The Amazing Digital Circus The Last Arc

Intro

Ho dedicato a The Amazing Digital Circus una recensione completamente senza spoiler. In quella sede avevo detto che, se ci fosse stata richiesta, sarei potuto tornare a scriverne e, visto che sono di parola, eccoci qua con un articolo pieno di considerazioni dopo aver rivisto il nono e ultimo episodio su YouTube! Qui non troverai la spiegazione punto su punto del finale, poiché in vari video, anche in italiano, c’è chi lo ha già fatto e pure egregiamente!

Nelle puntate precedenti

The Amazing Digital Circus è stato un fenomeno di tale portata che The Last Act è stato proiettato nei cinema dal 4 giugno, mentre dal 19 (tecnicamente dal 20 per noi italiani) è comodamente sul tubo! In sala è stato doppiamente un successo, soprattutto pensando al budget basso e al fatto che due settimane dopo il debutto è diventato disponibile gratuitamente!

Da adesso in poi spoiler su The Amazing Digital Circus

Se non hai finito di guardarla sappi che, da ora in poi, andrò a briglie sciolte visto che, come detto prima, già ho dedicato alla serie una recensione immacolata!

Il racconto che ha ispirato The Amazing Digital Circus

Questa serie è ispirata, molto liberamente, a Non ho bocca e devo urlare (titolo originale: I Have No Mouth, and I Must Scream), una storia breve postapocalittica fantascientifica horror scritta da Harlan Ellison e pubblicata nel 1967.
I punti di contatto sono per lo più nell’idea di una IA che tiene prigionieri degli umani sottoponendoli a prove e che la solitudine non porta a niente di buono. Io ci ho visto lo stesso messaggio ma al contrario: cioè ho inteso gli umani in I Have No Mouth, and I Must Scream come soli e quindi il finale è il più pessimistico e negativo possibile, mentre in The Amazing Digital Circus l’unione fa la forza.
Oltre al tono e alla differenza dei media utilizzati ho percepito i distinti periodi storici delle due opere. Nel racconto di Ellison il sadismo di AM è un monito sulla tecnologia. Invece la serie, visto che è contemporanea, ha la consapevolezza che l’IA non è né buona né cattiva, bensì una “macchina” amorale che interpreta, anche in modo imprevedibile, i comandi ricevuti.

Teorie

Gooseworx, l’autrice, ha strutturato la serie in modo da lasciare indizi e, cosa che ho particolarmente apprezzato, i primi sette episodi sono privi di spiegoni. Quindi i fan si sono buttati a pesce sulle teorie più disparate, io in primis. Alcune erano strampalate, mentre tante altre sensate e diverse si sono rivelate addirittura azzeccate!
Molti sostenevano che Scratch e Jax fossero la stessa persona! Anzi no: Scratch e Bubble! Se quest’ultima congettura era campata in aria, la prima aveva diverse frecce al suo arco.
Le speculazioni rivelatesi giuste sono diverse: Kinger effettivamente aveva figli e Ragatha viene da una famiglia agiata.
Ma quella principale è che in realtà i membri del circo digitale sono copie di persone reali, cioè sono scansioni cerebrali. Si tratta della grande rivelazione, o anche conferma, del finale, visto che in parte era stata già fatta intuire dall’ottavo episodio.

Messaggio

Da soli non si va da nessuna parte, solo uniti si ha qualche speranza di affrontare le avversità. Già durante tutta la serie si è posta enfasi sui rapporti umani, poi nel finale questo aspetto diventa centrale. Le astrazioni che vediamo sono conseguenza dell’isolarsi, come nel caso di Jax e Ribbit, o dell’ossessionarsi su una cosa fino a perdere il contatto con la realtà, infatti Kaufmo pensava solo a uscire.

Curiosità

Potrei fare un elenco di aneddoti infinito e quindi forse è meglio limitarsi a qualche chicchetta.
Caine si chiama così per Caino, giusto? Sì, ma invertendo le lettere otteniamo ENIAC, uno dei primi computer della storia e il primo “general purpose”!
Nel sesto episodio Jax e Pomni cantano “Daisy Bell” che sembra un motivetto innocuo. Invece si tratta della prima canzone cantata da un computer.
Gooseworx doppia sia la Luna che Bubble. Quest’ultimo per tutta la serie è stato una spina nel fianco di Caine. La cosa quasi commovente è che nell’ultimo episodio la Luna dice a Caine che gli vuole bene, quasi a voler chiudere il cerchio!
La copertina del videogioco di I Have No Mouth, and I Must Scream presenta un volto con occhi di due colori diversi proprio come Caine!
I prodotti ufficiali hanno mostrato per la prima volta la stanza di Kinger. In essa io ci vedo un salotto arredato con un divano su cui ci sono dei cuscini e infine una lampada.
Il numero 57 ricorre molto spesso durante la serie, tu l’avevi notato?
E queste erano solo le curiosità legate a TADC, quindi senza menzionare quelle su Glitch Productions.

Ecco la stanza di Kinger

Leak

Prima dell’arrivo del gran finale al cinema, su internet circolava già il riassunto dell’ultimo episodio. Fortunatamente non me lo sono beccato, sia perché sono stato attentissimo sia perché sapevo che YouTube buttava giù i contenuti spoilerosi e quindi sono stato alla larga da X e Reddit! Purtroppo, ormai la notizia è l’assenza di leak nei prodotti attesi.

Zero improvvisazione

È palese che Gooseworx abbia scritto tutta la serie prima che venisse animata o comunque sapeva benissimo dove volesse andare a parare perché tante cose seminate prima poi tornano perfettamente.
Faccio giusto un esempio: il trailer della serie mostra Caine che fa il numero della ruota della morte con Pomni nel ruolo di vittima/assistente. Infatti nell’ottavo episodio l’IA diventa crudele e si accanisce contro la malcapitata proprio in quel modo.

