Recensione

Ci siamo: Gabriele Mainetti è tornato. E con Freaks Out ha deciso di sognare in grande.

Premessa: io Lo chiamavano Jeeg Robot l’ho adorato, con la sua carica dirompente, innovativa e sognatrice. In quell’occasione avevo avuto anche la possibilità di intervistare il regista, Gabriele Mainetti, scoprendo una persona cortese, amante del cinema e disponibile. E allora potete immaginare quanto aspettassi Freaks Out. Con quel misto di trepidazione e anche paura, ché il rischio di deludere le aspettative c’era eccome. E invece Freaks Out è pura meraviglia: ci porta a sognare, ci diverte e ci emoziona. E non potremmo chiedere di più.

Trama

Siamo nel pieno della Seconda Guerra Mondiale, a Roma. Il circo itinerante di Israel è composto da fenomeni da baraccone: Matilde, Fulvio, Cencio e Mario hanno tutti capacità straordinarie ma la società li considera dei veri e propri mostri, emarginandoli. Quando il divampare della guerra si fa inarrestabile e mette in seria difficoltà l’attività lavorativa, il gruppo decide di trasferirsi negli Stati Uniti. Ma per farlo, occorrono documenti: Israel parte quindi alla volta della Capitale, promettendo di tornare la sera stessa con le salvifiche carte d’identità.

Quando però non fa ritorno, Matilde e gli altri temono che sia stato rastrellato in quanto ebreo. All’assortito gruppo non resta quindi che tentare di ritrovarlo nella Roma devastata dai combattimenti. Sarà l’inizio di un viaggio che porterà tutti loro, Matilde per prima, a fare i conti con chi sono e con quello che sono in grado di fare.

Stile

Che Gabriele Mainetti (in coppia con Nicola Guaglianone, insostituibile partner di sceneggiatura) fosse uno con tante idee e un amore smisurato per il cinema, si era già capito con Lo chiamavano Jeeg Robot, il film in grado di mostrare un nuovo volto (ancora inesplorato) del cinema italiano e di farci innamorare di un attore incredibile come Luca Marinelli.
Ebbene, con Freaks Out l’autore fa un passo in più: l’amore per il cinema c’è ancora tutto, la scrittura è ancora ispiratissima ma stavolta si fa in tutto in grande. Quello che ci troviamo davanti è uno spettacolo pirotecnico che nasconde però tantissima emozione dietro le luci scintillanti. Un po’ come la sua protagonista, Matilde, che dietro una luce accecante cela un grande cuore.

E proprio il personaggio di Matilde, interpretato da una sorprendente Aurora Giovinazzo, fa da centro nevralgico di tutta la storia e della ragnatela di protagonisti che le girano attorno. Da ricordare, sotto la fitta peluria del personaggio di Fulvio, Claudio Santamaria, che continua il suo felice sodalizio artistico con Mainetti e Pietro Castellitto, incredibile nel ruolo di Cencio. Ma meritano anche una menzione Giorgio Tirabassi nel ruolo di Israel, Max Mazzotta in quello del Gobbo e Franz Rogowski nel dare vita al terrificante antagonista Franz.

Luci ma anche ombre nell’universo narrativo tratteggiato da Freaks Out, che ci mostra una guerra crudele, in cui nulla è solo bianco o nero ma ogni persona che incontriamo è di fatto una scala di grigi. Tutti, comunque, hanno il loro percorso, il loro vissuto con cui fare i conti e i loro obiettivi: ciascuno farà le sue scelte e ne affronterà poi le conseguenze.

