The Amazing Digital Circus

Intro

Dopo aver recuperato la prima stagione di Frieren e seguito la seconda settimanalmente, mi sono dedicato a The Amazing Digital Circus, che mi incuriosiva molto. Non credevo mi avrebbe preso così tanto da vedere l’ultimo episodio al cinema!

Cos’è

The Amazing Digital Circus è una serie in computer grafica trasmessa gratuitamente su YouTube e, dal 2024, anche su Netflix. Ha debuttato a ottobre 2023 ed è arrivata fino all’ultima e nona puntata proiettata inizialmente nei cinema a inizio giugno e poi, dal 19 dello stesso mese, comodamente sul tubo! È ideata da Gooseworx, artista poliedrica, e prodotta da Glitch Productions, studio d’animazione indipendente australiano, precedentemente noto soprattutto per Murder Drones. TADC è ispirata a I Have No Mouth, and I Must Scream (in italiano: Non ho bocca, e devo urlare), una storia breve di fantascienza horror scritta da Harlan Ellison e pubblicata per la prima volta nel 1967. Il tono delle due opere è molto diverso!

Premessa

La recensione di The Amazing Digital Circus sarà completamente senza spoiler; se ci sarà richiesta, potrei tornare a scriverne in un articolo pieno zeppo di riflessioni, dettagli sulla trama e su quali teorie ci siano andate più vicine.

Recensione

Trama (senza spoiler)

Una ragazza si trova catapultata in questo mondo virtuale e, a completare il quadretto, non ricorda nemmeno il suo nome. Sarà Caine, l’intelligenza artificiale che governa questa realtà, ad affibbiarle casualmente (?) il nome di Pomni tramite una slot machine fatta di lettere.
Caine propina ai malcapitati membri di questo circo digitale delle avventure, visto che l’intrattenimento e il linguaggio consono sono le sue stelle polari. Di episodio in episodio, di dettaglio in dettaglio, si diraderà il mistero dietro questa dimensione fino alla rivelazione delle puntate finali.

Niente parolacce qui!

Struttura di The Amazing Digital Circus

La prima parte della serie è basata in primis sulle interazioni tra i personaggi e i loro caratteri, soprattutto in risposta alle avventure imposte da Caine.
Un’altra caratteristica di The Amazing Digital Circus è il suo essere piena di dettagli da notare e non detti che hanno portato i fan a teorizzare come se non ci fosse un domani. Infatti i “malati” come me stanno attenti a ogni fotogramma, poiché la serie gioca anche su questo in quanto non tratta lo spettatore come uno stupido, tutt’altro. Ti dico solo che al cinema ho sofferto il non poter mettere pausa!
Infine gli ultimi tre episodi sviluppano in modo più esplicito la trama, quasi come se si ricomponessero i pezzi di un puzzle “seminati” nei precedenti sei!

A chi si rivolge The Amazing Digital Circus

Allo scorso Comicon di Napoli ho visto diversi ragazzini con i cosplay e il merchandise di The Amazing Digital Circus, ciò mi ha portato a fare una riflessione che ovviamente ti stai per sorbire! Potrebbe sembrare una serie per giovanissimi, ma secondo me non lo è o comunque non è solo per loro. Non farti ingannare dall’estetica giocosa e dai personaggi colorati, dato che in realtà i messaggi e i temi sono molto profondi oltre a ribadire come TADC richieda un minimo di attenzione da parte degli spettatori.
La storia è avvincente, i protagonisti ben caratterizzati e tutta la serie suscita la curiosità di scoprire come va a finire. Secondo me questa doppia lettura, oltre ad essere la chiave del successo, è anche sinonimo di grande qualità nella scrittura.

Temi

Tutto deve essere intrattenente e senza parolacce! Dici che questa cosa l’hai già sentita? The Amazing Digital Circus va a parare proprio lì! L’IA che governa questo circo digitale è ossessionata dall’intrattenimento a tutti i costi.
Altro aspetto centrale risiede negli spazi liminali, infatti le citazioni a The Stanley Parable sono lampanti.
Poi come non citare i traumi, sia dei protagonisti sia quelli che ci procura la serie. In generale i rapporti umani e i sentimenti dei membri del circo sono centrali.

Ecco un’avventura pensata da Caine

Lingua

Gli episodi non hanno l’italiano né come doppiaggio né come sottotitoli. Se hai problemi con l’inglese ti rincuoro avvisandoti che su Youtube ci sono doppiaggi non ufficiali nella nostra lingua.

Tecnica e doppiaggio

Lo stile visivo mi piace molto oltre al fatto che lo trovo estremamente azzeccato al tema. Poi c’è da dire che, di puntata in puntata, c’è stato un miglioramento tecnico notevole.
Con riferimento al doppiaggio originale i voice actors hanno fatto un gran lavoro con delle prove di alto livello.

Concludendo

The Amazing Digital Circus mi ha fatto analizzare i fotogrammi e portato a teorizzare su cosa sarebbe successo. Detto da uno come me, che si stanca subito, vuol dire qualcosa!
Un prodotto che ha sfruttato il suo essere disponibile gratuitamente su YouTube per arrivare a un grande pubblico e anche vendere merchandise. Infatti, nel momento in cui scrivo, il pilota è arrivato a 439 milioni di visualizzazioni sulla piattaforma.
Però, al contempo, non è una “commercialata” visto che all’interno ha molti spunti e permette di fare tante riflessioni anche sulla contemporaneità senza cadere in banali cliché.
Non sto dicendo che la serie sia perfetta ma, come ripeto sempre, dobbiamo evitare di cadere nella trappola della polarizzazione internettiana in cui ogni cosa o è sterco fumante o è capolavoro della vita.

Ovviamente non è questa la sede per parlare del finale, tema scottante per un’opera del genere. Ti dico solo che l’ho trovato coerente con il resto della serie e col messaggio sotteso alle vicende dei protagonisti.