Pomni non mi sembra contentissima

Finale

In generale

Apprezzo che il finale sia rimasto lineare e non si sia impelagato in complotti in cui, stringi stringi, le corporazioni sono cattive. Non perché non vadano bene, anzi, a me nella finzione piacciono molto, ma avrebbe portato ad allontanarsi dal messaggio centrale. Palesemente l’obiettivo era mettere al centro le persone che rimangono tali anche se tecnicamente non lo sono!

Dettagli

Ho notato diverse cose interessanti nell’ultimo episodio che meritano un approfondimento!
Sinceramente al cinema mi ero accorto che questo episodio era il più lungo di tutta la serie, ma non mi aspettavo 58 minuti! Inoltre è, ad oggi, il record di durata per una produzione Glitch Productions.
La citazione a Looney Tunes non viene dal nulla. Infatti, fin da subito, era stato notato come Jax fosse il tipo di personaggio, tra gli altri, alla Bugs Bunny, come fece ad esempio 151eg nel suo video sul primo episodio!
Non appena Caine si libera dell’IA blu, non c’è più Bubble e quindi quest’ultimo era l’altra IA? Io l’ho vista così, sono curioso di sapere anche la tua al riguardo!
Quando Kinger e Pomni si prendono la mano dopo che lui le ha detto di aiutarsi a vicenda, lei lo fa con la mano rossa. Ha un significato in quanto il rosso significa restare come visto nel settimo episodio.
Rimanendo su questi due personaggi si potrebbe fare il parallelismo tra il fatto che Kinger ha due figlie nella vita vera e il suo rapporto con Pomni e Ragatha, che è di tipo paterno.

Cosa mi torna e cosa no

Non riesco a capire come Gangle si sia messa il visore. Le spiegazioni e ricostruzioni relative agli altri personaggi mi convincono, qui invece non ne ho trovate, dato che è stata investita e ha avuto una convalescenza lunga, cose per me incompatibili con l’indossare il dispositivo. Forse mi sono perso qualcosa, in questo caso fammelo notare!
Poi c’è sempre la questione che per far funzionare una periferica e un pc è necessaria la corrente, ma in questo caso è una cosa che abbuono a cuor leggero. Da un lato i fan hanno cercato di spiegarla (come l’utilizzo dei pannelli solari) e dall’altro non è semplicemente lo scopo di TADC, che si concentra sui personaggi.
Ha fatto discutere la differenza tra il comportamento di Caine tra l’ottavo e il nono episodio. Invece per me ha senso per quanto detto prima sia su Caine, sia sul messaggio della serie. Infine dico che per chi cerca un’opera pessimistica di alto valore c’è I Have No Mouth, and I Must Scream!

Concludendo

Un’ottima serie con un finale coerente e un messaggio che, se fatto da un altro artista, sarebbe diventato banale e invece ha perfettamente senso. Poi io lo dico: nel 2026, penso sia quasi rivoluzionaria un’opera che tratta di buoni sentimenti che dimostri fiducia nelle persone!
Spesso mi trovo a storcere il naso sui successi di prodotti per me non meritevoli a tal punto; invece in questo caso ne sono contento!

E tu che ne pensi? Vuoi chiacchierare della serie? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

The Amazing Digital Circus ora è disponibile interamente su Youtube e quindi ci voleva un’analisi con tutti gli aspetti che ritenevo interessanti.

L'articolo Analisi e opinioni SPOILER su The Amazing Digital Circus proviene da Nerdando.

The Amazing Digital Circus

Intro

Dopo aver recuperato la prima stagione di Frieren e seguito la seconda settimanalmente, mi sono dedicato a The Amazing Digital Circus, che mi incuriosiva molto. Non credevo mi avrebbe preso così tanto da vedere l’ultimo episodio al cinema!

Cos’è

The Amazing Digital Circus è una serie in computer grafica trasmessa gratuitamente su YouTube e, dal 2024, anche su Netflix. Ha debuttato a ottobre 2023 ed è arrivata fino all’ultima e nona puntata proiettata inizialmente nei cinema a inizio giugno e poi, dal 19 dello stesso mese, comodamente sul tubo! È ideata da Gooseworx, artista poliedrica, e prodotta da Glitch Productions, studio d’animazione indipendente australiano, precedentemente noto soprattutto per Murder Drones. TADC è ispirata a I Have No Mouth, and I Must Scream (in italiano: Non ho bocca, e devo urlare), una storia breve di fantascienza horror scritta da Harlan Ellison e pubblicata per la prima volta nel 1967. Il tono delle due opere è molto diverso!

Premessa

La recensione di The Amazing Digital Circus sarà completamente senza spoiler; se ci sarà richiesta, potrei tornare a scriverne in un articolo pieno zeppo di riflessioni, dettagli sulla trama e su quali teorie ci siano andate più vicine.

Recensione

Trama (senza spoiler)

Una ragazza si trova catapultata in questo mondo virtuale e, a completare il quadretto, non ricorda nemmeno il suo nome. Sarà Caine, l’intelligenza artificiale che governa questa realtà, ad affibbiarle casualmente (?) il nome di Pomni tramite una slot machine fatta di lettere.
Caine propina ai malcapitati membri di questo circo digitale delle avventure, visto che l’intrattenimento e il linguaggio consono sono le sue stelle polari. Di episodio in episodio, di dettaglio in dettaglio, si diraderà il mistero dietro questa dimensione fino alla rivelazione delle puntate finali.

Niente parolacce qui!

Struttura di The Amazing Digital Circus

La prima parte della serie è basata in primis sulle interazioni tra i personaggi e i loro caratteri, soprattutto in risposta alle avventure imposte da Caine.
Un’altra caratteristica di The Amazing Digital Circus è il suo essere piena di dettagli da notare e non detti che hanno portato i fan a teorizzare come se non ci fosse un domani. Infatti i “malati” come me stanno attenti a ogni fotogramma, poiché la serie gioca anche su questo in quanto non tratta lo spettatore come uno stupido, tutt’altro. Ti dico solo che al cinema ho sofferto il non poter mettere pausa!
Infine gli ultimi tre episodi sviluppano in modo più esplicito la trama, quasi come se si ricomponessero i pezzi di un puzzle “seminati” nei precedenti sei!