E poi c’è il cinema, lo dicevamo prima, che in Freaks Out è meraviglia allo stato puro. La messa in scena è lussureggiante e lascia tutti a bocca aperta. E i rimandi, per chi voglia coglierli, sono infiniti: c’è la Seconda Guerra Mondiale in chiave western (un po’ come aveva fatto Quentin Tarantino, ma con un percorso stilistico differente rispetto a Bastardi Senza Gloria, con il quale le affinità finiscono qui), c’è il Neorealismo, imprescindibile in Italia quando si voglia tratteggiare il periodo bellico e c’è il circo, reso immortale da Federico Fellini, sognante e misterioso come ce lo aspetteremmo. E poi ci sono loro, i Freak, il vero motore della vicenda ed è impossibile non cogliere una strizzatina d’occhio al classico Freaks del 1932 di Tod Browning (con esiti diversi -per fortuna-).

Insomma, Freaks Out è una gioia per gli occhi e per il cuore. Fatevi un regalo e andate al cinema a guardarlo, non resterete delusi.

Nerdando in breve

Freaks Out è pura magia, un film in grado di far sognare e di emozionare: fidatevi, è il momento di tornare al cinema.

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Recensione

La pandemia di Covid-19 ha drammaticamente rallentato ma non bloccato del tutto l’industria cinematografica internazionale.
E così, mentre si discute dell’opportunità delle scelte di casa Disney (è di questi giorni la notizia che Mulan, titolo di punta della stagione 2020, verrà distribuito on demand su Disney+), nelle sale cinematografiche italiane (le poche aperte, a dirla tutta) arriva Galveston.

Galveston è nei cinema del nostro paese dal 6 agosto 2020 e io ho potuto guardarlo grazie ad un’anteprima stampa online. Si tratta di un viaggio esistenziale e fisico nel profondo Texas diretto da Mélanie Laurent a partire da un romanzo di Nic Pizzolatto.

Ora: io nutro una profonda stima per Nic Pizzolatto fin dai tempi della prima meravigliosa stagione di True Detective e adoro Mélanie Laurent da quando si è fatta notare in Bastardi senza gloria interpretando  Shoshanna, tra i migliori ruoli mai scritti da Quentin Tarantino. Non vedevo l’ora, quindi, di guardare Galveston, che mi incuriosiva parecchio e da cui mi aspettavo molto.

Trama

Nella New Orleans della malavita si incrociano le vite di Roy, criminale con un cancro terminale e Rocky, giovane prostituta senza prospettive.
Quando il suo boss organizza un’imboscata per sbarazzarsi di Roy, infatti, questi riesce miracolosamente a salvarsi e nella fuga coinvolge Rocky, che si trovava casualmente sul posto.
La ragazza convince poi Roy a passare da Orange, suo paese d’origine, per recuperare sua sorella minore e portarla con loro verso Galveston, dove si rifugiano.
Qui entrambi fanno i conti con il proprio passato e i propri errori e si appoggiano l’un l’altro per cercare un futuro migliore. Ma i sicari sono sulle loro tracce.

Stile

Galveston è tratto da un romanzo di Nic Pizzolatto uscito nel 2010 e, in effetti, la mano dell’autore si nota dietro le atmosfere e l’andamento della vicenda.
L’autore, d’altra parte, è stato coinvolto attivamente nella realizzazione del film, occupandosi della sceneggiatura insieme alla regista Mélanie Laurent. Tuttavia, nel corso della lavorazione, sono emerse pesanti divergenze di visione tra i due, tanto da portare Pizzolatto a disconoscere la stesura finale della sceneggiatura e firmarla con lo pseudonimo di Jim Hammett.

Non ho letto il romanzo Galveston, quindi non so dire quanto il film che ne è stato tratto se ne discosti. In ogni caso ho colto alcuni elementi tipici dello stile di Nic Pizzolatto, come le atmosfere, l’introspezione, i personaggi perduti. L’impronta registica che Mélanie Laurent ha scelto di dare al suo film è discreta e precisa, che lascia spazio ai suoi attori e predilige una fotografia scura e cupa. Il risultato, però, trasmette freddezza e coinvolge poco, nonostante le tematiche forti e la bravura degli interpreti.

