Chi conosce il mondo delle serie animate sa bene che si tratta di un contesto particolare. Spesso ci sono produzioni strutturate e profonde che vengono tacciate perché sembrano “per bambini” e altre che si professano per adulti, ma che diventano presto vuoti esercizi di stile. Non farò nomi per evitare di scatenare guerre civili. A sorpresa, però, un’ottima eccezione a questa regola (speriamo, eccezione ancora per poco) è nata niente meno che dal nostro Paese, e dalla Sicilia non di meno: Il Baracchino. 

Recensione

Se anche voi, come diversi di noi in redazione, seguite un minimo la stand-up comedy e la comicità più giovane della scena italiana, quasi sicuramente apprezzerete Il Baracchino. Non era nelle mie aspettative di quest’anno aprire l’app di Prime Video e trovare una serie animata in bianco e nero, in animazione mista, di produzione interamente indipendente e italiana, doppiata e ispirata dagli stand-up comedian (e non solo) che seguo da anni. Ah, ed è pure bella eh!

La vicenda racconta di Claudia, giovane idealista della comicità che decide di ravvivare un locale di cabaret a cui è molto affezionata, appunto, Il Baracchino. Per farlo, cercherà di reclutare un gruppo di comici particolarmente scalcinati, incorrendo nelle ire di Maurizio, unicorno proprietario dello stabile, che ormai nemmeno ci prova più. Proprio a fare niente. In tutto questo, si farà sentire la forte assenza della compianta zia di Claudia, una comica di successo, soprattutto nel cuore di chi frequentava e gestiva il locale, che deve fare i conti con il vuoto lasciato da lei. Insomma, si ride per non piangere, però poi ti tocca.

Facciamo però un passo indietro: da dove spunta fuori questa serie? La storia narra questo: nel profondo del Mediterraneo… l’isola della Sicilia! Qui c’è la città di Palermo, dove Salvo Di Paola e Niccolò Cuccì, per farla breve, creano uno studio di animazione, lo chiamano Megadrago e creano questa brillante stagione di sei puntate. Volete sentire nel dettaglio cosa è successo? Salvo Di Paola (che nel mentre pure lui è diventato comico di stand-up) è stato recentemente ospite al podcast Tintoria dove ha parlato dello studio e della serie, prodotta da Lucky Red.

Ma Tintoria non è solo uno spazio in cui il co-creatore de Il Baracchino ha raccontato il lavoro di animazione, perché tutti i doppiatori della serie sono stati ospiti, prima o dopo, del podcast. E chi non lo è stato, è perché quel podcast lo ha creato. Oltre alla protagonista, doppiata da un’ottima Pilar Fogliati, troviamo infatti Daniele Tinti e Stefano Rapone, ma anche Luca Ravenna, Edoardo Ferrario, Michela Giraud, Yoko Yamada, Frank Matano, lo stesso Salvo Di Paola e ultimi ma non meno importanti, Lillo e Pietro Sermonti. Un cast relativamente piccolo, ma incisivo.

Questo perché i personaggi sono stati quasi tutti creati intorno all’interprete, un po’ come viene fatto in grandi produzioni hollywoodiane e il risultato è ottimo. Non è quell’effetto “persona famosa che doppia un personaggio a caso tanto per fare pubblicità”. L’animazione è al servizio della recitazione e viceversa e da questo rapporto scaturisce un prodotto ottimo.

Non fatevi ingannare però: la serie non è un contenitore di battute e demenzialità gratuita. La brevità degli episodi e il medium dell’animazione aiutano ad avere un ritmo scandito al millesimo, che alterna momenti comici a momenti più drammatici e riflessivi. Anzi, mi viene da dire che la comicità sia più uno sfondo che il centro narrativo della serie. I pugni allo stomaco sono sempre dietro l’angolo, ma anche ottime battute inaspettate che funzionano grazie sia ai dialoghi, sia ai doppiatori. Si può dire che fa riflettere, ma ogni tanto fa pure ridere.

Trama

Come accennato prima, Il Baracchino è questo posto che, a mio parere, mischia un po’ la storia del Derby, storico locale del cabaret di Milano con un nome che richiama il Bagaglino, l’importante compagnia teatrale romana di varietà, che ha dato i natali alla professione di tanti cabarettisti.

Qui, il proprietario Maurizio, unicorno nano, cerca di gestire una barca totalmente alla deriva, vicina ormai ad affondare. Insieme a lui, l’inserviente (letteralmente) Gerri e la ben più motivata Claudia, che ha grandi progetti per risollevare il Baracchino. Questi progetti prevedono di raccogliere degli scalcinati stand-up comedian dalla strada e sfruttarli per creare un nuovo cuore pulsante della comicità nel locale.

Chi sono? Abbiamo Luca, un piccione paninaro milanese che adora battute sul guano e con un’aggressiva appartenenza culturale al mondo volatile. C’è Marco, che è la morte, letteralmente. Sì, il tristo mietitore ha pensato di darsi alla comicità nel suo tempo libero. Nel gruppo, anche Leonardo Da Vinci, il famoso inventore toscano del rinascimento, che per motivi oscuri si diletta con battute scurrili e infine John Lumano, un essere che cerca disperatamente di passare come umano, ma che umano, palesemente, non è. Completano il tutto dei personaggi leggermente meno presenti: fra loro troviamo Tricerita, una femmina di triceratopo molto carina e gentile, Noemi Ciambell (miglior nome a mani basse) una comica femminista un po’ ruvida e Donato, che è un donut parlante. Ultimo ma non meno importante, Larry Tucano, comico idolo dei boomer, che ama fare le tipiche battute sulle mogli.

Non voglio ovviamente dirvi troppo, perché già dal primo episodio ci sono colpi di scena e assurdità che non voglio svelarvi, ma vi posso dire questo: La comicità e la gestione del Baracchino sono un espediente per colmare il vuoto del personaggio più importante della serie: la zia della protagonista, Tatiana. Il rapporto che Claudia e Maurizio avevano con lei e quello che tra i due si è venuto a creare di conseguenza è il centro della storia e non fatevi ingannare dalle apparenze: è un racconto semplice ma profondo, che non lascia niente a considerazioni superficiali e soprattutto non permette mai di pensare che i personaggi siano in qualche modo monodimensionali, neanche i meno presenti.

Stile

L’altro punto forte de Il Baracchino è ovviamente l’aspetto grafico. Quello che colpisce prima è sicuramente lo stile di animazione misto. Il primo parallelo che può solo onestamente venire in mente è quello con Lo Straordinario Mondo di Gumball, che riprende la stessa tecnica di avere personaggi molto variegati con altrettante tecniche di animazione (e a mio modesto parere, anche qualche nota demenziale nelle situazioni). C’è chi è un personaggio di plastilina in stop motion, un foglio di carta ritagliato, in animazione 2D o 3D, animato a framerate diversi, con texture fotografate o disegnate in vari stili o addirittura, c’è John Lumano che è direttamente una marionetta con tanto di fili.

Altra cosa molto interessante, è il bianco e nero usato per tutta (?) la serie, che è semplicemente perfetto e grazie anche alla varietà estetica dei personaggi, risulta sempre molto vibrante. È una scelta particolare e per certi versi coraggiosa, ma ha un senso e credo che potrebbe anche evolversi in una auspicabile futura seconda stagione.

A livello di dialoghi e storia, la serie entra perfettamente nelle mie corde: una comicità fresca, non forzata e ammiccante quanto basta. A fare da contraltare, parecchi momenti seri, tristi e riflessivi. Sicuramente più di quanti potessi pensare inizialmente. Il Baracchino è anche però costellato di chirurgiche citazioni e inside jokes: ad esempio, vediamo Maurizio, che come il suo doppiatore Lillo, si diletta nella pittura di miniature nel suo tempo libero oppure le piccole chicche di Marco, la morte, che riceve una chiamata che è palesemente collegata al suo interprete, Stefano Rapone. Non mancano rimandi a famosi tormentoni della comicità e meta-dialoghi che minano pericolosamente la stabilità della quarta parete, passando per spiazzanti e divertentissime scurrilità e momenti di nonsense perfettamente sensati nel contesto del locale.  

In conclusione

Da incuriosito e poi da interessato, Il Baracchino mi ha conquistato. Il profumo delle migliori serie animate dell’orbita di Cartoon Network unito alla miglior fotografia della stand-up comedy italiana è una ricetta vincente, arricchita da una qualità tecnica senza precedenti e da una brillantezza generale che rendono questa serie un gioiellino di sei episodi. Spesso, mi sono trovato di fronte a prodotti animati che, anche se apparentemente fuori target, mi hanno dato più di innumerevoli serie e film in live action. Penso soprattutto al buon Adventure Time, che dietro un’estetica surreale e scanzonata, nascondeva un racconto di introspezione e consapevolezza che non si vede dall’esterno. Con il suo semi-seguito uscito su HBO Max, Fionna & Cake, ho capito definitivamente che la maturità e la profondità non sono esclusive di una forma tradizionalmente “per adulti”.