A chi si rivolge The Amazing Digital Circus

Allo scorso Comicon di Napoli ho visto diversi ragazzini con i cosplay e il merchandise di The Amazing Digital Circus, ciò mi ha portato a fare una riflessione che ovviamente ti stai per sorbire! Potrebbe sembrare una serie per giovanissimi, ma secondo me non lo è o comunque non è solo per loro. Non farti ingannare dall’estetica giocosa e dai personaggi colorati, dato che in realtà i messaggi e i temi sono molto profondi oltre a ribadire come TADC richieda un minimo di attenzione da parte degli spettatori.
La storia è avvincente, i protagonisti ben caratterizzati e tutta la serie suscita la curiosità di scoprire come va a finire. Secondo me questa doppia lettura, oltre ad essere la chiave del successo, è anche sinonimo di grande qualità nella scrittura.

Temi

Tutto deve essere intrattenente e senza parolacce! Dici che questa cosa l’hai già sentita? The Amazing Digital Circus va a parare proprio lì! L’IA che governa questo circo digitale è ossessionata dall’intrattenimento a tutti i costi.
Altro aspetto centrale risiede negli spazi liminali, infatti le citazioni a The Stanley Parable sono lampanti.
Poi come non citare i traumi, sia dei protagonisti sia quelli che ci procura la serie. In generale i rapporti umani e i sentimenti dei membri del circo sono centrali.

Ecco un’avventura pensata da Caine

Lingua

Gli episodi non hanno l’italiano né come doppiaggio né come sottotitoli. Se hai problemi con l’inglese ti rincuoro avvisandoti che su Youtube ci sono doppiaggi non ufficiali nella nostra lingua.

Tecnica e doppiaggio

Lo stile visivo mi piace molto oltre al fatto che lo trovo estremamente azzeccato al tema. Poi c’è da dire che, di puntata in puntata, c’è stato un miglioramento tecnico notevole.
Con riferimento al doppiaggio originale i voice actors hanno fatto un gran lavoro con delle prove di alto livello.

Concludendo

The Amazing Digital Circus mi ha fatto analizzare i fotogrammi e portato a teorizzare su cosa sarebbe successo. Detto da uno come me, che si stanca subito, vuol dire qualcosa!
Un prodotto che ha sfruttato il suo essere disponibile gratuitamente su YouTube per arrivare a un grande pubblico e anche vendere merchandise. Infatti, nel momento in cui scrivo, il pilota è arrivato a 439 milioni di visualizzazioni sulla piattaforma.
Però, al contempo, non è una “commercialata” visto che all’interno ha molti spunti e permette di fare tante riflessioni anche sulla contemporaneità senza cadere in banali cliché.
Non sto dicendo che la serie sia perfetta ma, come ripeto sempre, dobbiamo evitare di cadere nella trappola della polarizzazione internettiana in cui ogni cosa o è sterco fumante o è capolavoro della vita.

Ovviamente non è questa la sede per parlare del finale, tema scottante per un’opera del genere. Ti dico solo che l’ho trovato coerente con il resto della serie e col messaggio sotteso alle vicende dei protagonisti.

Qui trovi un altro articolo sull’argomento.

Vuoi un articolo con spoiler? Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

The Amazing Digital Circus è la serie animata disponibile gratuitamente su YouTube e liberamente ispirata a I Have No Mouth, and I Must Scream senza però essere così cupa.

L'articolo The Amazing Digital Circus – Una serie da urlo proviene da Nerdando.

Introduzione

La mia infanzia così come quella di altri redattori di Nerdando è stata segnata dai cartoni Disney ma anche dai traumi causati dai film realizzati dallo straordinario Don Bluth, che ha dato vita a capolavori come Anastasia e Fievel Sbarca in America ma anche a scene spaventosissime come il T-Rex ne Alla Ricerca della Valle Incantata e le sperimentazioni sui topi nel film Brisby e il segreto di NIMH.

Chris Darril e il team di Little Sewing Machine omaggiano l’animazione tradizionale e i grandi registi del passato, realizzando un piccolo gioiello tutto italiano: Bye Sweet Carole, un mix tra un gioco platform con elementi horror e un vero e proprio film d’animazione.

Recensione

Non appena ho visto il trailer di Bye Sweet Carole sono rimasta colpita dalla qualità dell’animazione e dal suo stile e volevo assolutamente giocarlo sebbene io sia una fifona di prima categoria. Ringrazio Maximum Entertainment che mi ha permesso di soddisfare la mia curiosità e, anche se ho perso qualche anno di vita per gli spaventi, ti spiego perché sono felice di essere uscita dalla mia comfort zone giocandolo.

Da fifona quale sono, qui ammetto di aver perso qualche anno di vita e urlato una serie di parolacce.

Storia

Bye Sweet Carole ci catapulta nell’Inghilterra dei primi del ‘900, un periodo segnato dalla rivoluzione industriale e dai primi movimenti femministi guidati dalle suffragette. In questa atmosfera di cambiamento ti troverai a vestire i panni di Lana Benton, una giovane ragazza ospite dell’orfanotrofio Bunny Hall, che decide di indagare sulla scomparsa della sua migliore amica Carole.

Le indagini di Lana si fanno sempre più interessanti e scopriamo la presenza di un misterioso ragazzo, soprannominato il “francese”, con cui Carole aveva una corrispondenza epistolare. Nel cercare di scoprire la verità, però, Lana si ritrova a dover sopravvivere in bilico tra due mondi, quello reale e quello di Corolla, un regno di cui lei è la principessa, ma che è minacciato dall’inquietante Mr. Kyn, noto anche come la pece che corrompe e distrugge tutto.