Su tutti spicca Elle Fanning, non al suo top ma comunque in grado di delineare un personaggio fragile, in lotta con se stesso e con i propri demoni. Ad accompagnarla, uno Ben Foster perfetto nel ruolo di Roy. Il film si basa su di loro, unici protagonisti per la gran parte della pellicola.

Quella che vediamo sullo schermo è una storia di caduta e redenzione, di introspezione e ricerca personale: un’idea interessante, anche se già sfruttata, che però non riesce ad arrivare appieno al cuore dello spettatore. Un compito ben fatto, in fin dei conti, ma con poca anima.
Galveston è comunque una pellicola che vale la pena vedere per le ottime interpretazioni, la fotografia e la messa in scena accurata.

Nerdando in breve

Galveston è una storia di caduta e redenzione, leggermente fredda ma girata con cura. La mano di Nic Pizzolatto c’è e si vede.

Nerdandometro: 3/5

Trailer

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La quarantena da Coronavirus

L’emergenza coronavirus sta creando grande scompiglio e agitazione in tutto il mondo e in particolare nel nostro paese. Siamo convinti che, in una situazione del genere, l’ideale sia mantenere la calma e infatti abbiamo cercato di alleggerire il clima con il nostro NerdandoSu di febbraio a tema epidemie.
Resta comunque logico che si renda necessario, per il bene di tutti, seguire alcune norme e accortezze per limitare la diffusione del virus.
Se, quindi, in questi giorni di isolamento non sapete come impiegare il tempo, vi proponiamo 5 film dal catalogo Amazon Prime Video per trascorrere la quarantena!

Scanners

Amanti della fantascienza anni Ottanta, siete chiamati a raccolta: Scanners è il primo film importante di un certo David Cronemberg e risale al 1981. Effetti speciali “datati”, recitazione caricata e una storia davvero interessante sono gli ingredienti di questa pellicola.

Tra la gente degli Stati Uniti si nascondono alcuni “scanners”, esseri umani dotati di enormi poteri psichici. La ConSec, azienda che si occupa di armi e sistemi di sicurezza, li cerca ma deve anche difendersi dagli attacchi di Darryl Revok, scanner rinnegato in cerca di vendetta.

Space Jam

Cambiamo decisamente genere con questo film del 1996 pensato per i bambini ma in grado di divertire e appassionare spettatori di ogni età. Space Jam è interpretato dai protagonisti dei cartoni animati Warner Bros. accompagnati per l’occasione dalla star dell’NBA Micheal Jordan e dal grande attore Bill Murray e mescola quindi animazione classica a sequenze live action.

I personaggi dei cartoni animati della Terra sono minacciati dal malvagio proprietario di un luna park intergalattico, che vuole ridurli in schiavitù e trasformarli in attrazioni per la sua attività. I Looney Tunes decidono quindi di sfidare gli invasori a una partita di pallacanestro e, per loro fortuna, si avvarranno dell’aiuto del cestista Micheal Jordan.

L’uccello dalle piume di cristallo

L’esordio di Dario Argento risale al 1970 ed è attualmente disponibile nel catalogo Amazon Prime Video. L’uccello dalle piume di cristallo è un giallo a incastro, ispirato liberamente al racconto La statua che urla di Fredric Brown.

Lo scrittore in crisi Sam Dalmas si reca in Italia in cerca di ispirazione quando rimane coinvolto nelle indagini per smascherare e fermare un pericoloso e misterioso serial killer.

Bastardi senza gloria

Secondo il mio parere l’indiscusso capolavoro di Quentin Tarantino, Bastardi senza gloria ci propone una rilettura degli eventi della Seconda Guerra Mondiale. Uscito nel 2009, è interpretato da Brad Pitt, Christoph Waltz (premiato con l’Oscar), Melanie Laurent, Micheal Fassbender, Diane Kruger e Eli Roth.

