luglio sarà disponibile in DVD e Blu-Ray.

Digital

Anche in ambito digital Plaion ha molte frecce al suo arco per il mese di luglio 2023. Suelle principali piattaforme di streaming questo mese troverete Orphan: First Kill (25 luglio), Terrifier 2 (7 luglio), Maneater (14 luglio), Very Good Girls (4 luglio), Sharks – Incubo dagli abissi (14 luglio), Circus Noel (18 luglio), Skylight (25 luglio).

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Giugno 2022

L’estate è al via ed è il momento di scoprire le novità home video che Koch Media ci riserverà a giugno 2022! Con uno sguardo anche ai brand tematici Midnight Factory e Anime Factory!

Koch Media

È tempo di anniversari di un certo peso e in occasione del 35° compleanno arriva The Untouchables – Gli Intoccabili in una pregiata Steelbook da collezione e restaurato in 4K UHD. L’esclusiva edizione, che include un poster, 6 artcard con foto di scena e la riproduzione dei biglietti da visita dei protagonisti, sarà disponibile solo su Amazon a partire dal 9 giugno ma, dalla stessa data, sarà possibile acquistare anche la versione standard, sempre in 4K UHD.

E come resistere al richiamo dell’avventura? A giugno arriva anche Indiana Jones e i Predatori dell’Arca Perduta, prima indimenticabile avventura dell’archeologo più amato del grande schermo, in una nuovissima edizione Steelbook 4K UHD insieme a un mini poster da collezione. La troverete a partire dal 9 giugno in blu-ray.

E per quanto riguarda i grandi kolossal, a giugno c’è un altro titolo da non lasciarsi scappare: Il Padrino – Parte II è pronto a stregarci ancora una volta, per l’occasione in un incredibile formato 4K UHD. A partire dal 23 giugno, in blu-ray.

Midnight Factory

È uno dei registi più importanti di sempre e a giugno avrà il giusto riconoscimento anche su Koch Media: De Palma Film Collection è un esclusivo cofanetto che contiene due pellicole del celebre Brian De Palma. Vestito per uccidere e Blow Out, in edizione limitata Midnight Classics con booklet in sole 1000 copie numerate. Dal 23 giugno, in DVD e Blu-Ray, solo su Fan Factory Shop.

E parlando di icone del genere, è impossibile non citare il controverso regista Gaspar Noe. Il suo film più conosciuto, Irréversible, si unisce alla collana Midnight Factory a partire dal 23 giugno, in DVD e blu-ray, ma sempre in edizione limited più booklet.

Anime Factory

Giugno vuol dire esclusive in casa Anime Factory e questo mese arriva Liz e l’uccellino azzurro, il capolavoro di Naoko Yamada, in edizione ultralimited blu-ray numerata in 1000 copie insieme a un book e 2 poster. Sarà in esclusiva, a partire dal 23 giugno, su Fan Factory Shop.

Infine anche a giugno continuano le celebrazioni per i 60 anni di Tatsunoko Production. A partire dal 9 giugno arriva infatti in DVD e per la prima volta anche in formato blu-ray Kyashan Il Mito, remake della classica serie televisiva anni Settanta, in edizione limited più booklet.

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NerdandoSu Marte

Come saprete se siete appassionati di spazio (ma anche se guardate un TG ogni tanto) Perseverance, la sonda inviata dalla NASA su Marte, è atterrata con successo sulla superficie del Pianeta Rosso proprio alla fine di febbraio scorso.

Per celebrare questo importante traguardo, abbiamo deciso di dedicare il nostro NerdandoSu proprio a Marte e a come è stato ritratto nei media più disparati. Oggi vi porto con me in un viaggio sul Pianeta Rosso, attraverso i film che lo hanno scelto come protagonista.

Piccola precisazione: noterete sicuramente l’assenza di John Carter. Ho preferito non considerarlo, perché sull’argomento vi ha già detto tutto quello che c’è da sapere il nostro Giakimo.

Adesso fate partire Life on Mars di David Bowie in sottofondo e tuffatevi nella lettura.