Sarà proprio Mr. Kyn la fonte principale dei nostri incubi, insieme al suo gufo e alle altre creature fatte di pece perciò, mentre cercherai di indagare sulla scomparsa di Carole, dovrai cercare di scappare da lui e soprattutto non cedere alla sua richiesta di consegnarli Corolla.

La narrazione è un punto di forza enorme di questo gioco, ti sembrerà, infatti, di guardare un film vero e proprio grazie alle splendide cut scenes. La trama non è affatto scontata e tiene attanagliati al controller, tant’è che sono passata dal giocarlo lentamente perché avevo bisogno di fare qualche pausa per riprendermi dall’adrenalina delle fughe, al non voler chiudere il gioco e divorare i capitoli uno dopo l’altro.

Gameplay

Bye Sweet Carole si presenta come un mix tra un gioco platform e un horror survival, capace di far sobbalzare dalla sedia grazie ad alcuni jump scare, senza però davvero terrorizzare come giochi propriamente horror come Silent Hill o Resident Evil.

Nei panni di Lana dovrai esplorare il Bunny Hall e risolvere enigmi, eventualmente combinando oggetti per riuscire ad andare avanti. La risoluzione degli enigmi risulta piuttosto intuitiva e difficilmente si rischia di rimanere bloccati in qualche area.

In Bye Sweet Carole conviene sempre guardarsi intorno perché potremmo trovare oggetti molto utili.

Lana acquisterà inoltre la capacità di trasformarsi in coniglio e questa sua dote le permetterà di raggiungere aree interdette e saltare più in alto. Personalmente ho apprezzato tantissimo questa meccanica così come la possibilità di usare Mr. Baesie, il fedele servitore di Corolla che verrà spesso in aiuto di Lana.

Sebbene abbia trovato alcune meccaniche molto interessanti, ho trovato il gioco un po’ ripetitivo, specialmente verso la fine e sono rimasta un po’ delusa dalle sezioni rhythm game e combat, le quali sembrano molto meno curate rispetto al resto e inserite solo ai fini della trama.

Grafica

L’altro grande punto di forza di questo gioco è senza ombra di dubbio la sua estetica e la perizia con cui sono state realizzate le animazioni, fotogramma dopo fotogramma e tutte a mano come in tecnica tradizionale. La cura dei movimenti non la troviamo solo nelle cut scenes ma anche nelle sezioni di gameplay in cui vediamo Lana trasformarsi in coniglio, nascondersi dai nemici e ahimè anche morire se non faremo attenzione.

Per poter apprezzare appieno la cura dei dettagli di questo gioco, ammetto di essermi trasformata in una sadica curiosa e ho fatto morire Lana in modi diversi solo per poter guardare le diverse animazioni della sua morte. Giuro che era solo per scopi di ricerca e nella realtà non torturerei mai una persona, ma devo confessare che quelle animazioni le ho trovate geniali e divertenti, e mi hanno ricordato un po’ le scene di Dragon’s Lair, il celebre videogioco anni ’80 realizzato in collaborazione con Don Bluth.

Lana che si destreggia nel pantano mi ha riportato all’ansia provata da bambina quando Biancaneve si ritrovava nella foresta impaurita.

L’estetica di Bye Sweet Carole a tratti ricorda molto quella disneyana delle principesse. La protagonista, infatti, mi ha ricordato un po’ sia Biancaneve che Alice, per via dell’aspetto ma anche del carattere dolce e curioso. Il mondo fiabesco con le sue forme morbide e i colori pastello è temporaneo e viene corrotto dalla pece che ingrigisce tutto e diventa un posto ostile da cui è difficile scappare.

Audio

Il senso di cupo e l’ansia non sono dati solo dai colori scuri, ma anche e soprattutto dalle musiche. Molta della tensione è data proprio dai suoni dell’ambiente apparentemente desolato e dagli improvvisi cambi della musica che riesce ad accrescere la paura e l’adrenalina. Anche qui, ritroviamo, come nei vecchi cartoni, i suoni terrificanti che accompagnavano le scene più spaventose in cui compariva il mostro di turno.

Altro aspetto importante di questo gioco è sicuramente il doppiaggio, che troviamo sia in inglese che in italiano. Nella versione italiana, inoltre, Lana è stata doppiata da Rossa Caputo, doppiatrice e dialoghista famosa per diversi ruoli, ma nell’ultimo periodo soprattutto per essere la voce di Charlie in Hazbin Hotel.

Screenshot di una delle cut scenes, per darvi una maggiore idea della qualità elevata delle animazioni di questo gioco che sembra uscire da una delle nostre videocassette dell’infanzia.

Il doppiaggio nel complesso risulta fatto bene e le voci azzeccate; ho riscontrato, tuttavia, qualche problema verso gli ultimi capitoli dove la registrazione della voce di qualche personaggio secondario risultava meno pulita e con i volumi non sempre coerenti con la scena, ma è risaputo che doppiare i videogiochi senza una scena da guardare o indicazioni precise risulta parecchio difficile e, nel complesso, trattandosi di un gioco indie, è stato fatto un lavoro incredibile.

In Conclusione

Bye Sweet Carole è un gioco che colpisce per la sua storia e per la sua altissima qualità, nonostante presenti qualche difetto e io sia una fifona mi è piaciuto molto giocarlo. Un titolo perfetto se ami l’animazione 2D e ti piace provare un po’ il brivido con giochi horror molto soft come ad esempio Little Nightmares o Limbo, che generano un’ansietta e un senso di inquietudine.
Questo gioco è l’ennesima dimostrazione che in Italia è possibile creare videogiochi di qualità e bisogna continuare a crederci sostenendo realtà come Little Sewing Machine.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Bye Sweet Carole è una perfetta favola horror che combina la magia delle principesse alla paura dei mostri che popolavano gli incubi dell’infanzia e lo fa con animazioni incredibili e una storia coinvolgente che segna un po’ il passaggio all’età adulta.