Se un cosiddetto cartone animato, tutto colorato e con le faccine, poteva lasciarmi in quelle condizioni, significa che non c’è limitazione stilistica alle belle storie e anzi, a volte lo stile apparentemente discordante può essere un punto a favore della narrazione. Credo che questa sia la qualità maggiore de Il Baracchino. L’animazione mista, per quanto pazza, è un armadio di maschere per ogni personaggio. Ogni stile permette un’espressività con connotazioni e sfumature diverse. Luca il piccione non può fare le stesse espressioni di John Lumano e questo li rende più vivi e più veri di quanto avrebbe fatto la stessa identica storia raccontata tutta, magari, con lo stile usato per animare Claudia o Jerry Tucano. 

Detto ciò, devo essere sincero: questa è una serie tendenzialmente per adulti, possibilmente giovani. E ciò la rende un tentativo direi unico nel nostro Paese e oserei dire raro nell’intera scena europea. Una serie animata originale, italiana e fatta da giovani, prodotta, fra tutti i posti, in Sicilia è da applausi, anche solo per il coraggio. Aggiungiamoci che è pure bella e ti resta dentro, cavolo. Spero proprio che arrivi ad avere almeno due stagioni. Così una la guardo (e pure le altre).

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Nerdando in breve

Il Baracchino è una serie animata tutta italiana, disponibile su Prime Video, che racconta un tentativo di far rinascere il locale del titolo con un rostro di stand-up comedian improbabili e sgangherati. La particolare animazione mista in bianco e nero è il fiore all’occhiello di questa perla ricca di emozioni, che potrebbe arrivare a strapparvi una risata, fra una lacrima e l’altra.

Trailer

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Recensione

Ve lo avevamo anticipato quale che tempo, con questo articolo a firma Clack, e una volta giunto sulla piattaforma Amazon Prime Video non mi sono fatto sfuggire l’occasione di immergermi in questa nuova (o forse vecchia?) incarnazione del celebre eroe difensore di Gotham.
Ecco le mie impressioni.

Trama

Batman: Caped Crusader è una visitazione in salsa anni ’40 del mitico Crociato Incappucciato, immaginato qui come ai primi tempi della sua missione contro il crimine e il suo altrettanto disperato tentativo di ripulire Gotham dalla corruzione.
In questa versione, che spinge tantissimo sulla componente narrativa ed investigativa, abbiamo una rivisitazione di alcuni dei comprimari più celebri del fumetto, tra cui gli immortali Jim e Barbara Gordon (afroamericani come nel recente The Batman), ma anche molti villain del calibro di Harley Quinn (asiatica), Catwoman e Cobbelpot, qui in una versione gender swap che raggiunge livelli di crudeltà inimmaginabili.

Stile

Batman: Caped Crusader colpisce immediatamente per lo stile grafico che evoca le sensazioni dei noir hard boiled. Ed è infatti a quel genere che si ispira la serie, mettendo l’accento sull’aspetto investigativo delle trame, ma anche regalando grandissimo spazio a tutti i personaggi secondari, che siano villain o comprimari.
Una combinazione estremamente funzionante, che consente di incentrarsi sulle trame riducendo al minimo l’area tecnologica a cui siamo stati abituati dalle produzioni più recenti.

Qui Batman fa uso di bat-rampino, batrang e poco più. Lo strumento principale, oltre alla capacità di lottare, è sicuramente il cervello ed è intrigante vedere la lenta e progressiva creazione della rete di alleanze che in futuro gli consentiranno di avere sempre più alleati sul territorio.
Ma siamo solo agli inizi, Batman è considerato un criminale e deve guardarsi dalla polizia ogni volta che scende sul campo per difendere Gotham.

Per quanto riguarda storie e personaggi, Batman: Caped Crusader fa riferimento alla Golden e Silver Age di DC Comics con alcune licenze. Alfred, ad esempio, ha l’iconografia classica della Golden Age ma, invece di usare il cognome classico (Beagle), usa quello a cui siamo abituati (Pennyworth), proveniente da Terra-Due e diventato poi canonico.
Analogamente, Due Facce usa il nome “moderno” Harvey Dent, invece di quello classico “Kent”.
Altra licenza, ovviamente, è quella della dottoressa Harleen Frances Quinzel, che, anche se ormai è considerata parte integrante dell’universo immaginario di Batman, in realtà è stata introdotta nel 1992 nella serie animata, e solo due anni più tardi nel fumetto Batman: Amore folle per raccontare le sue origini che, qui, risulteranno decisamente diverse.

Produzione

Batman: Caped Crusader ha avuto una produzione travagliata. In seguito all’ondata di cancellazioni operata da Warner Bros., che dal 2022 ha calato la mannaia su diversi prodotti legati a DC Comics, anche questa serie, che originariamente avrebbe dovuto venire distribuita da HBO, sembrava destinata all’oblio.
Fortunatamente, si è invece fatta avanti Amazon Prime Video e ora abbiamo una serie che è stata acclamata da pubblico e critica.

Notevole lo sforzo produttivo e realizzativo, che conta nomi del calibro di Bruce Timm e Abrams tra i produttori, Christina Ricci, Minnie Driver e Hamish Linklater tra gli artisti che hanno prestato la voce.

E voi l’avete vista o pensate di guardarla?

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Nerdando in breve

Batman: Caped Crusader è la serie di animazione distribuita da Prime Video che rivisita il mito dell’uomo pipistrello in stile anni ’40.

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Recensione

Avete presente quelle sitcom dove il protagonista è un uomo sulla quarantina un po’ fuori forma che ama bere birra e fare cazzate con gli amici, ma che miracolosamente si trova sposato con una donna bellissima?

Se non ce l’avete presente credo basterà nominare qualche sitcom come La vita secondo Jim oppure I Simpson.
Jim e Homer hanno molte cose in comune, entrambi sono padri di famiglia spesso negligenti che fanno cose stupide e trattano con superficialità le proprie mogli. Mogli che vengono dipinte come le rompiscatole di turno, che rovinano la festa con le loro regole rigide e finiscono inevitabilmente per essere il personaggio più odiato della serie.

Col passare degli anni, mentre crescevo guardando I Simpson, ho iniziato a chiedermi come mai Marge non avesse mai lasciato Homer anche dopo alcune cose orribili che aveva commesso. Per farvi capire quello che intendo, voi come reagireste se il vostro partner ipotecasse la vostra casa senza prima averne parlato assieme? Non so voi, ma io probabilmente passerei qualche anno in carcere con l’accusa di aggressione aggravata o tentato omicidio.

Marge ogni volta si arrabbia, fa il suo celebre verso di disappunto e sono poche le volte in cui decide di allontanarsi per un periodo, magari alla ricerca del supporto delle sorelle Patty e Selma. Tuttavia, la sua rabbia ha vita breve e alla fine torna sempre dal suo “papino”, il quale è completamente perduto senza di lei. È come se Marge, Cheryl e tutte le altre mogli delle sitcom resettassero la loro memoria ogni volta che inizia una nuova puntata.

Ma cosa accadrebbe se all’improvviso una di queste mogli da sitcom si rendesse conto che il proprio marito è uno stronzo oltre che un idiota?
Questo è quello che ci vuole raccontare la serie Kevin Can F*** Himself, di cui ho divorato la prima stagione su Prime Video e che mi ha colpito a tal punto da spingermi a parlarne e riprendere così a scrivere.

Trama

Kevin McRoberts è un uomo di 35 anni che fa l’antennista, ama lo sport, anche se dalla sua pancetta è evidente che lo guarda alla tv e basta, e passa le sue giornata con il padre e il suo migliore amico. Si potrebbe dire che con loro condivide non solo un alto tasso alcolico nel sangue ma anche un alto tasso di immaturità nel cervello.

Anche in questo caso il protagonista è sposato con una donna più bella di lui, fissata con la pulizia e considerata una guasta feste.
La verità, però, è un’altra e non vedo l’ora di spiegarvi il perché.

La serie ci presenta già dai primi minuti come una sitcom a tutti gli effetti: infatti, veniamo immediatamente catapultati nel salotto di casa McRoberts, dove Kevin e il suo amico Neil si stanno allenando a beer pong in vista della festa alcolica di anniversario del protagonista e di sua moglie Allison. Insieme a loro, a fare il tifo per il protagonista, troviamo il padre di Kevin e Patty, la sorella di Neil, una donna dal carattere forte e dalla battuta sempre pronta.