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Nerdando in breve

The Amazing Digital Circus è la serie animata disponibile gratuitamente su YouTube e liberamente ispirata a I Have No Mouth, and I Must Scream senza però essere così cupa.

L'articolo The Amazing Digital Circus – Una serie da urlo proviene da Nerdando.

Introduzione

La mia infanzia così come quella di altri redattori di Nerdando è stata segnata dai cartoni Disney ma anche dai traumi causati dai film realizzati dallo straordinario Don Bluth, che ha dato vita a capolavori come Anastasia e Fievel Sbarca in America ma anche a scene spaventosissime come il T-Rex ne Alla Ricerca della Valle Incantata e le sperimentazioni sui topi nel film Brisby e il segreto di NIMH.

Chris Darril e il team di Little Sewing Machine omaggiano l’animazione tradizionale e i grandi registi del passato, realizzando un piccolo gioiello tutto italiano: Bye Sweet Carole, un mix tra un gioco platform con elementi horror e un vero e proprio film d’animazione.

Recensione

Non appena ho visto il trailer di Bye Sweet Carole sono rimasta colpita dalla qualità dell’animazione e dal suo stile e volevo assolutamente giocarlo sebbene io sia una fifona di prima categoria. Ringrazio Maximum Entertainment che mi ha permesso di soddisfare la mia curiosità e, anche se ho perso qualche anno di vita per gli spaventi, ti spiego perché sono felice di essere uscita dalla mia comfort zone giocandolo.

Da fifona quale sono, qui ammetto di aver perso qualche anno di vita e urlato una serie di parolacce.

Storia

Bye Sweet Carole ci catapulta nell’Inghilterra dei primi del ‘900, un periodo segnato dalla rivoluzione industriale e dai primi movimenti femministi guidati dalle suffragette. In questa atmosfera di cambiamento ti troverai a vestire i panni di Lana Benton, una giovane ragazza ospite dell’orfanotrofio Bunny Hall, che decide di indagare sulla scomparsa della sua migliore amica Carole.

Le indagini di Lana si fanno sempre più interessanti e scopriamo la presenza di un misterioso ragazzo, soprannominato il “francese”, con cui Carole aveva una corrispondenza epistolare. Nel cercare di scoprire la verità, però, Lana si ritrova a dover sopravvivere in bilico tra due mondi, quello reale e quello di Corolla, un regno di cui lei è la principessa, ma che è minacciato dall’inquietante Mr. Kyn, noto anche come la pece che corrompe e distrugge tutto.

Sarà proprio Mr. Kyn la fonte principale dei nostri incubi, insieme al suo gufo e alle altre creature fatte di pece perciò, mentre cercherai di indagare sulla scomparsa di Carole, dovrai cercare di scappare da lui e soprattutto non cedere alla sua richiesta di consegnarli Corolla.

La narrazione è un punto di forza enorme di questo gioco, ti sembrerà, infatti, di guardare un film vero e proprio grazie alle splendide cut scenes. La trama non è affatto scontata e tiene attanagliati al controller, tant’è che sono passata dal giocarlo lentamente perché avevo bisogno di fare qualche pausa per riprendermi dall’adrenalina delle fughe, al non voler chiudere il gioco e divorare i capitoli uno dopo l’altro.

Gameplay

Bye Sweet Carole si presenta come un mix tra un gioco platform e un horror survival, capace di far sobbalzare dalla sedia grazie ad alcuni jump scare, senza però davvero terrorizzare come giochi propriamente horror come Silent Hill o Resident Evil.

Nei panni di Lana dovrai esplorare il Bunny Hall e risolvere enigmi, eventualmente combinando oggetti per riuscire ad andare avanti. La risoluzione degli enigmi risulta piuttosto intuitiva e difficilmente si rischia di rimanere bloccati in qualche area.

In Bye Sweet Carole conviene sempre guardarsi intorno perché potremmo trovare oggetti molto utili.

Lana acquisterà inoltre la capacità di trasformarsi in coniglio e questa sua dote le permetterà di raggiungere aree interdette e saltare più in alto. Personalmente ho apprezzato tantissimo questa meccanica così come la possibilità di usare Mr. Baesie, il fedele servitore di Corolla che verrà spesso in aiuto di Lana.

Sebbene abbia trovato alcune meccaniche molto interessanti, ho trovato il gioco un po’ ripetitivo, specialmente verso la fine e sono rimasta un po’ delusa dalle sezioni rhythm game e combat, le quali sembrano molto meno curate rispetto al resto e inserite solo ai fini della trama.

Grafica

L’altro grande punto di forza di questo gioco è senza ombra di dubbio la sua estetica e la perizia con cui sono state realizzate le animazioni, fotogramma dopo fotogramma e tutte a mano come in tecnica tradizionale. La cura dei movimenti non la troviamo solo nelle cut scenes ma anche nelle sezioni di gameplay in cui vediamo Lana trasformarsi in coniglio, nascondersi dai nemici e ahimè anche morire se non faremo attenzione.

Per poter apprezzare appieno la cura dei dettagli di questo gioco, ammetto di essermi trasformata in una sadica curiosa e ho fatto morire Lana in modi diversi solo per poter guardare le diverse animazioni della sua morte. Giuro che era solo per scopi di ricerca e nella realtà non torturerei mai una persona, ma devo confessare che quelle animazioni le ho trovate geniali e divertenti, e mi hanno ricordato un po’ le scene di Dragon’s Lair, il celebre videogioco anni ’80 realizzato in collaborazione con Don Bluth.

Lana che si destreggia nel pantano mi ha riportato all’ansia provata da bambina quando Biancaneve si ritrovava nella foresta impaurita.

L’estetica di Bye Sweet Carole a tratti ricorda molto quella disneyana delle principesse. La protagonista, infatti, mi ha ricordato un po’ sia Biancaneve che Alice, per via dell’aspetto ma anche del carattere dolce e curioso. Il mondo fiabesco con le sue forme morbide e i colori pastello è temporaneo e viene corrotto dalla pece che ingrigisce tutto e diventa un posto ostile da cui è difficile scappare.