Durante la Seconda Guerra Mondiale un gruppo scelto di soldati americani, i Bastardi, viene paracadutato in Francia con la missione di uccidere il maggior numero possibile di milizie nemiche.
Allo stesso tempo, la giovane Shosanna Dreyfus, che vive in incognito dopo essere sopravvissuta al massacro della sua famiglia, vede presentarsi l’occasione perfetta per consumare la sua vendetta.

Il grande Lebowski

Torniamo indietro fino al 1998 per una delle più riuscite pellicole dei fratelli Coen, interpretata da Jeff Bridges, John Goodman, Steve Buscemi, Julianne Moore e John Turturro. Se amate l’umorismo surreale e un po’ macabro, non potete lasciarvelo scappare.

Drugo Lebowski è un convinto fannullone, che trascorre le sue giornate tra White Russian e partite a bowling. A causa di un tappeto, però, si ritroverà coinvolto in una serie di situazione decisamente bizzarre.

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Donne toste al cinema

Film, serie TV, videogiochi, libri, animazione: le forme di intrattenimento sono costellate di protagoniste femminili emancipate, in gamba e intriganti.
Dopo avervi ricordato alcune tra le migliori protagoniste del panorama videoludico, mostrato le nostre eroine della TV preferite e presentato le donne regista della storia, per la festa della donna 2020 abbiamo pensato di passare in rassegna le più memorabili donne toste del panorama cinematografico.

Il mondo del cinema è da sempre capace di creare figure femminili in grado di imprimersi nella mente dello spettatore e, di fatto, la scelta è quanto mai ampia. Per la nostra lista, quindi, abbiamo deciso di escludere tutti i personaggi che provengono da altri media e solo in un secondo momento hanno preso vita al cinema. Non troverete, quindi, protagoniste di libri, fumetti o ispirate a figure reali ma solamente eroine che sono nate direttamente sul grande schermo.

9. Juno (da Juno, 2007)

Anticonformista, sicura di sé e in grado di non lasciarsi influenzare dall’opinione comune, Juno è la protagonista dell’omonimo film diretto da Jason Reitman e ha le fattezze della talentuosa Ellen Page. Premiato agli Oscar per la migliore sceneggiatura originale, il film racconta le vicende dell’adolescente Juno che, rimasta incinta alla prima esperienza sessuale, decide di portare avanti la gravidanza e far adottare il nascituro.
Buona scrittura, verve e colonna sonora stupenda fanno da contorno a una protagonista iconica.

8. Maria (da Metropolis, 1927)

Poteva nel 1927 il cinema dare spazio a una protagonista femminile non stereotipata e al centro dell’azione? Poteva, se a dirigere c’era Fritz Lang. In Metropolis la giovane Maria è la guida spirituale e politica degli oppressi nel futuro distopico che ci viene mostrato.
Nonostante gli anni, il film è all’avanguardia per la presenza femminile ma è anche uno dei migliori esponenti del cinema espressionista e fonte di ispirazione per gran parte del cinema di fantascienza moderno.

7. Thema e Louise (da Thelma & Louise, 1991)

Doppietta in settima posizione per la coppia tutta al femminile più iconica della storia del cinema. Susan Sarandon e Geena Davis interpretano due amiche che intraprendono un viaggio che si trasforma presto in fuga per la libertà a bordo di una Ford Thunderbird.
Premiato con l’Oscar alla migliore sceneggiatura originale, il film diretto da Ridley Scott è  tuttora un capolavoro insuperato sul desiderio di libertà.

6. Shosanna Dreyfus (da Bastardi senza gloria, 2009)

Interpretata da Mélanie Laurent, Shosanna Dreyfus è uno dei personaggi più riusciti e iconici del capolavoro di Quentin Tarantino Bastardi senza gloria.
Nell’ucronia immaginata dal regista, Shosanna è una giovane ragazza ebrea che, scampata al massacro della sua famiglia, coglie un’occasione propizia per potersi vendicare dei nazisti.
Premiato con un Oscar al miglior attore non protagonista (Christoph Waltz nei panni del Colonnello Landa), per me resta il miglior Tarantino finora.