Il divertimento e le battute, immancabilmente accompagnate dalle risate finte, sono interrotte dall’arrivo della moglie di Kevin. Sebbene sia lei la vera protagonista della serie, ci viene introdotta come una figura marginale. Lei non fa parte del gruppo, anche se prova in qualche modo a partecipare alle dinamiche attraverso battute e venendo a costanti compromessi, come l’accettare una festa alcolica per il suo anniversario di nozze.

Nonostante gli sforzi, Allison viene percepita da tutti come una rompiballe, è la secchiona in una classe di bulli e fancazzisti, è la mamma responsabile che dà le regole a cui però disobbedire, è la donna da mandare in cucina a preparare un panino o come in questo caso a riempire il boccale di birra. I gesti d’affetto del marito sono sempre dettati dall’opportunismo e dalla necessità di ottenere qualcosa in cambio e lei in fondo sa che è così.

Le cose, tuttavia, sono destinate a cambiare e la rottura di un boccale di vetro in uno scatto d’ira segna una rottura anche in Allison, la quale realizza di essere sposata con uno stronzo manipolatore, infantile e imbecille.
Da qui in poi vediamo l’alternarsi di scene comiche tipiche nelle sitcom, in cui Kevin e le sue stupide idee sono il fulcro, e di quelle più drammatiche che vedono come protagonista Allison, la quale vuole riprendere in mano la sua vita ed è disposta a tutto pur di riuscirci, anche commettere un omicidio se necessario.

Stile

Questo cambio tra i due generi lo si nota chiaramente e viene enfatizzato da un uso geniale della fotografia e delle luci. Sin dai primi minuti si può osservare l’evidente contrapposizione tra le scene con Kevin e quelle con Allison senza lui. Le prime appaiono super luminose, i colori dei mobili e della casa stessa sono molto vivaci e mettono immediatamente allegria al telespettatore, ma il tutto ha un che di artificioso e finto; al contrario nelle scene con Allison troviamo ambienti più bui e dai colori più spenti che hanno il potere di esternare a pieno il malessere interiore della protagonista.

Sebbene si tratti degli stessi luoghi, sembra che marito e moglie vivano in una casa completamente diversa e questo è uno degli aspetti che mi ha colpito di più in assoluto.

Ancora non mi conoscete bene, ma ci tengo a precisare che non sono il tipo di persona che consiglia una serie solo per un motivo puramente estetico, infatti ritengo che Kevin Can f*** Himself meriti soprattutto a livello narrativo.

Nel corso degli 8 episodi della prima stagione vediamo uno sviluppo non solo del personaggio di Allison, ma anche di quello di Patty. Le due donne sono centrali nello svolgimento della storia e man mano che si allontanano dal mondo patinato del salotto di Kevin rivelano maggiori sfaccettature e sfumature. Al contrario, i personaggi maschili non si discostano mai dai comportamenti stereotipati della sitcom, tuttavia la loro stupidità è in grado di strapparci qualche risata.

Proseguendo con la trama iniziamo ad affezionarci a Patty e Allison, le vediamo conoscersi e pian piano legare sino a diventare amiche complici una dell’altra. Facciamo tifo per loro, nella speranza che riescano a trovare la propria strada e una soluzione ai propri guai.

Un altro aspetto che mi ha colpito molto è il modo in cui viene raccontato il vacillamento della psiche di Allison quando realizza di vivere una menzogna, in cui si è autoillusa di poter avere la vita perfetta con il marito migliore del mondo e con la casa dei sogni. Uno shock che probabilmente affrontato in terapia non avrebbe mai portato, però, allo sviluppo di una trama così avvincente, dettata anche da molte azioni impulsive.

Concludendo

Se dovessi definire in poche parole Kevin Can F*** Himself per convincere qualcuno a guardarla direi che è una gran bella serie TV che sa combinare bene la commedia al dramma e che, soprattutto, sa tenere incollati allo schermo, sia della TV che del PC, come nel mio caso. Al termine di ogni episodio, infatti, mi chiedevo cosa avrebbe fatto Allison e quale soluzione avrebbe trovato al nuovo intoppo che le si presentava.
È una serie talmente avvincente e coinvolgente che man mano la si guarda, si empatizza inevitabilmente sempre di più con la protagonista: la sua rabbia diventa gradualmente anche nostra e alla fine vorremmo urlare pure noi un bel VA A FARTI FOTTERE, KEVIN!

Sicuramente la promuovo a pieni voti e le assegno il mio primo bollino d’oro. Tale decisione è dettata principalmente da due motivi: in primis è una serie che mi ha colpito a tal punto da farmi tornare la voglia e il desiderio di scrivere dopo una lunga pausa e, per me, questo ha un grande valore e, come seconda motivazione, non sottovaluterei il modo intelligente in cui viene mossa una critica alla rappresentazione maschilista delle donne nella TV senza risultare troppo polemica, ma neanche completamente sterile.

Perciò, se siete in cerca di una nuova serie TV, da guardare e vorreste provare a guardare una sitcom sotto un’altra luce, attraverso gli occhi di una moglie da sitcom, vi suggerisco di provare a darci un’occhiata.

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Nerdando in breve

Kevin Can F*** Himself è una serie che mostra la sitcom sotto un’altra luce combinando comicità e dramma in modo semplicemente geniale.

Trailer

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Back to school, back to work, back to nerd: come affrontare al meglio la nuova stagione se non con il #NerdandoConsiglia di Settembre 2024?

Kaos

Giando: quasi per caso, con poche aspettative, io e Morgana ci siamo messi a vedere Kaos su Netflix, con Jeff Goldblum nei panni di uno Zeus in crisi di mezza età: il rischio ca*ata era altissimo, eppure non è stato così, anzi, ci siamo bevuti tutta d’un fiato questa serie decisamente sorprendente!

Un cast stellare, una colonna sonora incredibile e uno stile di regia ricercato ma non fine a sé stesso ci ha fatto compagnia mentre osservavamo il dipanarsi delle profezie che colpiscono l’Olimpo, la Terra e l’Oltretomba.

Guardatela, perché abbiamo bisogno che sia confermata la seconda stagione!

California. La fine del sogno

Cavaliere: Hollywood è uno dei simboli della cultura pop tra film e serie TV, hip hop, i Golden State Warriors e i Los Angeles Lakers che sono tra le squadre NBA più famose e come non citare la Silicon Valley che ospita alcune tra le principali società tecnologiche. Tutti questi elementi sono accomunati dal dove, cioè la California. Quindi ci sta leggere o ascoltare (come ho fatto io tramite Audible) un libro che analizza la situazione di questo Stato americano. Poi, se il maestro di cerimonie è Francesco Costa, allora il risultato è scorrevole e informativo, cosa si vuole di più da un libro del genere? Quindi California. La fine del sogno lo consiglio a chi voglia capire tutte le contraddizioni di uno degli Stati più ricchi al mondo (se fosse indipendente), ma dal quale se ne va via più gente di quanta ne arrivi!

I racconti delle Tartarughe Ninja

I racconti delle Tartarughe Ninja in azione

Cavaliere: Dopo Caos mutante ho visto anche I racconti delle Tartarughe Ninja, la serie che ne è il seguito. Ho scritto una recensione, che trovi qui, per dirti che merita, visto che non se l’è filata nessuno ed è un vero peccato! È su Paramount Plus e c’è pure una settimana di prova, volendo. Ovviamente PURTROPPO nessuno mi sta pagando per scriverlo!

Batman: Caped Crusader

Zeno2k: Serie d’animazione sul mio eroe preferito, con una declinazione che richiama molto le storie classiche degli anni ’40 e ’60 del fumetto.

Stile noir metropolitano che mi ha ricordato James Ellroy, ottime le storie dal gusto investigativo hard boiled e l’iconografia così come il recitato italiano. Altro punto di forza è il grande spazio dato ai comprimari (sia villain che coprotagonisti), che talvolta mettono il Cavaliere Oscuro sullo sfondo spostando i riflettori sugli altri personaggi, spesso reimmaginati e reinventati ma comunque fedeli nello spirito agli originali.

Per me un ottimo lavoro, forse tra i migliori dedicati a Batman. La prima stagione è disponibile su Prime Video.

Mafia: Definitive Edition

Zeno2k: Uscito nel 2020, ho avuto occasione di riprovarlo oggi grazie a Game Pass.

La prima volta che giocai a Mafia, uno dei pochi giochi che ho avuto per PC due decenni fa, nel 2002, ne rimasi folgorato. L’ambientazione, le sensazioni evocate, il recitato in perfetto stile film hollywoodiano, tutto richiamava alla memoria l’immaginario del periodo d’oro di Al Capone e Lucky Luciano. Lost Heaven è una trasposizione immaginifica della Chicago degli anni ’30 e questo open world ce l’ha fatta vivere sulla pelle.