Audio

Il senso di cupo e l’ansia non sono dati solo dai colori scuri, ma anche e soprattutto dalle musiche. Molta della tensione è data proprio dai suoni dell’ambiente apparentemente desolato e dagli improvvisi cambi della musica che riesce ad accrescere la paura e l’adrenalina. Anche qui, ritroviamo, come nei vecchi cartoni, i suoni terrificanti che accompagnavano le scene più spaventose in cui compariva il mostro di turno.

Altro aspetto importante di questo gioco è sicuramente il doppiaggio, che troviamo sia in inglese che in italiano. Nella versione italiana, inoltre, Lana è stata doppiata da Rossa Caputo, doppiatrice e dialoghista famosa per diversi ruoli, ma nell’ultimo periodo soprattutto per essere la voce di Charlie in Hazbin Hotel.

Screenshot di una delle cut scenes, per darvi una maggiore idea della qualità elevata delle animazioni di questo gioco che sembra uscire da una delle nostre videocassette dell’infanzia.

Il doppiaggio nel complesso risulta fatto bene e le voci azzeccate; ho riscontrato, tuttavia, qualche problema verso gli ultimi capitoli dove la registrazione della voce di qualche personaggio secondario risultava meno pulita e con i volumi non sempre coerenti con la scena, ma è risaputo che doppiare i videogiochi senza una scena da guardare o indicazioni precise risulta parecchio difficile e, nel complesso, trattandosi di un gioco indie, è stato fatto un lavoro incredibile.

In Conclusione

Bye Sweet Carole è un gioco che colpisce per la sua storia e per la sua altissima qualità, nonostante presenti qualche difetto e io sia una fifona mi è piaciuto molto giocarlo. Un titolo perfetto se ami l’animazione 2D e ti piace provare un po’ il brivido con giochi horror molto soft come ad esempio Little Nightmares o Limbo, che generano un’ansietta e un senso di inquietudine.
Questo gioco è l’ennesima dimostrazione che in Italia è possibile creare videogiochi di qualità e bisogna continuare a crederci sostenendo realtà come Little Sewing Machine.

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Nerdando in breve

Bye Sweet Carole è una perfetta favola horror che combina la magia delle principesse alla paura dei mostri che popolavano gli incubi dell’infanzia e lo fa con animazioni incredibili e una storia coinvolgente che segna un po’ il passaggio all’età adulta.

Trailer

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Introduzione

BoJack Horseman è stato un grandissimo successo Netflix e nel corso delle sue sei stagioni ha appassionato il pubblico con il suo umorismo folle, che ancora oggi viene citato, e il dramma interiore dei suoi personaggi. Pertanto, ha lasciato un grosso vuoto quando si è conclusa.

Ad agosto è approdata su Netflix Long Story Short, una nuova serie animata per adulti realizzata dallo stesso autore di BoJack Horseman e speravo che avrebbe colmato quel vuoto. Volevo a tutti i costi un perfetto sostituto, ma solo smettendo di cercarlo sono riuscita ad apprezzare questa serie e a comprenderne la sua bellezza.

Recensione

Dopo aver visto lo sfarzo di Hollywoo (per chi si ricorda la D era caduta) e una popolazione composta da umani e animali antropomorfi, ci si aspetterebbe da Raphael Bob-Waksberg (il papà di BoJack), qualcosa di altrettanto fuori di testa e inusuale, ma non è così. Long Story Short si concentra sulla banalità della quotidianità familiare, nello specifico quella di una famiglia ebrea che vive negli Stati Uniti.

Può una semplice famiglia competere con un’ex star televisiva piena di problemi e dipendenze? No. Tuttavia, solo smettendo di restare ancorati al passato si può davvero apprezzare questa serie e appassionarsi alla storia della famiglia Schwooper.

Nel corso di 10 puntate da circa 20 minuti veniamo catapultati in momenti importanti nella vita dei diversi membri della famiglia, in particolare quelli che riguardano i tre figli: Avi, Shira e Yoshi.

I viaggi in auto sono spesso stressanti sia per i genitori che per i figli e la famiglia Schwooper non è da meno.

La narrazione

La narrazione non segue un ordine cronologico; vediamo i tre fratelli durante diverse fasi della loro vita e anche se non in modo lineare assistiamo alla loro crescita e a come affrontano le varie sfide dell’età adulta, il tutto incorniciato dalla cultura e religione ebraica.

Narrativamente parlando, Long Story Short non risulta sicuramente innovativa, dal momento che sono numerose le serie animate e le sit-com incentrate sulle famiglie, ma riesce comunque a distinguersi grazie al suo umorismo, per certi versi simile a quello di BoJack, e soprattutto alla caratterizzazione dei personaggi.

Nelle sit-com troviamo spesso dei ruoli fissi, per esempio le madri severe, i padri invece più permissivi e magari un figlio un po’ problematico. Anche in Long Story Short troviamo questi tropi narrativi, tuttavia quella che ci viene mostrata non è una semplice stereotipizzazione, bensì troviamo persone con cui è facile immedesimarsi ed empatizzare.

Nel primo episodio, incentrato sulla festa di Bar mitzvah di Yoshi, per esempio, lo spettatore si può immedesimare facilmente in Jen, la fidanzata di Avi, che fa la conoscenza della famiglia Schwooper in un momento piuttosto delicato e il disagio che prova sentendosi fuori posto e forse di troppo è sicuramente qualcosa che almeno una volta anche noi abbiamo provato.

Scena tratta dal primo episodio dove riusciamo a percepire tutto il disagio che sta provando Jen.

I temi trattati sono maturi ed è facile rispecchiarsi nella vita di questa famiglia. Dopotutto, tutti noi siamo figli e conosciamo bene la difficoltà di dialogare con i propri genitori ma, osservando le famiglie create dai tre fratelli, tra cui quella omogenitoriale di Shira e sua moglie Kendra, comprendiamo anche la difficoltà di essere genitori.