Trailer

L'articolo Bye Sweet Carole – L’horror italiano che risveglia i traumi dell’infanzia proviene da Nerdando.

Introduzione

BoJack Horseman è stato un grandissimo successo Netflix e nel corso delle sue sei stagioni ha appassionato il pubblico con il suo umorismo folle, che ancora oggi viene citato, e il dramma interiore dei suoi personaggi. Pertanto, ha lasciato un grosso vuoto quando si è conclusa.

Ad agosto è approdata su Netflix Long Story Short, una nuova serie animata per adulti realizzata dallo stesso autore di BoJack Horseman e speravo che avrebbe colmato quel vuoto. Volevo a tutti i costi un perfetto sostituto, ma solo smettendo di cercarlo sono riuscita ad apprezzare questa serie e a comprenderne la sua bellezza.

Recensione

Dopo aver visto lo sfarzo di Hollywoo (per chi si ricorda la D era caduta) e una popolazione composta da umani e animali antropomorfi, ci si aspetterebbe da Raphael Bob-Waksberg (il papà di BoJack), qualcosa di altrettanto fuori di testa e inusuale, ma non è così. Long Story Short si concentra sulla banalità della quotidianità familiare, nello specifico quella di una famiglia ebrea che vive negli Stati Uniti.

Può una semplice famiglia competere con un’ex star televisiva piena di problemi e dipendenze? No. Tuttavia, solo smettendo di restare ancorati al passato si può davvero apprezzare questa serie e appassionarsi alla storia della famiglia Schwooper.

Nel corso di 10 puntate da circa 20 minuti veniamo catapultati in momenti importanti nella vita dei diversi membri della famiglia, in particolare quelli che riguardano i tre figli: Avi, Shira e Yoshi.

I viaggi in auto sono spesso stressanti sia per i genitori che per i figli e la famiglia Schwooper non è da meno.

La narrazione

La narrazione non segue un ordine cronologico; vediamo i tre fratelli durante diverse fasi della loro vita e anche se non in modo lineare assistiamo alla loro crescita e a come affrontano le varie sfide dell’età adulta, il tutto incorniciato dalla cultura e religione ebraica.

Narrativamente parlando, Long Story Short non risulta sicuramente innovativa, dal momento che sono numerose le serie animate e le sit-com incentrate sulle famiglie, ma riesce comunque a distinguersi grazie al suo umorismo, per certi versi simile a quello di BoJack, e soprattutto alla caratterizzazione dei personaggi.

Nelle sit-com troviamo spesso dei ruoli fissi, per esempio le madri severe, i padri invece più permissivi e magari un figlio un po’ problematico. Anche in Long Story Short troviamo questi tropi narrativi, tuttavia quella che ci viene mostrata non è una semplice stereotipizzazione, bensì troviamo persone con cui è facile immedesimarsi ed empatizzare.

Nel primo episodio, incentrato sulla festa di Bar mitzvah di Yoshi, per esempio, lo spettatore si può immedesimare facilmente in Jen, la fidanzata di Avi, che fa la conoscenza della famiglia Schwooper in un momento piuttosto delicato e il disagio che prova sentendosi fuori posto e forse di troppo è sicuramente qualcosa che almeno una volta anche noi abbiamo provato.

Scena tratta dal primo episodio dove riusciamo a percepire tutto il disagio che sta provando Jen.

I temi trattati sono maturi ed è facile rispecchiarsi nella vita di questa famiglia. Dopotutto, tutti noi siamo figli e conosciamo bene la difficoltà di dialogare con i propri genitori ma, osservando le famiglie create dai tre fratelli, tra cui quella omogenitoriale di Shira e sua moglie Kendra, comprendiamo anche la difficoltà di essere genitori.

Sebbene la serie si concentri principalmente sulle gioie e i dolori di questa famiglia qualunque, attraverso la quotidianità riesce a raccontare anche l’attualità e come in BoJack Horseman non manca la satira che evidenzia le assurdità della società moderna.

L’animazione

Lo stile dei disegni è lo stesso di BoJack Horseman, quindi non rimarrete delusi dal character design dei vari personaggi che compaiono nella serie. Tuttavia, si percepisce un minore interesse nella cura dei dettagli nella realizzazione degli sfondi, come se si volesse concentrare l’attenzione dello spettatore solo sui componenti della famiglia e sugli eventi importanti.

Non ho trovato alcuna conferma a questa mia teoria, ma mi piace pensare che, trattandosi di ricordi del passato, sia normale che non siano perfettamente nitidi. In alternativa, è molto più probabile che tale scelta stilistica sia stata dettata dal budget o dai tempi stretti di consegna.

Anche se li vediamo crescere e diventare adulti, certe dinamiche tra fratelli non cambiano e la macchina rimane uno scenario perfetto per i litigi.

La serie si trova doppiata in italiano e l’adattamento non ne stravolge particolarmente l’umorismo (e soprattutto non trasforma una famiglia ebrea in italoamericana come nel caso della sit-com La Tata), quindi se non amate leggere i sottotitoli è consigliatissima anche con le voci italiane, che ho trovato abbastanza affini ai personaggi.

Conclusione

Long Story Short non si pone come sostituto di BoJack Horseman come inizialmente speravo, ma proprio come un figlio, nonostante la somiglianza di alcuni “tratti somatici”, prende la sua strada e si crea la sua identità come serie comedy.

Long Story Short è un’ottima serie animata capace di coinvolgere lo spettatore grazie alla naturalezza con cui racconta una semplice famiglia con cui pian piano si rivivono momenti importanti e lo si fa a volte ridendo e altre volte commuovendosi, finendo per sentirsi un po’ uno Schwooper.

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Long Story Short è una serie animata realizzata dallo stesso creatore di BoJack Horseman, ma sebbene ci siano alcune similitudini, riesce perfettamente a crearsi una sua identità divertendo e commuovendo il pubblico con le vicende di una normale famiglia ebrea.