Non sono un grande amante dei remake, ma devo dire che questo mi ha davvero convinto. Svecchiato nelle dinamiche di gameplay, con migliorie generali nelle missioni (oltre che nella grafica ovviamente), non fa gridare al miracolo, ma si lascia giocare e seguire eccome anche grazie a una trama semplice ma efficace e al piacere profondo che dà viaggiare.

Kevin Can F**k Himself

Kiarakala: Kevin Can F**k Himself è una serie TV che mostra la sitcom sotto un’altra luce e lo fa letteralmente dal momento che alle scene comiche e super luminose del protagonista maschile, Kevin, si alternano quelle più cupe e drammatiche della moglie Allison, vera protagonista della storia. Accattivante non solo per la sua estetica, ma anche per la trama che lascia incollati allo schermo. Se siete in cerca di una novità, sebbene sia una serie del 2021, datele uno sguardo su Prime Video.

Maestri d’ascia del Mare del Nord: Redux

Jedi.lord: In una rara serata da puro testosterone e giochi da tavolo, con i valorosi Jarl Zeno2k e Giando, abbiamo provato questa nuova versione del primo gioco di Shem Phillips, diventato nel frattempo celebre con le sue trilogie basate sui punti cardinali.

C’era nell’aria la voglia di qualcosa di vichingo, in pieno accordo con il testosterone di cui sopra, e ci siamo ritrovati a reclutare cittadini, costruire edifici, ma soprattutto navi, tutto in perfetta…solitudine. Ci è piaciuto, ci siamo divertiti, ma mancava quel sano gusto di razzia, prevaricazione e mascolinità tossica (mi sono appena ricordato del perché non controllo più le bozze degli articoli n.d.Tencar) nel menarsi a vicenda, che ci ha lasciati un po’ con l’amaro in bocca, data l’ambientazione. Ci siamo rifatti con una bella sfida a Beyond the Sun, dove c’erano pochi vichinghi, ma un Giando corsaro delle galassie.

The Excavation of Hob’s Barrow

Jedi.lord: Cloak & Dagger Games, gli sviluppatori di Hob’s Barrow, sono una piccola realtà indie che crea delle interessantissime avventure punta e clicca in pixel art, molte delle quali free to play (vi consiglio di recuperarle su Steam). Con questo titolo hanno alzato l’asticella della qualità, portandoci nella brughiera inglese nei panni di una archeologa alle prese con un mistero antico e terribile.

Affascinante l’ambientazione, interessante la trama, bellissimo il doppiaggio.

Un gran bel punta e clicca.

eFootball 2025

Jedi.lord: Ecco che comincia la nuova stagione del calcio targato Konami e tornano le stesse domande: sarà questo l’anno giusto per la scommessa free-to-play?

Che vi devo dire, immagino già lo sguardo traverso di Giando (esatto, n.d.Giando) quando leggerà questo paragrafetto, ma io mi diverto parecchio con il titolo Konami, soprattutto per quanto riguarda la giocabilità, che con l’aggiornamento alla nuova stagione mi sembra anche migliorato sul fronte della fisicità dei calciatori.

Rimangono le solite criticità sul fronte licenze e sull’oramai cronaca mancanza della Master League, che sta diventando un meme a sé. Però, per quanto tempo e impegno posso investirci, è un titolo perfetto per placare la mia voglia di fare rotolare un pallone sui campi virtuali.

E ho Maradona in attacco, scusate se è poco.

Stellaris

Jedi.lord: Sono tornato dopo anni sul grand strategy spaziale di Paradox e ho trovato un gioco molto diverso da quello che avevo lasciato, come accade solitamente con i titoli della casa svedese, che patch dopo patch riescono a evolvere a livelli impensabili al momento del rilascio.

E nulla, mi sono ritrovato a dover imparare quasi tutto da capo, ma è stato comunque bellissimo. Ho fatto giri immensi ributtandomi su vari titoli di strategia spaziale, ma lui era lì ad attendermi, bello come il sole del prossimo sistema solare da colonizzare.

Still wakes the deep

Ayr: Il Game Pass, che grande invenzione! Una trovata che mi ha permesso di scoprire tante piccole o grandi gemme che, probabilmente, mi sarei perso altrimenti. Tra queste non posso non citare Still Wakes The Deep, avventura horror molto breve che ho giocato questo mese.

Nonostante io sia lontano dal genere, ho adorato l’ultima fatica di The Chinese Room. La lista dei pregi è molto lunga; potrei parlarvi dell’ottimo comparto grafico, del buon ritmo della trama, delle piccole soluzioni di gameplay che l’hanno reso interessante. Ma voglio focalizzarmi su due aspetti, che mi hanno, più degli altri, convinto e ammaliato.
Innanzitutto, ho adorato l’idea di ambientare il videogame su una piattaforma petrolifera. Una tipologia di struttura estremamente affascinante che mi fa chiedere: ma davvero abbiamo dovuto aspettare il 2024 per vederla in un videogame? Per favore, cari developer, datemi più giochi ambientati su delle Oil Rig.
Secondo fattore, ancora più importante per me, sono i dialoghi e il linguaggio di cui Caz, il personaggio principale, è protagonista. La mia immersione è aumentata a dismisura, non soltanto per la scelta di dotare i vari personaggi di un super realistico accento scozzese, ma, soprattutto, di renderli autentici. In generale, mal sopporto l’esigenza di un linguaggio super pulito e corretto, che ripudia l’utilizzo di parolacce a ogni costo. Figuratevi quando tutto sta esplodendo su una stazione petrolifera! Caz è splendidamente naturale nel suo modo di parlare. È sboccato, cafone, brutale, a volte blasfemo (ricordate che in Inglese la blasfemia non è grave come in Italiano). Reagisce, insomma, come l’uomo medio reagirebbe di fronte ad una tragedia così immane e, per questo, mi sono sentito vicino a lui.

Little Nightmares II

NoOrdinaryLuca: In occasione dell’uscita di Little Nightmares II tra i giochi del catalogo Playstation Plus, ho iniziato il secondo capitolo di questa saga dalle tinte horror, essendomi piaciuto molto il primo Little Nightmares (e in preparazione del terzo capitolo, in arrivo nel 2025).

In questo gioco del genere avventura/platform a enigmi, il protagonista è Momo, un misterioso ragazzo che si ritrova suo malgrado in un mondo distorto e pericoloso, popolato da loschi personaggi che tentano in ogni modo di fermare la sua fuga. Aiutato da una misteriosa ragazzina, Momo deve affrontare tutte le sue paure per poter riuscire a fuggire da questo incubo con la speranza di essere nuovamente libero.

Ciò che mi sta maggiormente piacendo di Little Nightmares II è la storia del gioco, che si svela lentamente, man mano che il giocatore si addentra nell’incubo in cui il protagonista si trova invischiato. L’atmosfera è davvero ben riuscita, così come le emozioni che suscita (con l’aggiunta di alcuni piccoli jump scare, che rendono sempre viva l’attenzione).

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Recensione

È giunto finalmente il momento della messa in onda dell’attesissima serie dedicata al franchise postatomico più affascinante del mondo videoludico. Fallout, con otto episodi subito disponibili su Amazon Prime Video, è pronta a portarci nella Zona Contaminata, sopravvissuti, Fratelli d’Acciaio, ghoul e radiazioni incluse.

Grazie al suo indomito fascino retro-futuribile, Fallout è da ormai molti anni scolpito nel cuore degli appassionati come me che, anche se sono rimasto abbastanza deluso da Fallout 76, non posso non ricordare l’incredibile intreccio di storie che mi hanno accompagnato tanto nella zona di DC quanto in quella di Boston.
Nella serie, invece, veniamo proiettati dall’altro lato degli Stati Uniti, in una Los Angeles massacrata dall’apocalisse nucleare.

Per chi non lo sapesse, le lancette della storia si fermano agli anni ’50, quando scoppia una guerra nucleare tra USA e Cina. Per questa ragione i fortunati che hanno potuto permetterselo hanno trovato rifugio in bunker avanzatissimi, chiamati Vault da cui, dopo secoli e spesso controvoglia, ricominciano ad uscire per riscoprire cosa resta del sogno americano (spoiler: molto poco).
Come sa chi ha giocato a Fallout 3 e Fallout 4, molti Vault sono rimasti contaminati e distrutti, ma altri hanno prosperato per decenni e solo a seguito di qualche evento specifico i discendenti sono stati costretti ad uscire e affrontare una nuova vita.