Sebbene la serie si concentri principalmente sulle gioie e i dolori di questa famiglia qualunque, attraverso la quotidianità riesce a raccontare anche l’attualità e come in BoJack Horseman non manca la satira che evidenzia le assurdità della società moderna.

L’animazione

Lo stile dei disegni è lo stesso di BoJack Horseman, quindi non rimarrete delusi dal character design dei vari personaggi che compaiono nella serie. Tuttavia, si percepisce un minore interesse nella cura dei dettagli nella realizzazione degli sfondi, come se si volesse concentrare l’attenzione dello spettatore solo sui componenti della famiglia e sugli eventi importanti.

Non ho trovato alcuna conferma a questa mia teoria, ma mi piace pensare che, trattandosi di ricordi del passato, sia normale che non siano perfettamente nitidi. In alternativa, è molto più probabile che tale scelta stilistica sia stata dettata dal budget o dai tempi stretti di consegna.

Anche se li vediamo crescere e diventare adulti, certe dinamiche tra fratelli non cambiano e la macchina rimane uno scenario perfetto per i litigi.

La serie si trova doppiata in italiano e l’adattamento non ne stravolge particolarmente l’umorismo (e soprattutto non trasforma una famiglia ebrea in italoamericana come nel caso della sit-com La Tata), quindi se non amate leggere i sottotitoli è consigliatissima anche con le voci italiane, che ho trovato abbastanza affini ai personaggi.

Conclusione

Long Story Short non si pone come sostituto di BoJack Horseman come inizialmente speravo, ma proprio come un figlio, nonostante la somiglianza di alcuni “tratti somatici”, prende la sua strada e si crea la sua identità come serie comedy.

Long Story Short è un’ottima serie animata capace di coinvolgere lo spettatore grazie alla naturalezza con cui racconta una semplice famiglia con cui pian piano si rivivono momenti importanti e lo si fa a volte ridendo e altre volte commuovendosi, finendo per sentirsi un po’ uno Schwooper.

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Nerdando in breve

Long Story Short è una serie animata realizzata dallo stesso creatore di BoJack Horseman, ma sebbene ci siano alcune similitudini, riesce perfettamente a crearsi una sua identità divertendo e commuovendo il pubblico con le vicende di una normale famiglia ebrea.

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Recensione

Ve lo avevamo anticipato quale che tempo, con questo articolo a firma Clack, e una volta giunto sulla piattaforma Amazon Prime Video non mi sono fatto sfuggire l’occasione di immergermi in questa nuova (o forse vecchia?) incarnazione del celebre eroe difensore di Gotham.
Ecco le mie impressioni.

Trama

Batman: Caped Crusader è una visitazione in salsa anni ’40 del mitico Crociato Incappucciato, immaginato qui come ai primi tempi della sua missione contro il crimine e il suo altrettanto disperato tentativo di ripulire Gotham dalla corruzione.
In questa versione, che spinge tantissimo sulla componente narrativa ed investigativa, abbiamo una rivisitazione di alcuni dei comprimari più celebri del fumetto, tra cui gli immortali Jim e Barbara Gordon (afroamericani come nel recente The Batman), ma anche molti villain del calibro di Harley Quinn (asiatica), Catwoman e Cobbelpot, qui in una versione gender swap che raggiunge livelli di crudeltà inimmaginabili.

Stile

Batman: Caped Crusader colpisce immediatamente per lo stile grafico che evoca le sensazioni dei noir hard boiled. Ed è infatti a quel genere che si ispira la serie, mettendo l’accento sull’aspetto investigativo delle trame, ma anche regalando grandissimo spazio a tutti i personaggi secondari, che siano villain o comprimari.
Una combinazione estremamente funzionante, che consente di incentrarsi sulle trame riducendo al minimo l’area tecnologica a cui siamo stati abituati dalle produzioni più recenti.

Qui Batman fa uso di bat-rampino, batrang e poco più. Lo strumento principale, oltre alla capacità di lottare, è sicuramente il cervello ed è intrigante vedere la lenta e progressiva creazione della rete di alleanze che in futuro gli consentiranno di avere sempre più alleati sul territorio.
Ma siamo solo agli inizi, Batman è considerato un criminale e deve guardarsi dalla polizia ogni volta che scende sul campo per difendere Gotham.

Per quanto riguarda storie e personaggi, Batman: Caped Crusader fa riferimento alla Golden e Silver Age di DC Comics con alcune licenze. Alfred, ad esempio, ha l’iconografia classica della Golden Age ma, invece di usare il cognome classico (Beagle), usa quello a cui siamo abituati (Pennyworth), proveniente da Terra-Due e diventato poi canonico.
Analogamente, Due Facce usa il nome “moderno” Harvey Dent, invece di quello classico “Kent”.
Altra licenza, ovviamente, è quella della dottoressa Harleen Frances Quinzel, che, anche se ormai è considerata parte integrante dell’universo immaginario di Batman, in realtà è stata introdotta nel 1992 nella serie animata, e solo due anni più tardi nel fumetto Batman: Amore folle per raccontare le sue origini che, qui, risulteranno decisamente diverse.

Produzione

Batman: Caped Crusader ha avuto una produzione travagliata. In seguito all’ondata di cancellazioni operata da Warner Bros., che dal 2022 ha calato la mannaia su diversi prodotti legati a DC Comics, anche questa serie, che originariamente avrebbe dovuto venire distribuita da HBO, sembrava destinata all’oblio.
Fortunatamente, si è invece fatta avanti Amazon Prime Video e ora abbiamo una serie che è stata acclamata da pubblico e critica.

Notevole lo sforzo produttivo e realizzativo, che conta nomi del calibro di Bruce Timm e Abrams tra i produttori, Christina Ricci, Minnie Driver e Hamish Linklater tra gli artisti che hanno prestato la voce.

E voi l’avete vista o pensate di guardarla?