Atto di forza

È vero, esistono due film tratti dal racconto breve di Philip Dick Ricordiamo per voi. Ma io ho deciso di raccontarvi quello del 1990 di Paul Verhoeven e interpretato da Arnold Schwazenegger e Sharon Stone perché è un cult e perché ci sono affezionata.

Tra i film più famosi ambientati su Marte, Atto di forza si svolge in un 2084 in cui Marte non solo è stato raggiunto con successo dall’essere umano ma è diventato una vera e propria colonia terrestre.
Arnold Schwazenegger interpreta Douglas Quaid, operaio edile ossessionato dall’idea di visitare Marte. Pian piano, però, scoprirà un passato personale legato al pianeta rosso che era stato rimosso dalla sua memoria.
Il film è stato premiato con il Premio Oscar per i migliori effetti speciali nell’edizione del 1991.

Sopravvissuto – The Martian

Nel 2015 Ridley Scott, uno che di angosce spaziali se ne intende, decideva di portarci su Marte in compagnia di Matt Damon.
La missione NASA Ares 3 sul Pianeta Rosso è costretta a ripartire in tutta fretta per via di una terribile tempesta. Durante l’evacuazione l’astronauta Mark Watney viene separato dalla squadra e, dato per morto, si ritrova abbandonato su Marte. Dovrà darsi da fare per sopravvivere.

Il film è stato premiato con un Golden Globe per il miglior film commedia o musicale e uno per il miglior attore in una commedia o film musicale.

Mars Attacks!

Altro film a cui sono affezionatissima è Mars Attacks!, diretto nel 1996 da Tim Burton a partire da una popolare serie di figurine anni Sessanta e interpretato da Jack Nicholson, Micheal J. Fox, Glenn Close, Pierce Brosnan, Natalie Portman, Sarah Jessica Parker, Martin Short, Annette Bening e Tom Jones.

Commedia nera che nasce come parodia dei B movie di fantascienza anni Sessanta, Mars Attacks! racconta con grande ironia e cinismo un’invasione aliena da parte di crudeli e astuti marziani.

Mission to Mars

Anche un maestro della suspense come Brian De Palma ha voluto confrontarsi con Marte e il suo fascino. Lo ha fatto nel 2000 con Mission to Mars, interpretato da Gary Sinise, Tim Robbins e Don Cheadle.
Ambientato nel 2020, il film segue la prima missione spaziale con equipaggio umano inviata su Marte. Le cose però si complicheranno più del previsto.

Mission to Mars non è stato un grande successo, anzi: per la sua regia Brian De Palma ha ricevuto una candidatura ai Razzie Awards di quell’anno come peggior regista (senza tuttavia vincere: fu battuto da Roger Christian per il terribile Battaglia per la Terra – Una saga dell’anno 3000).

Fantasmi da Marte

Non è la sua opera migliore, ma come si può lasciare John Carpenter fuori da questa cinquina?
Nel 2001 il regista porta Jason Statham e Ice Cube sulla superficie del Pianeta Rosso per una audace commistione di horror e western (e fantascienza, ça va sans dire).
In un Marte perfettamente terraformato del 2176, una poliziotta e un prigioniero si troveranno alle prese con spettri vendicatori.

Curiosità interessante: il film doveva essere incentrato sul personaggio di Jena Plissken ma, visto lo scarso successo di Fuga da Los Angeles, si preferì cambiare idea.

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Il 2020 al cinema

Che il 2020 sia stato un anno imprevedibile credo non ci sia ombra di dubbio. A livello cinematografico gli ultimi mesi sono stati, per forza di cose, un po’ fiacchi e la maggioranza delle nuove uscite è stata rimandata a data da destinarsi.

Abbiamo pensato, quindi, di esplorare il 2020 al cinema in maniera un po’ diversa: come è stato immaginato, infatti, l’anno che stiamo vivendo da registi e sceneggiatori, quando il 2020 era ancora un ipotetico futuro? Quante delle intuizioni degli artisti si sono effettivamente realizzate? Scopriamolo in questa carrellata!