5. Leila Organa (da Guerre Stellari, 1977)

Perfettamente interpretata da Carrie Fisher, la Principessa Leila è l’unico personaggio femminile presente nella prima trilogia cinematografica creata da George Lucas ma riesce a rappresentare al meglio le donne.
Caparbia, scaltra, indomita e tenace, Leila è in grado di cavarsela in qualunque situazione e di guidare al meglio la Ribellione prima e la Resistenza poi.
Una vera eroina.

4. Beatrix Kiddo (da Kill Bill: Volume 1, 2003)

Quentin Tarantino sembra essere parecchio bravo a tratteggiare donne forti e indipendenti, tanto che appare due volte nella nostra lista. La Sposa, interpretata da Uma Thurman, è un personaggio a tutto tondo, temibile e inarrestabile nel suo proposito di vendetta.
Un personaggio che è rimasto nella storia del cinema.

3. Imperatrice Furiosa (da Mad Max: Fury Road, 2015)

Diretto da George Miller, il film è stato tra le rivelazioni dell’ultimo decennio cinematografico e vanta tra i protagonisti una splendida figura femminile interpretata da Charlize Theron.
In un futuro distopico in cui le risorse sono praticamente esaurite e l’umanità è regredita ad un livello praticamente tribale, Furiosa è una fiera combattente, che non si tira indietro nel difendere le donne della Cittadella.
L’incarnazione dei valori femministi, quelli veri.

2. Sarah Connor (da Terminator, 1984)

Creata dalla mente di James Cameron e protagonista di uno dei migliori film mai girati, Sarah Connor si ritrova ad essere, da ragazza comune, l’ultima speranza dell’umanità nel futuro distopico dominato dalle macchine.
Interpretata da Linda Hamilton, sa tirare fuori i muscoli e competere con i terribili cyborg inviati per ucciderla.

1. Ellen Ripley (da Alien, 1979)

Ancora Ridley Scott a dirigere uno dei capisaldi della fantascienza. Alien e Aliens – Scontro finale (diretto invece da James Cameron) portano sullo schermo la protagonista femminile senza dubbio più tosta e carismatica del cinema. Interpretata da Sigourney Weaver, qui al suo primo ruolo importante, rappresenta tuttora una delle migliori eroine mai apparse su celluloide.
E pensare che Ripley non doveva essere nemmeno una donna…

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La Seconda Guerra Mondiale nei film

Nel Settembre di ottant’anni fa la Germania nazista invadeva i confini della Polonia. Un atto che dava di fatto il via a quello che si sarebbe rivelato il più grande conflitto armato della storia, che avrebbe mietuto milioni di vittime e che avrebbe lasciato devastazione e distruzione in tutta Europa ancora a lungo.

La Seconda Guerra Mondiale ha rappresentato un momento oscuro della nostra storia, in cui gli esseri umani sono stati capaci di un odio disumano e di azioni indicibili verso i propri simili. Moltissimi sono stati gli individui che hanno perso la vita e quelli che sono sopravvissuti sono rimasti profondamente segnati da avvenimenti che solo qualche anno prima non sarebbero stati nemmeno in grado di immaginare.

Siamo abituati a studiare certi argomenti sui libri di storia e a considerarli parte di un passato lontanissimo, invece solo ottant’anni fa si consumava una delle tragedie più immani della nostra storia.
Primo Levi scriveva “Se comprendere è impossibile, conoscere è necessario, perché ciò che è accaduto può ritornare, le coscienze possono nuovamente essere sedotte ed oscurate: anche le nostre”. Ricordare certi crudeli avvenimenti è fondamentale per fare in modo che non possano ripetersi e il mondo del cinema si è fatto negli anni pienamente promotore di divulgare e far rivivere la Seconda Guerra Mondiale in tutte le sue forme, rendendola protagonista di pellicole capaci di imprimersi a fuoco nella mente degli spettatori.