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Nerdando in breve

Batman: Caped Crusader è la serie di animazione distribuita da Prime Video che rivisita il mito dell’uomo pipistrello in stile anni ’40.

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Adoro l’Irlanda, la sua cultura e la sua mitologia. Questo non è certo un segreto per chi mi conosca anche solo un pochino. Esplorando il catalogo di Apple TV, quindi, non potevo che soffermarmi su Wolfwalkers – Il popolo dei lupi, film animato del 2020 e rivelazione ai premi Oscar (anche se non vinse, battuto da Soul. Ma furono in molti, nel pubblico, ad affermare che avrebbero preferito la pellicola irlandese).

Diretto da Tomm Moore e Ross Stewart, Wolfwalkers – Il popolo dei lupi rappresenta la conclusione di un’ideale trilogia animata composta anche da The Secret of Kells (del 2009 – presente su Youtube, nel caso voleste vederlo) e da La canzone del mare (del 2014 e presente nel catalogo di Tim Vision).

Ambientato nell’Irlanda del 1650, Wolfwalkers prende l’avvio a Kilkenny, dove la giovane inglese Robyn fatica ad abituarsi ai rigidi dettami della nuova cittadina. Sgattaiolata nella foresta per seguire ad aiutare suo padre, cacciatore di lupi, Robyn fa la conoscenza di Mebh, una degli ultimi Wolfwalkers. Creduti a lungo una leggenda, i Wolfwalkers sono in grado di comandare i branchi di lupi e trasformarsi a loro volta in quegli animali quando si addormentano.
Morsa accidentalmente da Mebh, Robyn ne condivide il destino mentre la loro esistenza viene minacciata dal governatore della città, Lord Protector, che ha la ferma intenzione di distruggere la foresta e sterminare i lupi.

Mi sono innamorata perdutamente di Wolfwalkers – Il popolo dei lupi! Il film mi ha conquistata sia a livello visivo che di storia. L’animazione classica dà vita a disegni di incredibile bellezza e dallo stile unico, che fanno rivivere il cuore più selvaggio dell’Irlanda su schermo. La storia unisce alla perfezione tradizioni e folklore irlandese a personaggi di grande modernità, come la protagonista Robyn: insofferente ad un ruolo che la vuole sottomessa e costretta, insegue la libertà a qualunque costo.

Anche la colonna sonora, realizzata dall’artista francese Bruno Coulais e dal gruppo folk irlandese Kìla si amalgama alla perfezione allo stile generale di Wolfwalkers – Il popolo dei lupi e ho apprezzato moltissimo la canzone Running with the Wolves (che però è in realtà un riarrangiamento di un originale norvegese).

In definitiva, Wolfwalkers – Il popolo dei lupi è un film incredibile, poetico e visivamente pazzesco. Io vi consiglio fortemente di guardarlo. Se poi, come me, amate alla follia l’Irlanda, non potete assolutamente perdervelo!

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Forza, Bidoof! è un corto animato da guardare in due occasioni: quando siete tristi, per consolarvi, e quando non lo siete, per farvi compagnia. È una piccola perla, breve ma intensa, che è stata pubblicata l’11 gennaio 2022 da The Pokémon Company sul canale YouTube ufficiale Pokémon. Il video è senza dialoghi e quindi adatto anche a essere mostrato a chi non conosca l’italiano.

È una storia di amicizia, di forza e tenacia: quella di un piccolo mostriciattolo tascabile che ha un sogno e che si impegna tantissimo per realizzarlo.

Il potere del Baby Schema

Ho visto Forza, Bidoof! tre volte, forse quattro, e ciascuna di queste volte mi ha commossa. Come mai? Tolto il mio essere una persona eccessivamente empatica e sensibile quando ci sono di mezzo dei Bidoof, il corto in questione fa un grandissimo utilizzo del Baby schema. Nella prima metà dello scorso secolo, l’etologo Konrad Lorenz teorizzò il Kindchenschema (baby schema, per l’appunto), ossia quell’insieme di tratti estetici che inducono un essere vivente a prendersi cura di un cucciolo (della propria specie, ma non necessariamente).

Fateci caso: la maggior parte delle persone trova particolarmente carini i cuccioli di animale (gattini e cagnolini, ma anche piccoli di lontra, panda rosso o altre bestiole “pucciose”). Cosa accomuna tutte queste creaturine? La presenza di una testa grossa rispetto al corpo, di occhi grandi, bocca e naso piccini e, più in generale, di forme arrotondate. Tutti questi elementi sono ingentemente presenti in Forza, Bidoof!, e proprio del piccolo protagonista sono enfatizzati i lati più morbidi. Una codina paffuta, un corpicino tondeggiante, degli occhioni alla Rapunzel e delle zampine piccine picciò.

Non solo carineria

Tutta la carineria di cui è intriso il Bidoof è però accompagnata da una tenacia e da una determinazione pazzesche.

Qual è la trama del corto? Brevemente: un Bidoof particolarmente intraprendente ma pasticcione viene allontanato dal suo branco. Attaccato da uno Staraptor, viene difeso da un Lucario addestrato, e nel momento in cui il Lucario batte il cinque al suo umano, il Bidoof decide che anche lui, un giorno, riuscirà a battergli un high five di fierezza e complicità. Da lì inizia la vera sfida, in cui il piccolino, capace di imparare ogni mossa (proprio come nel videogioco), viene ricompensato con delle squisite baccarance, che per quanto succulente non riescono a soddisfarne il reale desiderio.

In che modo il Pokémon castoro riuscirà a conquistare il cuore del suo allenatore (o allenatrice, in realtà su questo punto il video è volutamente ambiguo), poggiando la tenera zampina sull’accogliente mano? Per scoprirlo e apprezzarne le intrepide gesta, non vi resta che investire poco più di otto minuti nel guardare Forza, Bidoof!, il corto su cui sto in fissa in questo periodo e che vi lascio qui di seguito.