Mission to Mars

Liberamente ispirato all’omonima attrazione dei parchi a tema Disney e diretto nel 2000 da Brian De Palma (premiato con il Razzie Award per la peggiore regia), Mission to Mars si concentra sull’esplorazione del pianeta rosso e, in particolare, sui misteri della regione di Cydonia.

Nel 202o viene realizzata la prima missione su Marte con umani a bordo: una volta sulla superficie, la spedizione si troverà alle prese con tempeste di sabbia e strani fenomeni e cercherà di districarsi nei segreti che il pianeta Rosso custodisce.
Protagonisti della pellicola sono Don Cheadle, Gary Sinise e Tim Robbins.

Nella realtà

Non abbiamo ancora spedito essere umani su Marte ma proprio quest’anno, il 30 luglio scorso, è partita la missione Mars 2020: la navetta sgancerà il rover Perseverance sulla superficie del pianeta nel febbraio 2021 e ha come obiettivo quello di cercare tracce di vita e prelevare campioni geologici, che saranno stoccati e portati sulla Terra con una successiva missione.

Il regno del fuoco

Diretto nel 2002 da Rob Bowman e interpretato da Christian Bale, Il regno del fuoco immagina un futuro in cui smog e cambiamento climatico hanno modificato profondamente l’ecosistema terrestre.
Nel 2020 la situazione è talmente insostenibile che i pochi umani sopravvissuti vivono arroccati in castelli, in un’atmosfera che ricorda il Medioevo, e i draghi sono diventati la specie dominante.

I draghi immaginati nel film altro non sono che una specie antichissima, presente sulla Terra fin dall’epoca dei dinosauri (nonché responsabili proprio della loro estinzione). Le creature, a causa della glaciazione, sarebbero entrate in un lunghissimo letargo nelle profondità del pianeta.

Nella realtà

Un 2020 molto diverso da quello presente ne Il regno del fuoco, quello che abbiamo vissuto. Smog e inquinamento sono problematiche importanti anche nella realtà ma, complice la pandemia e il lockdown di molti paesi, i primi mesi dell’anno hanno visto un calo delle emissioni nocive.
Per quanto riguarda i draghi, per il momento non sono pervenuti. Nel 2020, però, sono state scoperte ben 71 nuove specie, tra cui 15 gechi, 3 sauri e 2 lucertole.

Hirune Hime – Shiranai Watashi no Monogatari

Conosciuto anche con il titolo inglese di The Napping Princess, questo anime del 2017 è scritto e diretto da Kenji Kamiyama ed è stato accompagnato da un manga omonimo.
Siamo nel 2020 e le Olimpiadi di Tokyo si avvicinano a grandi passi: gli organizzatori vogliono realizzare una cerimonia d’apertura memorabile, con lo spettacolare ingresso degli atleti a bordo di automobili che si guidano da sole. È necessario però recuperare il software di guida automatica realizzato dalla madre di Kokone Morikawa, morta in un’incidente stradale.

La giovane Kokone, alle prese con un mondo complesso, trova rifugio nei sogni, in una sorta di universo parallelo.

Nella realtà

Le Olimpiadi di Tokyo erano l’evento più atteso del 2020 ma, ahimè, anche loro sono state vittime del Covid-19: l’evento è stato rimandato al 2021 e la cerimonia di apertura al momento è programmata per il 23 luglio dell’anno prossimo.
Per quanto riguarda le automobili a guida autonoma, non fanno attualmente parte della nostra quotidianità ma la sperimentazione è partita già da tempo. E proprio entro la fine del 2020 Elon Musk ha annunciato che lancerà sul mercato una Tesla completamente automatica.

A Quiet Place – Un posto tranquillo

Uno dei film rivelazione della stagione 2018, A Quiet Place è diretto da John Krasinski, che veste anche i panni del protagonista insieme alla moglie nella vita, Emily Blunt.
Nel primo trimestre del 2020 una letale specie di predatori alieni ha decimato la popolazione mondiale. Gli extraterrestri sembrano invincibili e sono dotati di un udito formidabile ma sono privi di vista: i pochi sopravvissuti sono quindi costretti a vivere nel più completo silenzio.