Vediamo alcuni dei film che si sono occupati nella maniera più efficace della Seconda Guerra Mondiale.

Dunkirk

Il primo film di cui vi parlo è in realtà anche il più recente: Dunkirk è stato diretto nel 2017 da Christopher Nolan e racconta in chiave corale la drammatica evacuazione di Danquerque, avvenuta in Francia nel 1940, quando le truppe alleate sono state costrette a mettere in atto una disperata ritirata.
Interpretato da un ricco cast, in cui spiccano Kenneth Branagh, Cillian Murphy, Tom Hardy, il film è una delle più emozionanti e coinvolgenti rappresentazioni cinematografiche della Seconda Guerra Mondiale.

Se vi è piaciuto:
Variazioni sul tema altrettanto valide sono Salvate il soldato Ryan (Steven Spielberg – 1998), Lettere da Iwo Jima e Flags of our Fathers (entrambi diretti da Clint Eastwood nel 2006), La sottile linea rossa (Terence Malick – 1998), Fury (David Ayer – 2014).

Bastardi senza gloria

Che cosa sarebbe successo se le truppe americane avessero paracadutato in Francia un drappello di soldati con l’obiettivo di collezionare scalpi nazisti? È quello che si è chiesto nel 2009 Quentin Tarantino e la risposta è Bastardi senza gloria, uno dei migliori film girati dal geniale regista americano.
Le stupende interpretazioni di Brad Pitt, Christoph Waltz, Eli Roth, Micheal Fassbender, Mélanie Laurent e Diane Kruger danno vita ad una rilettura fantasiosa e sanguinaria della storia così come la conosciamo.

Se vi è piaciuto:
Se parliamo di fantastoria non possiamo che citare Il grande dittatore (Charlie Chaplin – 1940); parlando invece di operazioni impossibili bisogna ricordare Quella sporca dozzina (Robert Aldrich – 1967, da cui Tarantino ha preso dichiaratamente ispirazione per il suo capolavoro), I cannoni di Navarone (J.Lee Thompson – 1961), Operazione Valchiria (Bryan Singer – 2008).

La vita è bella

Nel 1997 Roberto Benigni dirigeva e interpretava La vita è bella, uno dei più belli e toccanti film mai realizzati sull’Olocausto.
Vincitore di tre premi Oscar, il film racconta la storia di Guido, internato in un lager insieme al figlioletto Giosuè che, per risparmiare al bambino l’orrore della realtà, inventa un gioco a premi, fatto di prove durissime, che mette in palio un carro armato.

Se vi è piaciuto:
Oltre a La vita è bella l’orrore dell’Olocausto è stato rappresentato in maniera indelebile anche da Schindler’s List (Steven Spielberg – 1993, con il suo ormai celeberrimo cappottino rosso), Il pianista (Roman Polanski – 2002), Il bambino con il pigiama a righe (Mark Herman – 2008), La scelta di Sophie (Alan J. Pakula – 1982).

Roma città aperta

Film sulla Seconda Guerra Mondiale girati durante la Seconda Guerra Mondiale: nel 1944 Roberto Rossellini gira Roma città aperta senza studi di posa, in location reali, utilizzando la luce naturale e scegliendo, accanto a grandi attori (Anna Magnani, Aldo Fabrizi), persone comuni per i suoi personaggi. È nato il Neorealismo.
Roma città aperta si ambienta nella società civile italiana dopo l’armistizio di Cassibile: gli Allenati procedono verso nord alla liberazione della penisola, i tedeschi sono in rotta ma ancora presenti, la Resistenza è attiva in un tutto lo stivale. Uno spaccato ancora più drammatico perché vero al 100%.