Nella Zona Contaminata troviamo quindi l’incredibile gusto estetico degli anni ’50 unito ad una fanta-tecnologia futuribile per un mix unico che da sempre caratterizza il franchise. Qui il protagonista del gioco (e della serie) farà presto la conoscenza di nuove e crudeli dinamiche sociali, con creature frutto delle radiazioni ad insidiare la sicurezza degli uomini. Chi sa sa, per gli altri, parlo di bestie radioattive, creature terresti e anfibie dalla mente (e carne) distrutta e supermutanti assetati di vendetta contro la razza umana.

Trama

Tuttavia, come recita il saggio, la razza umana era sopravvissuta. Formando nuove colonie, nuove fazioni e, naturalmente, nuove occasioni di guerra e scontri.
La serie TV, di cui ho visto in anteprima i primi due episodi su grande schermo, segue le vicende di Lucy MacLean, interpretata da Ella Purnell (Kick-Ass 2, Miss Peregrine, Army of the Dead, ma anche voce originale di Jinx, in Arcane), sopravvissuta del Vault 33 che riemerge dalle sicurezze del bunker a due secoli dal fallout nucleare.

Accanto alla protagonista, troviamo anche Zach Cherry, splendido in Scissione come in Succession, e Walton Goggins, chiamato a interpretare il “Ghoul”: un cacciatore di taglie che sembra uscito direttamente da Fallout 4. A completare il quadro di protagonisti Aaron Moten, nei panni di una giovane recluta della Confraternita d’Acciaio, novello ordine cavalleresco che tenta, più con la forza che con la ragione, di riportare l’ordine in America.

I protagonisti non potrebbero essere più lontani e meno compatibili tra loro, e sarà solo il caso che porterà la loro strade ad incontrarsi. Assistiamo quindi a una storia originale, ma perfettamente calata nel canone del franchise e che esplorerà nuovi aspetti dello stesso.
Una scelta davvero azzeccata: evitare una trasposizione dei giochi e sfruttare invece il background è sicuramente la miglior strada per non scontentare nessuno e avvicinare nuovi potenziali fan.

Lasciatemi dire infine che non mancano le sorprese nel cast, per le quali lungi da me far spoiler, e che vi strapperanno più di un sorriso soddisfatto alla Robert Redford in versione “meme”.
Non sarà invece sorprendente la qualità recitativa di tutti gli attori, che ho avuto modo di apprezzare in lingua originale.

Produzione

Due anni di produzione ma molti, molti di più prima per convincere Bethesda a cedere i diritti per adattamento. A sentire il buon Todd Howard, però, nessun progetto si era rivelato soddisfacente e, come abbiamo avuto modo di sperimentare sulla nostra pelle di appassionati, ci sono sempre tantissime cose che possono andar storte quando si cerca di adattare un videogioco al grande schermo. Gli esempi si sprecano, con pellicole talmente brutte da fare il giro e restare comunque orribili (tipo Doom, Alone in the dark, Mortal Kombat), tuttavia l’idea di usare il medium della serie TV è stato accolto con grande entusiasmo.

Per un titolo di spessore come un GDR Bethesda non potrei essere più d’accordo e infatti non vedo l’ora di scoprire cosa si nasconderà nei prossimi episodi della serie.
Per ora non posso che reputarmi davvero entusiasta. Due sono le cose su cui ho lasciato il cuore, l’estetica (come già detto) e le dinamiche sociali di questa nuova America.
Da quanto ho potuto vedere entrambe sono state più che adeguatamente omaggiate, rispettate e trasposte.
Il tempo ci dirà se sarà anche una bella storia da seguire: ma non avendo altro che un canovaccio e libertà di creazione, voglio pensare che resteremo tutti soddisfatti.

Conclusioni

Da grande amante del franchise, non posso che essere pienamente soddisfatto di quanto ho visto su schermo in questa splendida anteprima milanese organizzata da Amazon Prime Video.
Sembra un sogno che si materializza: non solo gli appassionati troveranno numerosi easter egg, ma tutti potranno apprezzare l’incredibile sforzo fatto per dare vita la mondo di Fallout, con centinaia di dettagli (ve ne cito due: effetti sonori pip boy, mini nuke, a volte solo appena visibili in stile blink and you’ll miss it) che da sempre rendono questo mondo unico e affascinante. E quando la protagonista farà il suo ingresso nell’insediamento, capirete. Capirete tutto.

Seguire le vicende di Lucy sarà come giocare per la prima volta: ricordo bene la sensazione ruvida, sporca, malsana, provata quando ho abbandonato il confort patinato del mio Vault e ho fatto ingresso nella Zona Contaminata della Capitale.
E a fronte di tanto orrore non è mai venuto meno un raffinato senso di ironia che accompagna il viaggio rendendolo ancor più surreale e onirico che mai.

Perché la grande domanda qui, non è cosa sei disposto a fare per sopravvivere, ma piuttosto: per sopravvivere sarai costretto a cambiare, e quindi: quello che cerchi ora sarà ancora di tuo interesse quando ti sarai adattato a questo nuovo mondo?

A poco valgono le buone intenzioni: la corruzione del nuovo mondo trascende tutto e tutti, lo ha corroso nel corpo intaccandolo nel profondo dell’anima, e per questo non esiste stimpak che regga.
In Fallout c’è tutto questo. Benvenuti nella Zona Contaminata!

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Nerdando in breve

Fallout è la serie Amazon Prime Video che ci porta nell’universo di Bethesda.

Trailer

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Con l’arrivo del decimo episodio della terza stagione, arriva a conclusione Star Trek: Picard. Giunge così il momento di salutare (stavolta per sempre) lo storico equipaggio della USS Enterprise NCC – 1701 – E.
Ho dato quindi fondo alle mie energie (emotive) residue per compiere questo viaggio e sono qui a raccontarvi le mie impressioni (ricche di spoiler).

La farò breve: dopo l’oscenità della seconda stagione, che ho fatto una fatica micidiale a completare, avevo poche aspettative da questa Final Season, tutte riposte nei promessi cameo dei protagonisti storici. Ebbene, mi sono dovuto decisamente ricredere.

Encomiabile il tentativo di cambiare tutto, introducendo nuove dinamiche coi romulani e gli androidi, stendendo anche un velo di dubbio sulla sacra istituzione della Federazione Unita dei Pianeti, un tempo simbolo di altissima perfezione, ora insinuata da ampie ombre e zone grigie.
Tuttavia alcuni personaggi decisamente privi di appeal (come Laris, Elnor e Soji) e una trama farraginosa, hanno messo una pietra tombale su queste velleità, portando invece la lancetta indietro nel tempo di 30 anni e rimettendo in scena dinamiche che abbiamo imparato ad amare nel corso dei decenni.

Insomma: fatte salve le strepitose Sette di Nove e Rafi, si torna alla crew originale di TNG, decisamente attempata, vecchia e stanca, ma ancora capace di dare vita ad emozioni senza fine, in un crescendo di avvenimenti che spacca la stagione nettamente in due.
La prima metà vede il ritorno del famigerato Dominio, unico riferimento alla serie DS9 (giustamente caduta nel dimenticatoio) mentre più spazio è stato dato a VOY di cui è mancato solamente il cameo di Kate Mulgrew (tristemente dovuto a ragioni di budget) e al mio eroe Picardo di cui abbiamo perso le tracce con Primo Contatto.

La seconda metà mette invece in scena alcuni elementi di un lontano passato, come il comandate Shelby (ora ammiraglio, sulla nave ammiraglia, che fa una pessima fine, decisamente poco da ammiraglio) e uno dei miei più grandi rimpianti: Ro Laren, in un episodio a lei dedicato che chiude magnificamente il cerchio lasciato aperto con l’episodio Il Tenente Ro (16 maggio 1994) che ne sancì l’uscita di scena. I dialoghi tra lei e Picard sono qualcosa da scuola di sceneggiatura, che mi hanno toccato ed emozionato nel profondo.

Ma, sopra ogni cosa, e sopra il ritorno di La Forge (finalmente dimagrito e con ottiche nuove di zecca, in barba ad Insurrection e YATI vari), restano due punti centrali che caratterizzano tutta la vita di TNG e ora Picard.
Brent Spiner è un attore straordinario, una spanna sopra chiunque altro, Patrick Stewart compreso. Perché quando con una singola espressione, in una frazione di secondo, mi fai capire che sei passato da un personaggio ad un altro, con tutt’altra personalità, altri pensieri, altra filosofia di vita, vuol dire che Hollywood è stata profondamente ingiusta con te: dovresti essere accreditato come protagonista in cento film, invece che come piccola comparsa nel ruolo di te stesso in The Big Bang Theory.
L’episodio a lui dedicato è sublime e perfetto per metterne in mostra le qualità recitative, e non sono mancate citazioni illustri strappalacrime, dal professor Moriarty all’ologramma di Tasha che, ammetto, mi ha stravolto.