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Recensione

In occasione del Ravenna Nightmare Film Fest, che quest’anno propone parte del proprio programma anche per la visione online, ho avuto modo di assistere ad un’interessante contaminazione di culture, linguaggi e Storia. All’interno del programma Ottobre Giapponese sono stati infatti presentati in collaborazione con A.S.C.I.G. (Associazione per gli Scambi Culturali fra Italia e Giappone) otto cortometraggi d’animazione di registi asiatici dedicati a Dante Alighieri.

Progetto

Introdotto da Marco Del Bene con brevi videomessaggi degli autori e di Koji Yamamura, il progetto Dante e il cinema di animazione. A cura di Hiromi Yamada nasce in collaborazione con l’Università di Belle arti di Tokyo, Istituto superiore di studi musicali “Giuseppe Verdi”, Sapienza Università di Roma, Master in traduzione e A.S.C.I.G. (Associazione per gli Scambi Culturali fra Italia e Giappone).

I corti presentati, tutti diretti da giovani registi cinesi, giapponesi o coreani specializzati nel cinema d’animazione sono i seguenti:

– VITA NUOVA di Yewon Kim, 4’11 (Corea 2021)
– NELLA FORMA DEL QUINTO di Sijia Luo, 1’45 (Cina, 2021)
– MORE, MORE di Huang Wenrui, 1’56 (Cina 2021)
– CHECKER CHECKER (DANTE)di Naoaki Shibuta, 1’16 (Giappone 2021)
– IL NOSTRO DUE di Song Yungsung, 5’00 (Corea, 2021)
– DALL’ACQUA MERAVIGLIOSA di Caori Murata, 1’42 (Giappone, 2021)
– AMORE di Duanmu Junqing, 1’34 (Cina, 2021)
– SIETE VOI QUI, SER BRUNETTO? di Honami Yano , 4’09 (Giappone 2021)

Commento

Spesso dalla contaminazione di più generi nascono le cose più interessanti e anche se non tutti i filmati sono altrettanto coinvolgenti, è stimolante vedere come un tema tanto caro alla tradizione italiana possa essere analizzato da un diverso punto di vista e rappresentato con una creatività così lontana dalle nostre abitudini. Colori, dinamismo, effetti ipnotici rappresentano simbolicamente l’intensità dell’opera di Alighieri, stravolgendola senza snaturarla.

Nerdando in breve

Originali e brevissimi punti di vista sui canti della Divina Commedia, molto interessanti.

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Recensione

È in pieno svolgimento il Japanese Film Festival, organizzato da Ravenna Nightmare e ASCIG – Ottobre Giapponese per raccontare uno spaccato della cinematografia nipponica.
L’edizione 2021 si sta svolgendo online, per forza di cose, e ci sta regalando visioni interessanti, sia per quanto riguarda i film che i cortometraggi animati.

E proprio della sezione dedicata all’animazione fa parte Moon of Sleepless Night, delicata avventura in stop motion dai toni fiabeschi e sognanti.

Trama

Un bambino vive insieme ai genitori in un bosco lontano dalla città. Una notte non riesce a dormire e il padre gli spiega che, quando succede di non riuscire a prendere sonno, è perché la luna è rimasta intrappolata nei rami degli alberi.
Non c’è da preoccuparsi però: gli scoiattoli della Luna, guardiani dell’astro celeste, sono sempre pronti a intervenire per liberarla e ristabilire la normalità delle cose.

L’indomani è proprio uno scoiattolo lunare a bussare alla porta della casina nel bosco: la Luna è rimasta nuovamente aggrovigliata tra i rami degli alberi e c’è bisogno proprio dell’aiuto del bambino per liberarla. I due, quindi, partono per un viaggio in cui avranno occasione di affrontare anche le loro paure.

Stile

Moon of a Sleepless Night è una fiaba classica davvero carina, poetica e delicata.
L’animazione in stop motion delle figurine in legno che danno vita ai personaggi è una gioia per gli occhi e regala al tutto un aspetto fiabesco e silvestre, come l’ambientazione nel bosco.

Una storia che, pur nella sua brevità, riesce a mettere in scena un mini viaggio di formazione attraverso il coraggio, l’altruismo e la bontà.

Molto interessanti i titoli di coda che mostrano il processo di lavorazione che ha permesso di dare vita alle figure che vediamo muoversi sullo schermo.

Nerdado in breve

Moon of a Sleepless Night: un mini viaggio di formazione in stop motion tenero e poetico che ci porta sulla Luna.

Nerdandometro: [usr 3.5]

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Recensione

Continua a pieno ritmo il Japanese Film Festival, rassegna cinematografica dedicata al Giappone e che è in corso online grazie a Ravenna Nightmare e ASCIG – Ottobre Giapponese.

Finora abbiamo assistito a pellicole interessanti, che hanno spaziato dalle novità ai classici intramontabili ma al JFF c’è ampio spazio anche per l’animazione. Tra i cortometraggi animati presenti, ad avermi colpito profondamente è stato senza dubbio Pigtails.

Scritto da Miho Maruo e diretto da Yoshimi Itazu, Pigtails è un film animato di appena 28 minuti che riesce a condensare al suo interno un messaggio profondo che fa riflettere, accompagnato da un tratto leggero e colori pastello.

Trama

Una casetta solitaria sulla spiaggia: una ragazza con le trecce, sua unica abitante, sta stendendo il bucato, come fa ogni giorno. Intorno a lei gli oggetti di uso quotidiano discutono e si interrogano sul senso delle cose.
Non sappiamo cosa sia successo né quanto tempo prima, ma è certo che un terribile disastro si sia abbattuto sull’umanità e che abbia cambiato profondamente la società e le sue regole.