Se vi è piaciuto:
Per restare nell’ambito del Neorealismo, non si può che ricordare Paisà (Roberto Rossellini – 1946); parlando invece di film che esplorano la società civile alle prese con la guerra ricordiamo L’ora più buia (Joe Wright – 2017), Espiazione (Joe Wright – 2007, ma qui c’è anche il miglior piano sequenza mai girato sull’evacuazione di Danquerque), Una tomba per le lucciole (Isao Takahata – 1988), Una giornata particolare (Ettore Scola – 1977).

La Caduta – Gli ultimi giorni di Hitler

La fine della Seconda Guerra Mondiale è esplorata in una prospettiva inedita: dall’interno del bunker in cui Hitler si era rintanato nell’aprile del 1945, durante la battaglia di Berlino.
Bruno Ganz dà vita al dittatore in uno dei momenti cruciali della sua storia.

Se vi è piaciuto:
Prospettive diverse, che raccontano la Guerra in momenti e luoghi meno esplorati, si trovano in Pearl Harbor (Micheal Bay – 2001), Mediterraneo (Gabriele Salvatores – 1991), Casablanca (Micheal Curtiz – 1942), Hiroshima mon amour (Alain Resnais – 1959).

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Trasmessa negli States dalla NBC e diventata semplicemente un must per tutti gli appassionati del genere comedy, The Office è una serie del 2005 che, presentatasi come remake dell’omonima serie britannica creata da Ricky Gervais (ideatore e scrittore anche di questa nuova versione) e mandata in onda dal 2001 al 2003 su BBC.

Protagonista assoluto della sit-com è il pluripremiato Steve Carrell, alias il Manager Regionale Micheal Scott.
Responsabile della filiale della Dunder Mifflin, un’azienda distributrice di carta, nella città di Scranton, Micheal è un boss decisamente atipico; pronto a fare sfoggio del proprio personalissimo umorismo in ogni momento, il capo ufficio sembra voler impiegare ogni risorsa a sua disposizione per creare le situazioni più paradossali e grottescamente divertenti (per lo spettatore) che si possano creare all’interno di un ambiente di lavoro.

Oltre all’interprete principale, però, la serie conta anche altri volti noti del grande e del piccolo schermo.
Partendo da Rainn Wilson (famoso per le sue apparizioni in Super – Attento crimine!!!, Star Trek: Discovery e nel recente Io, Dio e Bin Laden), che qui interpreta lo strambo Dwight Schrute, spiccano anche John Krasinski (apparso recentemente nel particolarissimo A Quiet Place – Un posto tranquillo), B. J. Novak (Bastardi Senza Gloria, The Founder, Gli stagisti, Il dittatore) e, ultimo, ma non meno importante, il celeberrimo Ed Helms (Una notte da leoni, Prendimi!) e gli attori, famosi o meno che siano al grande pubblico, sono tutti protagonisti di brillanti interpretazioni e riescono a diventare letteralmente i personaggi di cui vestono i panni.

Attraverso un’impostazione che riprende i reality show, con i personaggi che si ritrovano spesso a parlare direttamente allo spettatore e guardando in camera, The Office conquista con la propria ironia e, per mezzo delle sue 9 stagioni, riesce ad instaurare un legame profondo con lo spettatore, che si affeziona agli strani impiegati della Dunder Mifflin e si ritrova a partecipare emotivamente agli avvenimenti che vengono messi in scena.

La sensazione di immersione è totale e spesso ci si ritrova a pensare di sapere esattamente cosa farà in una determinata circostanza un dato personaggio, che battuta verrà fatta da Michael o, ancora, quale sarà lo scherzo che Pam e Jim metteranno in atto ai danni del malcapitato Dwight. Tutto è studiato per dare la sensazione di essere una di quelle persone, che, anche se in un posto piccolo e dimenticato da tutti, si rimboccano le maniche ogni giorno e trascorrono le loro giornate insieme, come una famiglia, e la cosa funziona maledettamente bene.

Siete pronti ad immergervi nel fantastico mondo della vendita della carta?

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