Molto apprezzato da pubblico e critica il film avrebbe dovuto avere un seguito proprio nel 2020 ma, a causa della pandemia di Coronavirus, l’uscita è stata rinviata di un anno.

Nella realtà

Per fortuna nessun mostro alieno è sbarcato sulla Terra per distruggerci ma c’è un’inquietante similitudine tra il primo trimestre dell’anno immaginato da John Krasinski e quello che abbiamo vissuto. I primi tre mesi del 2020, infatti, hanno visto la popolazione mondiale minacciata da un nuovo virus che ha purtroppo mietuto diverse vittime e ha costretto l’umanità non al silenzio come nel film ma all’isolamento per evitare la diffusione della malattia.

Terminator – Destino Oscuro

Sequel diretto di Terminator 2 – Il giorno del giudizio e sesta pellicola del franchise, Terminator – Destino Oscuro è stato diretto nel 2019 da Tim Miller e vede tornare nei panni dei protagonisti Arnold Schwarzenegger e Linda Hamilton.

Nel 2020 una soldatessa umana potenziata e un cyborg appaiono dal futuro a Città del Messico: entrambi hanno come obiettivo Danielle “Dani” Ramos ma mentre la prima ha il compito di proteggerla, il secondo ha quello di ucciderla.

Nella realtà

Siamo ancora lontani da viaggi nel tempo, cyborg letali e intelligenze artificiali in lotta con l’umanità ma il 2020 reale vanta grande attività per quanto riguarda lo studio e lo sviluppo della robotica.
Le intelligenze artificiali si fanno sempre più progredite e i bot sono all’ordine del giorno. Non solo, i robot diventano sempre più specializzati ed evoluti e in molte fabbriche hanno già sostituito l’essere umano per lo svolgimento di attività ripetitive e pericolose. Il potenziamento umano non è ancora nei nostri orizzonti, ma la robotica e la scienza fanno passi da gigante in applicazione alle protesi per garantire condizioni di vita ottimali alle persone affette da disabilità.

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Aprile 2020

Aprile 2020 arriva in un clima che non ci saremmo aspettati, in piena pandemia e crisi sanitaria. Per la nostra sicurezza, ci viene chiesto di rimanere in casa il più possibile, in modo da scongiurare il proliferare del contagio.
In questo clima di tensione, però, Koch Media è pronta a venirci in aiuto, proponendoci tantissime nuove uscite con cui allietare le nostre giornate tra le mura domestiche. Scopriamole insieme!

Koch Media

Tra le novità più succose per questo aprile 2020 c’è sicuramente Killing Eve. L’acclamata serie BBC America scritta da Phoebe Waller-Bridge e interpretata da Sandra Oh ha vinto 1 Golden Globe, 3 BAFTA e 1 TV Critic’s Choice e adesso è pronta ad arricchire la nostra collezione home video. Dal 2 aprile troverete la stagione 1 completa e la stagione 2 completa in DVD e Blu-Ray, entrambe in un’edizione ricca di contenuti aggiuntivi.

Questo mese, spazio anche per i classici come Fury, spy story diretta da Brian De Palma nel 1978 e interpretata da Micheal Douglas. Il film arriva in edizione collector’s corredata di Booklet sia in DVD che in Blu-Ray. La troverete a partire dal 2 aprile.

Dal 23 aprile, invece, potrete appassionarvi ad una storia d’amore universale, vincitrice del premio alla sceneggiatura al Festival di Cannes 2019.
Ritratto della giovane in fiamme sarà in vendita in DVD e Blu-Ray in un’edizione ricca di contenuti bonus.

Il 23 aprile è la data che segna anche il ritorno di Jean-Claude Van Damme, protagonista di We Die Young, un crudo action thriller ambientato nel più malfamato quartiere di Washington. Sarà disponibile in DVD e Blu-Ray.

Ad aprile, infine, continua la retrospettiva dedicata ad Alberto Sordi, che vede la collezione arricchirsi di tre nuovi titoli: Mamma mia, che impressione!, Scusi, lei è favorevole o contrario? e Incontri proibiti. Tutti saranno disponibili dal 23 aprile in Blu-Ray + 4K.