Infine, ma ormai lo avete già capito che se siete arrivati fin qui, c’è l’Enterprise D. Non me ne ero mai reso conto prima, ma vedere nuovamente il ponte di comando della D in tutto suo splendore vintage, mi ha fatto capire che la nave è sempre stata l’ottavo protagonista della serie. Non un semplice mezzo di trasporto, ma un vero e proprio character con le sue peculiarità e sfaccettature, a volte tratteggiato persino meglio dei suoi abitanti umani. Il ponte, il bar di prora, gli alloggi del capitano, il ponte ologrammi, la sala riunioni e persino i famigerati tubi di Jefferies, hanno fatto parte della vita di personaggi e spettatori per tanti anni.

Sono quindi convinto che uno dei principali motivi di fallimento dei film sia stato l’azzardo di distruggere la nave alla fine di Generazioni: l’Enterprise E era più moderna certo, ma anche più cupa e non abbiamo mai avuto modo di imparare a conoscerla ed amarla allo stesso modo. Sarebbe stato molto più coraggioso sostituirla durante la sesta stagione, magari dopo l’attacco dei Borg, e allora avremmo avuto tempo e modo di amarla e accoglierla. Così non è stato e nessuno ne conserva il ricordo.

Chiudiamo con un po’ note negative. Ho amato questa stagione pur riconoscendone la natura profondamente fan service. Però il finale è troppo buonista e posticcio, mi sarei aspettato una fine più gloriosa, magari con l’immolazione del grande Picard (sarebbe stata una fine nettamente migliore di quella di Kirk), oppure di Worf, che da trent’anni dice che è un giorno buono per morire ed invece ancora continua a massacrare gente col bat’leth. Inoltre il ritorno della Regina Borg era davvero superfluo, davvero non si è potuto trovare qualcosa di più plausibile? I Borg avevano raggiunto il loro culmine in Primo Contatto, già riportarli in auge con Voyager era forzatura, per non parlare della versione “buona” della scorsa stagione; ma qui proprio mi crescevano.

Ho comunque adorato che la Titan venisse ribattezzata Enterprise G con un ponte di comando al femminile (e io uno spinoff con Sette capitano e Rafi primo ufficiale lo voglio a tutti i costi), però no dai: Q era morto, ci hanno martellato le gengive per una intera stagione con la sua fine e ora mi torna a scocciare Jack Crusher Picard? Vedremo, ma, in conclusione, ho amato molto di più l’episodio 9 che ha a mio avviso ha raggiunto livelli di perfezione assoluta. Vorrei solo non aver pianto tanto.

La terza stagione di Picard contiene decine e decine di easter egg e riferimenti di cui andare a caccia, dal mitico Chekhov a Geordi che siede sulla poltrona del capitano come nella prima stagione di TNG, quando vedemmo il primo distacco della sezione a disco; all’assegnazione di Picard come “capitano” invece che ammiraglio dal computer di bordo, ad altri che potrei essermi perso lungo la strada. Viene buttato anche un piccolo sibillino riferimento alla fine della Enterprise E in cui l’ex capitano, Worf, lascia intendere di aver combinato qualcosa di irreparabile.

Concludendo: se siete trekker e avete amato TNG, questa terza stagione è una dichiarazione d’amore al franchise e a voi come trekker.
Don’t cry because it’s over, smile because it happened

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Cosa vi ha portato il coniglietto pasquale? Cosa vi è uscito dall’uovo? Sperando in risposte soddisfacenti, ecco a voi il #NerdandoConsiglia di Aprile 2023 da parte della redazione più saltellante d’Italia!

Dungeons & Dragons: L’onore dei ladri

Giando: film su D&D, bellissimo. Non aggiungo altro.

Fire Emblem: Engage

Ayr: Per questo #NerdandConsiglia voglio parlarvi di un videogioco che mi ha tenuto incollato allo schermo per tutto il mese di Aprile (e anche un po’ di Marzo, visto che si tratta di un titolo molto lungo e ricco di contenuti). Sto parlando di Fire Emblem: Engage, l’ultimo capitolo della celebre saga strategica di Nintendo. A tal proposito vi consiglio di recuperare la completa recensione del buon Fedro di qualche tempo fa, in cui ne ha elogiato le qualità e le novità.

Bene, io non posso che confermare le sue parole e aggiungere che Fire Emblem: Engage è uno dei migliori giochi dell’anno, se non il migliore (finora). Ovvio, non siamo di fronte all’irraggiungibile Fire Emblem: Three Houses, quello che per me rappresenta un capolavoro assoluto e che ha conquistato critica e pubblico nel 2019. Ma come dico sempre, giochi come Three Houses si vedono una volta ogni dieci anni. Nonostante tutto, non sottovalutate Fire Emblem: Engage che è comunque un gioco eccellente, che merita di essere giocato e apprezzato da tutti gli amanti del genere e non solo.

Perché vi dico questo? Perché Fire Emblem: Engage è un gioco che riesce a bilanciare perfettamente la tradizione e l’innovazione, offrendo una storia avvincente, un buon cast di personaggi, un gameplay profondo e vario, e una grafica spettacolare (finalmente, aggiungerei). Fire Emblem: Engage è un gioco completo, divertente, emozionante e coinvolgente. Se non lo avete ancora fatto, correte a comprarlo e a giocarlo. Non ve ne pentirete.

Last Epoch

Fedrizzi: È un momento particolare questo, è il momento in cui si sta avvicinando Diablo 4, quindi mi sono buttato sugli Action RPG. Grazie a Tencar ho scoperto Last Epoch, un giochino molto interessante da spulciare, consigliato a quelle persone che vogliono un Diablo-like e non vogliono grandi complicazioni nelle meccaniche e nelle build. Il prezzo del gioco è anche abbastanza esigo, per quello che offre. Si aggiunge una storia interessante basata sui viaggi nel tempo, un sistema di potenziamenti decisamente innovativo e un multiplayer che sta vendendo curato sempre di più. Io ci ho passato un bel po’ di ore, provatelo, non vi deluderà!

Daisy Jones & The Six

Morgana: Daisy Jones & The Six nel 1977 era il gruppo rock più importante del mondo: dischi di platino, milioni di fan, concerti da sold out, fino a una fatidica sera quando dopo un concerto incredibile la band si è sciolta. Nessuno ha mai saputo perché per 20 anni, finché Daisy e i Six non hanno deciso di raccontare la loro storia per un documentario. Ovviamente questa non è una storia vera ma è la trama della miniserie “Daisy Jones and the Six” che trovate su Prime Video: 10 episodi ricchi di bellissime canzoni e soprattutto della mitica atmosfera della scena musicale di Los Angeles negli anni ‘70, con un cast di talento che ha preso lezioni di musica e canto per interpretare al meglio i loro personaggi.

Star Trek: Strange New Worlds

Morgana: La wave più recente di serie tv di Star Trek ci ha presentato le avventure di nuovi equipaggi che esplorano lo spazio a bordo di astronavi della flotta stellare con un’unica grande storia che si svolge nei vari episodi di ogni stagione (parlo di Star Trek: Discovery e Star Trek: Picard). In Star Trek: Strange New Worlds invece, finalmente torniamo alle classiche esplorazioni spaziali in cui in ogni episodio c’è una piccola avventura che vede protagonista lo storico Capitano Pike accompagnato da Spok (si, proprio lui), Nyota Uhura, l’infermiera Christine e tanti altri personaggi che gli appassionati di Star Trek conoscono bene.
Trovate la prima stagione (e a breve anche la seconda) su Paramount+.

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Ricomincia la scuola, ricomincia la stagione del lavoro, ricominciano le rotture varie, ma noi non smettiamo mai di nerdare: ecco a voi il #NerdandoConsiglia di Settembre 2022!

Soulstice

Giando: ho riscoperto gli hack’n’slash old school grazie a Soulstice, titolo tutto italiano che è approdato su PC e console di ultima generazione. Una struttura simile ai grandi classici quali Devil May Cry e Bayonetta si unisce ad una storia interessante e a una coppia di protagoniste ben particolareggiate. Ogni tanto un gioco dove spaccare tutto ci sta proprio, e il team di Reply Game Studios ha fatto un eccellente lavoro. Da provare!

PS: Nonostante il nome, NON è un souls-like!