Nonostante intorno ci siano solo tristezza e desolazione, la ragazza con le trecce continua la sua routine, cogliendo il buono nella situazione insolita che la circonda.
Tuttavia, le cose sembrano essere più tenebrose di quanto non sembri…

Stile

Pigtails mi ha conquistata. Ha saputo spiazzarmi e sedurmi, con il suo perfetto mix di delicatezza e spietatezza.
Quello che ci viene mostrato è un mondo di cui non sappiamo nulla, tranne il fatto che è un mondo crudele e quasi senza senso. Allo stesso tempo, il tratto e i colori, così eterei e quasi fiabeschi, un po’ come la protagonista a cui danno vita, stridono con la realtà che ci viene raccontata, risultando invece rilassanti e dolci.

Nessun essere umano parla mai durante i 28 minuti di Pigtails: a parlare sono solo gli oggetti. E d’altra parte, è un’umanità disumana quella che ci viene mostrata, in cui gli oggetti sembrano i soli ad aver conservato sentimenti di purezza, generosità e saggezza.

Qual è il nostro scopo nella vita? È vero che nel disegno del destino siamo tutti collegati e abbiamo tutti una ragione ultima al di fuori di noi stessi? Pigtails ci dà la sua risposta e lo fa con leggerezza e crudezza, due facce complementari di una sola variegata medaglia.
Una riuscita incursione nella più cupa fantascienza distopica affrontata con un inedito punto di vista zen.

Nerdando in breve

Pigtails è una profonda riflessione sulla vita che sa tenere in perfetto equilibrio tenerezza e crudezza, leggerezza ed egoismo.

Nerdandometro: [usr 4.5]

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Tra panettoni, brindisi virtuali e “la 100 euro della nonna” che arriva via bonifico, siamo arrivati alla fine di questo 2020 così travagliato. La redazione più natalizia d’Italia è pronta ad accompagnarvi al gran finale con il #NerdandoConsiglia di Dicembre 2020! Con cosa avremo nerdato sotto l’albero? Continuate a leggerlo per scoprirlo!

Midnight Diner: Tokyo Stories

Gattiveria: In attesa della fine dell’anno più indimenticabile di sempre ho scelto di coccolarmi con qualche piccola storia di vita e di cibo giapponese con la serie Netflix Midnight Diner: Tokyo Stories che consiglio vivamente per una serata sotto le coperte con una buona tisana. 

Un interessante viaggio nella cultura nipponica, fatto attraverso storie di vita completamente diverse dalle nostre. Ognuna di queste è associata ad un piatto preparato dal saggio ristoratore che tiene aperta la sua minuscola attività ed ascolta pazientemente. 

La particolarità del suo servizio è data, oltre che dall’ottima cucina, dall’ambiente ristretto e familiare, in cui perfetti sconosciuti si aprono raccontando i propri segreti e trovano spesso conforto e consigli. Davvero delizioso!

(Nota di Giando: io ADORO questa serie, la consiglio a chiunque ami un minimo il Giappone, personalmente mi mette su una nostalgia canaglia!)

Dark

Jedi.lord: Finalmente anche io, come al solito dopo che tutti l’hanno già guardata, mi sono tuffato in questa serissima serie TV tedesca, Dark, consigliatami un po’ da chiunque conosca i miei gusti (anche da me, ndGiando).

Mi ha catturato, neanche a dirlo, praticamente subito, grazie alla trama avvincente e non lineare, ben gestita nonostante sia semplicissimo sbagliare con un tema del genere. Ho apprezzato il groviglio di relazioni tra i personaggi, la fotografia desaturata che rende l’atmosfera plumbea ed oppressiva, in perfetta linea con il fatto che in Dark non si ride, neanche un po’; molti affermano che la serie sia lenta, ma non lo trovo un difetto, dato ciò che vuole raccontare questo show, anzi. Un ritmo inutilmente serrato avrebbe rischiato di snaturarlo eccessivamente.

Lo scoglio grande l’ho però incontrato nella terza stagione, che tutti osannano come migliore, ma che sto trovando un pelo troppo arzigogolata persino per Dark stesso: capisco che si sia voluto innalzare l’asticella della complessità, ma nelle prime tre puntate dell’ultima stagione mi sono chiesto dove si volesse andare a parare, percependo un senso di eccessiva diluizione (e di confusione per capire il dove/come/quando, ma soprattutto perché).

Ecco, nelle ultime puntate è andata meglio, qualcosa è stata spiegata, sono arrivato al fatto che mi manca soltanto l’ultima puntata e spero che tutto torni e che il finale sia degno.

Ti prego Dark, non deludermi.

A Plague Tale: Innocence

Jedi.lord: Questo gioco l’ho seguito sin dall’uscita, ma doveva sottostare al fatto che al day one non prendo più (quasi) nulla, che poi con gli enormi backlog che tutti abbiamo, figurati se potevo dargli la precedenza.

E poi accade che un amico, che mi conosce chiaramente stra-bene, mi regala A Plague Tale: Innocence per Natale e nulla, la curiosità è troppa e lo installo, facendolo balzare in cima alla lista di tutti i titoli che provo e non porto a compimento.

Come faccio a farvi capire il colpo di fulmine che ho avuto per l’avventura di Amicia e Hugo de Rune, in fuga dalla guerra e dalla peste, tanto da dargli assoluta priorità e dal non riuscire a staccarmene?

Questo è esattamente uno dei tipi di videogioco che mi fa impazzire: forte enfasi sulla narrativa, atmosfera incredibile, ricostruzione storica ben fatta (al netto delle leggere concessioni al soprannaturale, sia chiaro), gameplay semplice quel tanto che basta per sfidare senza impazzire, che ti permette di godere della trama avvincente, come se stessi guardando una gran bella serie TV e dicessi “dai, un altro episodio me lo guardo”.

La Francia del 1348 ricostruita da Asobo mi ha rapito del tutto, mi sto gustando l’avventura con il doppiaggio francese (con la scusa che un ripasso non fa mai male) e sto rispolverando la mia attitudine da fotografo nel mondo virtuale, dato che in quello reale è un po’ più complicato, al momento attuale.

Persino il mio PC, che oramai si sta facendo vecchietto, deve essere felice di farlo girare, dato che tiene botta e mi concede splendidi paesaggi a livello “alto”.