Midnight Factory

Un nuovo cult dell’horror è pronto ad unirsi alla collezione Midnight Classics ad aprile. Sotto Shock, diretto nel 1989 da Wes Craven arriva il 2 del mese in DVD e Blu-Ray in un’edizione speciale con booklet e card da collezione.

Il 2 aprile, in DVD e Blu-Ray, arriva anche l’horror dal cuore punk di Joe Begos capace di colpire allo stomaco. Bliss, l’incubo allucinato di una talentuosa pittrice sarà presentato in edizione limited con booklet.

Anime Factory

Anche Anime Factory continua la sua produzione di grandi titoli. Dal 2 aprile, in DVD e Blu-Ray, arriva Lupin III: La seconda serie – Vol. 2. La serie con la celebre “giacca rossa”, che ha consacrato il mito di Lupin, debutta in alta definizione.

Il 2 aprile, in DVD, arriva anche uno dei robot giganti più amati di sempre: Daikengo Il Guardiano dello spazio sarà in edizione limited con moltissimi contenuti esclusivi.

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Home video di maggio 2018

Maggio 2018 è arrivato e porta con sé grandi novità, emozioni e curatissime edizioni per tutti gli appassionati di cinema.

Ancora una volta, Koch Media è pronta a coccolare i suoi appassionati, con tante nuove uscite per il mercato home video, tutte da non perdere.

E per gli amanti dell’horror non c’è da temere: ci pensa Midnight Factory alle loro esigenze, con le consuete edizioni speciali da collezione.

Ma andiamo a scoprire nel dettaglio le novità home video di maggio 2018, a cominciare da quelle targate Koch Media.

Koch Media

È stato un riuscitissimo evento speciale al cinema in occasione della giornata mondiale della Terra, il 22, 23 e 24 aprile, e adesso arriva in home video: Earth – Un giorno straordinario.

Dal 17 maggio sarà disponibile in home video in un triplice formato: DVD, Blu-Ray e 4K UHD. Ad accompagnarci in quest’esperienza unica ed irripetibile ai quattro angoli della Terra è la voce narrante di Diego Abatantuono.

Realizzato nel corso di 5 anni, il film è uno splendido omaggio al nostro pianeta, caratterizzato da immagini di qualità straordinaria grazie alla tecnologia audio Dolby Atmos e video Dolby Vision.

Grande spazio, questo mese, è riservato all’animazione. In particolare, dopo il grande successo riscosso al botteghino, arriva in home video Bigfoot Junior. Destinato a tutta la famiglia, il film sarà disponibile dal 17 maggio in DVD e Blu-Ray.

Dal 17 maggio, sempre in DVD e Blu-Ray, arriva anche l’avventuroso Turbo Kid, ambientato in un futuro postapocalittico e grande omaggio alla cultura cinematografica degli anni Ottanta.

Infine il 17 maggio è la data da segnare anche per il nuovo cofanetto dedicato alla saga di Dragon Ball: Dragon Ball Film Collection, composto da 20 DVD, è la raccolta integrale ed esclusiva di tutti i film della saga.

Midnight Factory

Amanti dell’horror, maggio è il mese per voi! È in arrivo, infatti, il nuovo appuntamento con i Midnight Classics, collana inaugurata lo scorso mese con L’Armata delle Tenebre.

Stavolta il cofanetto speciale è dedicato a Carrie – Lo sguardo di Satana, indiscusso cult diretto da Brian De Palma e interpretato da una giovanissima Sissy Spacek. A partire dal 17 maggio sarà disponibile l’edizione speciale mediabook, con tre dischi, sia in DVD che in Blu-Ray. Non mancheranno i contenuti speciali esclusivi, come un book da collezione di 20 pagine e oltre 4 ore di contenuti extra.

Da non perdere, poi, l’appuntamento Midnight Factory del mese con The Midnight Man, reduce da un enorme successo al cinema e interpretato da Robert Englund. Il film sarà disponibile dal 17 maggio in edizione speciale limitata con booklet, in formato DVD o Blu-Ray.

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