Valiant Hearts

Ayr: Probabilmente oramai vi sarà chiaro dai miei precedenti contributi su #NerdandoConsiglia: sono costantemente attanagliato dai miei arretrati o, come dicono gli esperti, dal mio ‘backlog’. Questa soverchiante massa di fumetti, libri, serie TV e videogiochi che pesa costantemente sulle mie spalle e che giorno dopo giorno diventa sempre più ingombrante. Vi piaccia o meno, il rischio che comporta il ‘backlog’ che noi tutti ci portiamo dietro è quello, come nel mio caso, di essermi riuscito a godere una gemma come Valiant Hearts, uscita addirittura nel 2014, solo ora. Come si dice, meglio tardi che mai!
Valiant Hearts è un videogame sviluppato da Ubisoft Montpellier e uscito praticamente su ogni piattaforma, dalle vecchie Xbox 360 e PS3, passando per dispositivi mobile fino ad arrivare alla più recente Nintendo Switch. Insomma, se volete recuperarlo non avete scuse!
Siamo nel 2022 e, che ci crediate o meno, dobbiamo ancora far conto con i conflitti bellici, una tipologia di eventi che, da bambino, pensavo sarebbero stati oggetto solo dei libri di storia e che, invece, fanno tristemente parte della nostra quotidianità. Valiant Hearts, se ce ne fosse ancora bisogno, ci ricorda gli orrori della guerra e lo fa con uno stile grafico cartoonesco e leggero che aiuta a stemperare le brutture che invece racconta egregiamente. Narra le vicende dei suoi 4 personaggi impegnati su più fronti durante la prima guerra mondiale e riesce ottimamente a intrattenere grazie ai suoi brillanti puzzle, mai banali per tutta la sua durata.
Inserisco Valiant Hearts in una ristretta categoria di videogame che mi piace definire ‘didattici’ o ‘archivistici’, videogiochi adatti ad appassionati di storia o di culture lontane. Infatti nel titolo Ubisoft Montpellier è possibile trovare una ricchissima documentazione storica fatta di curiosità e articoli su ‘La grande guerra’. Gran parte dell’interesse che provo nei confronti di questo titolo è dovuta proprio alla nutrita sezione di collezionabili capace di aprire spiragli inediti su quanto accaduto in quei tristissimi anni.
Non solo consiglierei di giocare Valiant Hearts a tutte le care amiche e amici di Nerdando; forse sarebbe il caso di inviarne una copia anche a chi ancora pensa che la violenza sia una valida soluzione per i problemi del nostro pianeta.

Return to Monkey Island

Zeno2k: L’ho aspettato per tanto di quel tempo per cui avevo perso le speranze. Avevo anche scritto un articolo, tempo fa (così tanto che non trovo più il link, ndGiando), dedicato ai seguiti mancati e che mai avremmo visto… e invece è proprio arrivato.
L’attesissimo terzo capitolo (gli altri per me non esistono) della saga di Monkey Island, firmato dal suo autore, l’immenso e geniale Ron Gilbert è arrivato negli store e non ho potuto fare a meno che divorarlo.

In breve: è il seguito che desideravo. Stesso spirito dell’originale ma gameplay modernizzato adatto alla sensibilità attuale del gaming.

Ho adorato anche la scelta stilistica, coraggiosa e aggressiva, in barba ai gatekeeper (il nuovo male del secolo) e a chi voleva un anacronistico titolo in pixel art.
Immutati: l’ironia, il senso di alienazione, la sottile demenza in cui tutti credono e sanno riconoscersi… Return to Monkey Island mi ha fatto tornare bambino, quel bambino che per la prima volta si è emozionato con uno dei capisaldi dell’universo videoludico e che ha avuto la possibilità di vivere una nuova avventura del suo pirata preferito, tornando ad incontrare vecchi amici e conoscenti, luoghi magici immutati nel tempo eppure sempre nuovi.
Un pregio su tutti: il collegamento alla fine del secondo capitolo. Perfetto.
Un (piccolo) difetto: la difficoltà degli enigmi è nettamente rivolta verso il basso, LeChuck’s Revenge fu molto più sfidante.
Il resto è poesia, arte e sogno.

She-Hulk

Giakimo: Ebbene sì, la sto guardando e mi sta piacendo. D’altronde avevo già detto che mi piaceva il personaggio. Per certi versi questa serie è uno dei progetti Marvel Studios che attendevo di più.
Non è affatto una serie priva di difetti, anzi ce ne sono almeno due abbastanza grossi: manca una trama orizzontale e la CGI ha degli alti e bassi abbastanza grossi. Sulla seconda c’è poco da fare, magari Disney decide di ritoccare la serie con calma nei prossimi mesi come ha già fatto con altri prodotti. Sul primo problema, dipende da cosa volevate. A me personalmente non disturba, anzi rende la serie leggera e perfetta per una visione senza troppi pensieri, rispecchiando tra l’altro la natura più leggera delle serie a cui si ispira.
Di sicuro un grosso punto a suo favore è la protagonista. Al netto di qualche passaggio meno efficace, Tatiana Maslany è un’ottima protagonista. Perfetta come Jennifer Walters e riconoscibile anche come She-Hulk. E poi da nerd ho trovato molto divertenti alcuni episodi e il tentativo di combinare legal drama con parti di MCU. Nei prossimi episodi dovrebbe pure apparire un certo altro avvocato cieco…

Mickey Mouse Café Zombo

Giakimo: Da qualche anno i francesi hanno riscoperto i fumetti di Topolino. E lo fanno alla loro maniera, con storie in cartonati di prestigio. Ogni volume è curato da artisti diversi, tutti però tra il gotha del fumetto transalpino. Uno di questi è Régis Loisel, autore di Peter Pan, Magasin Général e Alla ricerca dell’augello del tempo. Il suo volume si intitola Mickey Mouse Cafè Zombo, al momento non mi risulta essere uscito in Italia, ma solo in edizione francese e inglese.
Il motivo per cui ho voluto recuperare questa storia è perché Loisel ha deciso di omaggiare nello stile e nel formato le mitiche strisce giornaliere di Topolino di Floyd Gottfredson, uno dei miei fumetti preferiti. Funziona come omaggio? Decisamente. Loisel disegna con uno stile molto simile a quello usato nei primi anni ’30 e quindi Topolino ha le brache rosse e non ha le pupille. Anche l’ambientazione è quella classica, un misto di aree rurali e urbane ma impoverite e in disarmo dopo la Grande Depressione, con Topolino alle prese con la speculazione edilizia e l’ingordigia dei ricchi. Loisel recupera anche Orazio come spalla invece di Pippo e l’avvocato Lupo, primissimo avversario di Topolino.
La storia è un misto di azione e umorismo perfettamente in linea con lo spirito di quelle storie leggendarie ma aggiornate al mondo moderno.

La verità sul caso Harry Quebert

Gattiveria: Ho trovato molto curioso il fatto che una serie TV venisse tratta da un libro scritto con l’intenzione di emulare l’hype generato da un’altra serie TV, e da lì è nato il mio interesse per La verità sul caso Harry Quebert. Uno scrittore in crisi, una storia d’amore al limite del lecito, ma soprattutto un investigativo pieno di colpi di scena, nel pieno rispetto dell’omonimo libro di  Joël Dicker da cui è tratto.

Bravissimo il Dottor Stranamore (Patrick Dempsey) e molto suggestiva la regia di Jean-Jacques Annaud. La miniserie di 10 puntate, realizzata nel 2018 ed originariamente trasmessa su Sky Witness, è attualmente disponibile su Amazon Prime.
Adesso mi toccherà vedere la serie che ha ispirato l’autore (Homeland).

Cult of the Lamb

Tencar: capita di avere tra le mani, in maniera casuale, dei gioiellini e Cult of the Lamb fa parte di questa particolare categoria.
Non si tratta del solito roguelite – anche se, a prima vista, potrebbe sembrare – perché, oltre alla classica fase di combattimento, è presente una fondamentale parte gestionale nel corso della quale cercheremo di portare nuovi adepti disponibili a servire il nostro culto e troveremo le risorse per costruire oggetti ed edifici allo scopo di fare felice la nostra divinità.
Consigliatissimo, anche per il prezzo. Trovate un articolo più completo qui.

Sara is missing

Tencar: un horror, realizzato con pochi spicci, incentrato sul pericolo di conoscere gente online che mi ha colpito non tanto per la modalità con cui è stato girato (vista e rivista, soprattutto ultimamente) quanto per la tematica: una situazione del genere potrebbe presentarsi facilmente e sarebbe difficilissimo uscirne indenni.
Consigliato, anche se non si trova su canali ufficiali.

Cyberpunk: Edgerunners

Tencar: da amante del genere, del gioco di ruolo prima e del videogioco (nonostante i vari bug) poi, ho visto con estremo interesse Cyberpunk: Edgerunners, serie animata da 10 episodi di circa 25 minuti disponibile su Netflix.
La storia è frenetica, ricca di colpi di scena ed è godibile anche se non conoscete nulla del franchise. Anzi, vedetela come porta di ingresso verso questo meraviglioso universo.