L'articolo Long Story Short – La Storia di una famiglia qualunque proviene da Nerdando.

Recensione

Ve lo avevamo anticipato quale che tempo, con questo articolo a firma Clack, e una volta giunto sulla piattaforma Amazon Prime Video non mi sono fatto sfuggire l’occasione di immergermi in questa nuova (o forse vecchia?) incarnazione del celebre eroe difensore di Gotham.
Ecco le mie impressioni.

Trama

Batman: Caped Crusader è una visitazione in salsa anni ’40 del mitico Crociato Incappucciato, immaginato qui come ai primi tempi della sua missione contro il crimine e il suo altrettanto disperato tentativo di ripulire Gotham dalla corruzione.
In questa versione, che spinge tantissimo sulla componente narrativa ed investigativa, abbiamo una rivisitazione di alcuni dei comprimari più celebri del fumetto, tra cui gli immortali Jim e Barbara Gordon (afroamericani come nel recente The Batman), ma anche molti villain del calibro di Harley Quinn (asiatica), Catwoman e Cobbelpot, qui in una versione gender swap che raggiunge livelli di crudeltà inimmaginabili.

Stile

Batman: Caped Crusader colpisce immediatamente per lo stile grafico che evoca le sensazioni dei noir hard boiled. Ed è infatti a quel genere che si ispira la serie, mettendo l’accento sull’aspetto investigativo delle trame, ma anche regalando grandissimo spazio a tutti i personaggi secondari, che siano villain o comprimari.
Una combinazione estremamente funzionante, che consente di incentrarsi sulle trame riducendo al minimo l’area tecnologica a cui siamo stati abituati dalle produzioni più recenti.

Qui Batman fa uso di bat-rampino, batrang e poco più. Lo strumento principale, oltre alla capacità di lottare, è sicuramente il cervello ed è intrigante vedere la lenta e progressiva creazione della rete di alleanze che in futuro gli consentiranno di avere sempre più alleati sul territorio.
Ma siamo solo agli inizi, Batman è considerato un criminale e deve guardarsi dalla polizia ogni volta che scende sul campo per difendere Gotham.

Per quanto riguarda storie e personaggi, Batman: Caped Crusader fa riferimento alla Golden e Silver Age di DC Comics con alcune licenze. Alfred, ad esempio, ha l’iconografia classica della Golden Age ma, invece di usare il cognome classico (Beagle), usa quello a cui siamo abituati (Pennyworth), proveniente da Terra-Due e diventato poi canonico.
Analogamente, Due Facce usa il nome “moderno” Harvey Dent, invece di quello classico “Kent”.
Altra licenza, ovviamente, è quella della dottoressa Harleen Frances Quinzel, che, anche se ormai è considerata parte integrante dell’universo immaginario di Batman, in realtà è stata introdotta nel 1992 nella serie animata, e solo due anni più tardi nel fumetto Batman: Amore folle per raccontare le sue origini che, qui, risulteranno decisamente diverse.

Produzione

Batman: Caped Crusader ha avuto una produzione travagliata. In seguito all’ondata di cancellazioni operata da Warner Bros., che dal 2022 ha calato la mannaia su diversi prodotti legati a DC Comics, anche questa serie, che originariamente avrebbe dovuto venire distribuita da HBO, sembrava destinata all’oblio.
Fortunatamente, si è invece fatta avanti Amazon Prime Video e ora abbiamo una serie che è stata acclamata da pubblico e critica.

Notevole lo sforzo produttivo e realizzativo, che conta nomi del calibro di Bruce Timm e Abrams tra i produttori, Christina Ricci, Minnie Driver e Hamish Linklater tra gli artisti che hanno prestato la voce.

E voi l’avete vista o pensate di guardarla?

Vuoi chiacchierare e giocare con noi? Vienici a trovare sul nostro Server Discord e sul nostro Gruppo Telegram.

Nerdando in breve

Batman: Caped Crusader è la serie di animazione distribuita da Prime Video che rivisita il mito dell’uomo pipistrello in stile anni ’40.

L'articolo Batman: Caped Crusader – Un eroe anni ’40 proviene da Nerdando.

Adoro l’Irlanda, la sua cultura e la sua mitologia. Questo non è certo un segreto per chi mi conosca anche solo un pochino. Esplorando il catalogo di Apple TV, quindi, non potevo che soffermarmi su Wolfwalkers – Il popolo dei lupi, film animato del 2020 e rivelazione ai premi Oscar (anche se non vinse, battuto da Soul. Ma furono in molti, nel pubblico, ad affermare che avrebbero preferito la pellicola irlandese).

Diretto da Tomm Moore e Ross Stewart, Wolfwalkers – Il popolo dei lupi rappresenta la conclusione di un’ideale trilogia animata composta anche da The Secret of Kells (del 2009 – presente su Youtube, nel caso voleste vederlo) e da La canzone del mare (del 2014 e presente nel catalogo di Tim Vision).

Ambientato nell’Irlanda del 1650, Wolfwalkers prende l’avvio a Kilkenny, dove la giovane inglese Robyn fatica ad abituarsi ai rigidi dettami della nuova cittadina. Sgattaiolata nella foresta per seguire ad aiutare suo padre, cacciatore di lupi, Robyn fa la conoscenza di Mebh, una degli ultimi Wolfwalkers. Creduti a lungo una leggenda, i Wolfwalkers sono in grado di comandare i branchi di lupi e trasformarsi a loro volta in quegli animali quando si addormentano.
Morsa accidentalmente da Mebh, Robyn ne condivide il destino mentre la loro esistenza viene minacciata dal governatore della città, Lord Protector, che ha la ferma intenzione di distruggere la foresta e sterminare i lupi.