Non posso far altro che straconsigliarvi questa magnifica avventura, che spero possa rapirvi, scioccarvi ed intenerirvi come ha fatto con il sottoscritto. (Stefano, finisci Final Fantasy 7 Remake, please, ndGiando)

Pippo Reporter

Jedi.lord: Ecco, finalmente sono riuscito, dopo tempo, a terminare Pippo Reporter, pubblicata originariamente sul Topo e poi raccolta in una collezione di 4 volumetti con tutte le storie. Ideata, scritta e disegnata dal mio adorato duo Teresa Radice e Stefano Turconi, la serie è ambientata negli anni ’30 e il protagonista è un favoloso Pippo, reporter di inconsapevole successo.

I pregi della serie sono moltissimi, a partire dal cast dei personaggi di Topolinia, rivisitati in modo molto riuscito (in primis Minni, che qui è adorabile), che beneficiano dell’assenza del Topo più famoso del mondo, qui relegato sullo sfondo; come al solito, la ricerca che c’è dietro la scrittura e le illustrazioni è palese e nulla è lasciato al caso, a partire dalla miriade di citazioni, sempre azzeccate ed intelligenti, donandoci storie una più bella dell’altra, in un crescendo fino al bellissimo finale.

Se tutta la serie merita la lettura, è però una storia in particolare che mi ha colpito più di tutte: sto parlando di Estate a Green Pond, la penultima in ordine cronologico e senza dubbio una delle storie Disney più belle degli ultimi 10 anni: il groppo in gola è salito, vi saluta e vi consiglia anche lui di leggere Pippo Reporter!

Se succede qualcosa, vi voglio bene

Clack: è uscito un po’ in sordina, vuoi per il periodo dell’anno, vuoi perché in Italia i cortometraggi sono poco seguiti, ma su Netflix c’è un gioiellino di 12 minuti che non merita affatto di passare inosservato.
Se succede qualcosa, vi voglio bene è un delicato e struggente cortometraggio animato muto, che esplora con finezza e profondità un tema difficile come quello del lutto.
Due genitori hanno perso la figlia piccola per via di una sparatoria a scuola: da allora il loro mondo si sgretola, affondando sempre più nel grigiore e nella disperazione. Come è possibile affrontare un dolore tanto grande e inspiegabile? Il corto animato prova a indicarci una strada e lo fa con grazia e poesia.
Da vedere assolutamente! Se volete concludere l’anno piangendo calde lacrime ed emozionandovi, è decisamente quello che fa per voi!

Velvet

Giakimo: In un mese sono morti Sean Connery e John le Carré, entrambi a loro modo responsabili nel definire il genere spionistico. Quindi era solo giusto che in questo mese ho letto Velvet, spy story ambientata durante la Guerra Fredda scritta da Ed Brubaker e disegnata da Steve Epting. 

La serie, uscita in tre volumi per Image Comics e in Italia per Panini Comics, racconta la storia della spia Velvet, che si ritrova dopo un decennio a fare da segretaria a dover indagare sul passato dei suoi capi e dei suoi colleghi dopo una missione finita male. In viaggio tra Europa e Stati Uniti, dovrà ricorrere a tutte le sue capacità.

Il fumetto è una spy story tesa, glaciale, con pochissime concessioni alla spettacolarità tipica di un Bond o di Mission: Impossible. Essendo pure ambientata tra anni ’50 e anni ’70 ha pure la perfetta atmosfera per questo tipo di storie e Brubaker come al solito in queste storie ci sguazza alla perfezione. Dategli una storia crime o un thriller e state certi che sarà un capolavoro. 

A disegni invece del suo sodale Phillips c’è Steve Epting, altro suo fedele scudiero – hanno lavorato insieme al ciclo di Capitan America. Ho trovato i colori un pelo troppo freddi e piatti, penalizzando un po’ i disegni. Nonostante questo Epting disegna e racconta dannatamente bene e le scene d’azione sono sempre efficaci e ben costruite. 

Insomma, se avete voglia di una bella spy-story, con una protagonista ben definita e ambientata nell’epoca d’oro dello spionaggio, recuperate Velvet.

Klaus

Giakimo: Natale è arrivato e passato, il momento perfetto per vedere qualche film più sentimentale e appunto natalizio. E io su Netflix ho visto questa perla animata: Klaus. Diretto dallo spagnolo Sergio Pablos, ex animatore Disney, Klaus è una specie di origin story di Babbo Natale. Segue le vicende del postino Jesper, viziatissimo figlio del presidente delle poste, che viene mandato a fare il postino in uno sperduto avamposto nel nord. Lì incontrerà il misterioso Klaus e insieme daranno vita alla leggenda di Babbo Natale. 

La storia è molto semplice, didascalica e perfettamente disneyana, con tutte le carte in regola per piacere ai bambini. E come tutte le grandi storie Disney è un film pieno di cuore e che ti resta dentro. Non cerca la grande tematica come i film Pixar né sembra fatto a tavolino per vendere tonnellate di giocattoli come certi altri film d’animazione, ma è un film più piccolo e contenuto. Perfetto per Natale e per tutta la famiglia, come tutta la grande Disney. 

Una menzione speciale per l’animazione, realizzata con tecniche classiche con giusto qualche aggiunte per dare profondità di campo. Il risultato è grandioso, un ritorno in grande stile all’animazione classica disegnata, che spero abbia seguito. Perché il 3D và benissimo, ma a volte basta solo un disegno per fare grande cinema. 

La Notte dei Morti Viventi: A Zombicide Game – Un tributo a Romero

Tencar: trovo la serie Zombicide molto divertente, adoro Romero e ritengo che La Notte dei Morti Viventi sia uno dei migliori film mai girati, capirete quindi perché vi consiglio questo spin-off della celebre saga creata da CoolMiniOrNot ed edito da Asmodee Italia che vi farà vivere le scene dell’iconica pellicola omonima.

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