Mi sono innamorata perdutamente di Wolfwalkers – Il popolo dei lupi! Il film mi ha conquistata sia a livello visivo che di storia. L’animazione classica dà vita a disegni di incredibile bellezza e dallo stile unico, che fanno rivivere il cuore più selvaggio dell’Irlanda su schermo. La storia unisce alla perfezione tradizioni e folklore irlandese a personaggi di grande modernità, come la protagonista Robyn: insofferente ad un ruolo che la vuole sottomessa e costretta, insegue la libertà a qualunque costo.

Anche la colonna sonora, realizzata dall’artista francese Bruno Coulais e dal gruppo folk irlandese Kìla si amalgama alla perfezione allo stile generale di Wolfwalkers – Il popolo dei lupi e ho apprezzato moltissimo la canzone Running with the Wolves (che però è in realtà un riarrangiamento di un originale norvegese).

In definitiva, Wolfwalkers – Il popolo dei lupi è un film incredibile, poetico e visivamente pazzesco. Io vi consiglio fortemente di guardarlo. Se poi, come me, amate alla follia l’Irlanda, non potete assolutamente perdervelo!

L'articolo #NerdandoConsiglia: Wolfwalkers – Il popolo dei lupi proviene da Nerdando.

Forza, Bidoof! è un corto animato da guardare in due occasioni: quando siete tristi, per consolarvi, e quando non lo siete, per farvi compagnia. È una piccola perla, breve ma intensa, che è stata pubblicata l’11 gennaio 2022 da The Pokémon Company sul canale YouTube ufficiale Pokémon. Il video è senza dialoghi e quindi adatto anche a essere mostrato a chi non conosca l’italiano.

È una storia di amicizia, di forza e tenacia: quella di un piccolo mostriciattolo tascabile che ha un sogno e che si impegna tantissimo per realizzarlo.

Il potere del Baby Schema

Ho visto Forza, Bidoof! tre volte, forse quattro, e ciascuna di queste volte mi ha commossa. Come mai? Tolto il mio essere una persona eccessivamente empatica e sensibile quando ci sono di mezzo dei Bidoof, il corto in questione fa un grandissimo utilizzo del Baby schema. Nella prima metà dello scorso secolo, l’etologo Konrad Lorenz teorizzò il Kindchenschema (baby schema, per l’appunto), ossia quell’insieme di tratti estetici che inducono un essere vivente a prendersi cura di un cucciolo (della propria specie, ma non necessariamente).

Fateci caso: la maggior parte delle persone trova particolarmente carini i cuccioli di animale (gattini e cagnolini, ma anche piccoli di lontra, panda rosso o altre bestiole “pucciose”). Cosa accomuna tutte queste creaturine? La presenza di una testa grossa rispetto al corpo, di occhi grandi, bocca e naso piccini e, più in generale, di forme arrotondate. Tutti questi elementi sono ingentemente presenti in Forza, Bidoof!, e proprio del piccolo protagonista sono enfatizzati i lati più morbidi. Una codina paffuta, un corpicino tondeggiante, degli occhioni alla Rapunzel e delle zampine piccine picciò.

Non solo carineria

Tutta la carineria di cui è intriso il Bidoof è però accompagnata da una tenacia e da una determinazione pazzesche.

Qual è la trama del corto? Brevemente: un Bidoof particolarmente intraprendente ma pasticcione viene allontanato dal suo branco. Attaccato da uno Staraptor, viene difeso da un Lucario addestrato, e nel momento in cui il Lucario batte il cinque al suo umano, il Bidoof decide che anche lui, un giorno, riuscirà a battergli un high five di fierezza e complicità. Da lì inizia la vera sfida, in cui il piccolino, capace di imparare ogni mossa (proprio come nel videogioco), viene ricompensato con delle squisite baccarance, che per quanto succulente non riescono a soddisfarne il reale desiderio.

In che modo il Pokémon castoro riuscirà a conquistare il cuore del suo allenatore (o allenatrice, in realtà su questo punto il video è volutamente ambiguo), poggiando la tenera zampina sull’accogliente mano? Per scoprirlo e apprezzarne le intrepide gesta, non vi resta che investire poco più di otto minuti nel guardare Forza, Bidoof!, il corto su cui sto in fissa in questo periodo e che vi lascio qui di seguito.

L'articolo #NerdandoConsiglia: Forza, Bidoof! proviene da Nerdando.

Recensione

In occasione del Ravenna Nightmare Film Fest, che quest’anno propone parte del proprio programma anche per la visione online, ho avuto modo di assistere ad un’interessante contaminazione di culture, linguaggi e Storia. All’interno del programma Ottobre Giapponese sono stati infatti presentati in collaborazione con A.S.C.I.G. (Associazione per gli Scambi Culturali fra Italia e Giappone) otto cortometraggi d’animazione di registi asiatici dedicati a Dante Alighieri.

Progetto

Introdotto da Marco Del Bene con brevi videomessaggi degli autori e di Koji Yamamura, il progetto Dante e il cinema di animazione. A cura di Hiromi Yamada nasce in collaborazione con l’Università di Belle arti di Tokyo, Istituto superiore di studi musicali “Giuseppe Verdi”, Sapienza Università di Roma, Master in traduzione e A.S.C.I.G. (Associazione per gli Scambi Culturali fra Italia e Giappone).

I corti presentati, tutti diretti da giovani registi cinesi, giapponesi o coreani specializzati nel cinema d’animazione sono i seguenti:

– VITA NUOVA di Yewon Kim, 4’11 (Corea 2021)
– NELLA FORMA DEL QUINTO di Sijia Luo, 1’45 (Cina, 2021)
– MORE, MORE di Huang Wenrui, 1’56 (Cina 2021)
– CHECKER CHECKER (DANTE)di Naoaki Shibuta, 1’16 (Giappone 2021)
– IL NOSTRO DUE di Song Yungsung, 5’00 (Corea, 2021)
– DALL’ACQUA MERAVIGLIOSA di Caori Murata, 1’42 (Giappone, 2021)
– AMORE di Duanmu Junqing, 1’34 (Cina, 2021)
– SIETE VOI QUI, SER BRUNETTO? di Honami Yano , 4’09 (Giappone 2021)

Commento

Spesso dalla contaminazione di più generi nascono le cose più interessanti e anche se non tutti i filmati sono altrettanto coinvolgenti, è stimolante vedere come un tema tanto caro alla tradizione italiana possa essere analizzato da un diverso punto di vista e rappresentato con una creatività così lontana dalle nostre abitudini. Colori, dinamismo, effetti ipnotici rappresentano simbolicamente l’intensità dell’opera di Alighieri, stravolgendola senza snaturarla.

Nerdando in breve

Originali e brevissimi punti di vista sui canti della Divina Commedia, molto interessanti.

L'articolo [RNFF] Ottobre Giapponese – L’Oriente alla scoperta di Dante Alighieri proviene da Nerdando.

Recensione

È in pieno svolgimento il Japanese Film Festival, organizzato da Ravenna Nightmare e ASCIG – Ottobre Giapponese per raccontare uno spaccato della cinematografia nipponica.
L’edizione 2021 si sta svolgendo online, per forza di cose, e ci sta regalando visioni interessanti, sia per quanto riguarda i film che i cortometraggi animati.

E proprio della sezione dedicata all’animazione fa parte Moon of Sleepless Night, delicata avventura in stop motion dai toni fiabeschi e sognanti.

Trama

Un bambino vive insieme ai genitori in un bosco lontano dalla città. Una notte non riesce a dormire e il padre gli spiega che, quando succede di non riuscire a prendere sonno, è perché la luna è rimasta intrappolata nei rami degli alberi.
Non c’è da preoccuparsi però: gli scoiattoli della Luna, guardiani dell’astro celeste, sono sempre pronti a intervenire per liberarla e ristabilire la normalità delle cose.

L’indomani è proprio uno scoiattolo lunare a bussare alla porta della casina nel bosco: la Luna è rimasta nuovamente aggrovigliata tra i rami degli alberi e c’è bisogno proprio dell’aiuto del bambino per liberarla. I due, quindi, partono per un viaggio in cui avranno occasione di affrontare anche le loro paure.

Stile

Moon of a Sleepless Night è una fiaba classica davvero carina, poetica e delicata.
L’animazione in stop motion delle figurine in legno che danno vita ai personaggi è una gioia per gli occhi e regala al tutto un aspetto fiabesco e silvestre, come l’ambientazione nel bosco.

Una storia che, pur nella sua brevità, riesce a mettere in scena un mini viaggio di formazione attraverso il coraggio, l’altruismo e la bontà.

Molto interessanti i titoli di coda che mostrano il processo di lavorazione che ha permesso di dare vita alle figure che vediamo muoversi sullo schermo.

Nerdado in breve

Moon of a Sleepless Night: un mini viaggio di formazione in stop motion tenero e poetico che ci porta sulla Luna.

Nerdandometro: [usr 3.5]

L'articolo Japanese Film Festival – Moon of a sleepless night: in cerca della Luna proviene da Nerdando.

Recensione

Continua a pieno ritmo il Japanese Film Festival, rassegna cinematografica dedicata al Giappone e che è in corso online grazie a Ravenna Nightmare e ASCIG – Ottobre Giapponese.

Finora abbiamo assistito a pellicole interessanti, che hanno spaziato dalle novità ai classici intramontabili ma al JFF c’è ampio spazio anche per l’animazione. Tra i cortometraggi animati presenti, ad avermi colpito profondamente è stato senza dubbio Pigtails.

Scritto da Miho Maruo e diretto da Yoshimi Itazu, Pigtails è un film animato di appena 28 minuti che riesce a condensare al suo interno un messaggio profondo che fa riflettere, accompagnato da un tratto leggero e colori pastello.

Trama

Una casetta solitaria sulla spiaggia: una ragazza con le trecce, sua unica abitante, sta stendendo il bucato, come fa ogni giorno. Intorno a lei gli oggetti di uso quotidiano discutono e si interrogano sul senso delle cose.
Non sappiamo cosa sia successo né quanto tempo prima, ma è certo che un terribile disastro si sia abbattuto sull’umanità e che abbia cambiato profondamente la società e le sue regole.

Nonostante intorno ci siano solo tristezza e desolazione, la ragazza con le trecce continua la sua routine, cogliendo il buono nella situazione insolita che la circonda.
Tuttavia, le cose sembrano essere più tenebrose di quanto non sembri…

Stile

Pigtails mi ha conquistata. Ha saputo spiazzarmi e sedurmi, con il suo perfetto mix di delicatezza e spietatezza.
Quello che ci viene mostrato è un mondo di cui non sappiamo nulla, tranne il fatto che è un mondo crudele e quasi senza senso. Allo stesso tempo, il tratto e i colori, così eterei e quasi fiabeschi, un po’ come la protagonista a cui danno vita, stridono con la realtà che ci viene raccontata, risultando invece rilassanti e dolci.

Nessun essere umano parla mai durante i 28 minuti di Pigtails: a parlare sono solo gli oggetti. E d’altra parte, è un’umanità disumana quella che ci viene mostrata, in cui gli oggetti sembrano i soli ad aver conservato sentimenti di purezza, generosità e saggezza.

Qual è il nostro scopo nella vita? È vero che nel disegno del destino siamo tutti collegati e abbiamo tutti una ragione ultima al di fuori di noi stessi? Pigtails ci dà la sua risposta e lo fa con leggerezza e crudezza, due facce complementari di una sola variegata medaglia.
Una riuscita incursione nella più cupa fantascienza distopica affrontata con un inedito punto di vista zen.

Nerdando in breve

Pigtails è una profonda riflessione sulla vita che sa tenere in perfetto equilibrio tenerezza e crudezza, leggerezza ed egoismo.

Nerdandometro: [usr 4.5]

L'articolo Japanese Film Festival – Pigtails: animazione delicata e sorprendente proviene da Nerdando.