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Recensione

Una doverosa premessa: non sono un tolkeniano di ferro, ho letto e amato molto Il Signore degli Anelli e sono riuscito a leggere tutto Il Silmarillion – di cui adesso sto iniziando una rilettura in lingua – ma non ho mai approfondito più di tanto la Terra di Mezzo e il resto del mondo creato da J.R.R. Tolkien. Non ho alcuna memoria della Seconda Era e degli avvenimenti che sono alla base della serie TV Amazon Prime Video Gli Anelli del Potere. Per cui non troverete analisi e raffronti con la fonte letteraria, ma solo una -si spera- onesta recensione dei primi tre episodi con un numero minimo di spoiler.

Trama

La serie è ambientata nella Seconda Era, ovvero l’epoca precedente, di migliaia di anni, agli avvenimenti de Lo Hobbit e Il Signore degli Anelli. In questa Terra di Mezzo l’oscuro signore Sauron non ha ancora forgiato nessun anello. Anzi, a dir la verità, Sauron sembra scomparso dopo che il suo padrone Morgoth è stato sconfitto. L’unica persona che ancora gli dà la caccia è Galadriel, elfa convinta che Sauron sia ancora in giro.

Quella di Galadriel può sembrare paranoia, ma in effetti strani avvenimenti sembrano accadere nelle Terre del Sud e pure tra i pelopiedi, i nomadi antenati degli hobbit.

Non credo di poter dire di più senza fare troppi spoiler. Anche perché a dire la verità non è che siano accadute chissà quante cose. E qui vado subito al dunque di cosa non mi è piaciuto della serie finora. Dopo tre episodi di 70 minuti, circa un terzo della serie, non è ancora praticamente successo niente. Confesso che io guardo pochissime serie TV e uno dei motivi è proprio l’eccessiva prolissità. Gli anelli del potere non fa niente per farmi cambiare idea.

A zonzo per Arda

Al momento ci sono quattro linee narrative aperte, non tutte di uguale interesse e importanza (almeno finora). Due si basano direttamente su Tolkien e le appendici del Signore degli anelli – la serie ha i diritti solo su questo materiale – usando personaggi e luoghi nominati o già visti in precedenza. Altre due invece sono create interamente da parte degli autori J. D. Payne e Patrick McKay. Non serve essere tolkeniani per capire quali storie e personaggi sono creati da Tolkien e quali no, non proprio un grosso complimento al loro lavoro sulla serie.

Finora la serie soffre di una scrittura piatta e dei dialoghi davvero banali. Tutti i personaggi, indipendentemente dalle razze, parlano come se fossero esseri umani del 2022. La scena tra il re dei nani Durin e la moglie Disa sembra uscita da una sit-com sui problemi di coppia, mentre i battibecchi tra Isildur, il padre Elendil e la sorella Eärien sembrano presi di petto da un qualunque teen-drama, con tanto di lettera di ammissione al college alla gilda.

Non c’è un grammo di epica in nessun personaggio, anche quei pochi che hanno già motivazioni forti dietro le loro azioni, tipo Galadriel, ridotta a personaggio sempre incazzato. Ho notato anche che gli autori stanno praticamente ricreando gli stessi personaggi della trilogia principale, con conflitti e problemi identici. Con tutta la mitologia tolkeniana a disposizione abbiamo bisogno di rivedere Aragorn, Gandalf, Frodo e Sam ma in versione leggermente diversa? Ci sarebbe anche da fare un discorso sull’uso di un tremendo accento irlandese per i pelopiedi e dello scozzese per i nani, mentre ovviamente gli elfi parlano tutti in perfetto inglese oxfordiano (o almeno gli attori ci provano), ma lascio perdere.

Insomma non si salva niente? Qualcosa sì, sopratutto dal lato tecnico.

La regia finora è un po’ piatta e derivativa di Jackson – maledette riprese a volo d’aquila – ma si vede l’enorme sforzo produttivo. D’altronde è la serie TV più cara di sempre. Gli effetti speciali sono al livello di un film, tranne qualche sporadica caduta di stile, vengono mostrati diversi ambienti molto diversi tra loro con delle belle trovate. Númenor è davvero bella, è originale ma ancorata al mondo della Terra di Mezzo. Persino i pelopiedi, per me noiosissimi finora, sono visivamente interessanti e freschi.

Anche la colonna sonora di Bear McCreary, sebbene non raggiunge il livello di quella mitica composta da Howard Shore, fa benissimo il suo dovere.

In conclusione

Mi riservo di dare un giudizio più preciso a fine serie, però non posso dire che quanto visto finora mi abbia convinto. La serie inizia in maniera troppo lenta. Capisco che l’idea è di avere una storia che si dipana per cinque stagioni, ma una serie così attesa e un progetto così mastodontico non può secondo me partire in maniera così anticlimatica e dispersiva.

Gli appassionati di Tolkien masticheranno amaro dati i numerosi cambiamenti – io non sono un fan, ma la mia compagna sì e ha sbuffato spesso – mentre per lo spettatore casuale non c’è ancora un tratto distintivo che può far scattare la scintilla. Recenti serie fantasy come The Witcher e La Ruota del Tempo facevano entrare gli spettatori casuali più facilmente dentro il loro mondo. Poi hanno mandato molto in vacca, ma quello è un altro discorso. Si può sperare che Gli anelli del potere faccia l’opposto.

Nerdando in breve

Inizio lento per una delle serie più attese di sempre, finora Gli anelli del potere è bella da vedere ma poco consistente.

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L’estate sta finendo (e meno male, ndr) e ci avviciniamo alla nuova stagione dove ci aspettano tante, succose novità. Ma noi siamo rimasti fedeli al nostro credo e abbiamo nerdato fortissimo anche sotto il sole: ecco a voi il #NerdandoConsiglia di Agosto 2022!

Locke and Key 3

Jedi.lord: Locke & Key è stata una delle più belle scoperte degli ultimi anni, partita dalla serie Netflix, giunta a farmi adorare il fumetto originale.
Con mia sorpresa, poiché non ne ero al corrente, è uscita da pochissimo la terza ed ultima stagione, anche se non ne sono completamente soddisfatto.
La seconda stagione aveva alzato l’asticella, questa qui invece sembra quasi residuo di un grosso taglio di budget e di una voglia di dare presto, troppo presto una conclusione alle vicende ed è veramente un peccato, perché si nota.
Non tanto per la qualità, ma per la brevità della serie in generale e delle puntate in particolare: sembra proprio che gli scrittori avessero in mente di costruire una vicenda molto più complessa e ricca, per poi doversi fermare per mancanza di tempo.
Ripeto, un grosso peccato perché le puntate sono belle, la magia di Locke & Key c’è è permane (ed è questo l’aspetto che me lo ha fatto amare più di tutti) e scene di impatto non mancano. Ma è un peccato vedere sprecate alcune idee come la Chiave Viaggio nel Tempo o lo stesso Gideon, che fa la figura del cattivo broccolone.
Il finale riappacifica, appaga e commuove, ma la verità è che non avrei mai voluto che le porte della Key House si chiudessero per sempre.

The Order: 1886

Jedi.lord: Una delle esclusive PS4 che mi mancava, dopo 7 anni gli sto dedicando un po’ di tempo (solo perché l’ho costretto io ad acquistarlo, ndGiando). Come gioco è molto lineare, ma come storia e presentazione dico solo WOW.
Stiamo scherzando? Lo scenario della Londra Vittoriana alternativa, i Cavalieri della Tavola Rotonda, una grafica ancora oggi da urlo: poco importa che alla fine il gameplay non sia nulla di innovativo, perché a me questo tipo di giochi che puntano molto sulla narrazione e durano poco piacciono, da sempre.
I Quick Time Event sono passati di moda, questo è vero, ma chissene: non vedo l’ora di scoprire come continua la storia!
E, vi prego, date un seguito a questo gioco!

The Sandman

Jedi.lord: No, non vi sto dicendo quale sia la mia opinione sulla serie TV che dopo tanto tribolare è uscita. Anche perché non l’ho ancora guardata. Ora parliamo del fumetto.
E sapete perché? Perché agli eventi voglio arrivare preparato, e quindi ho deciso di rileggerlo tutto per l’occasione (e anche perché è un capolavoro, ça va sans dire).
Sono qui semplicemente per dirvi che se non avete mai letto The Sandman e vi piacciono i fumetti, beh, non sapete cosa vi siete persi. E vi consiglio vivamente di recuperarlo in qualsivoglia forma (la nuova, clamorosa, Absolute Edition di Panini Comics sarebbe l’ottimo, ovviamente) e godervelo come sto facendo io di nuovo, dopo tanti anni.
E dopo tanti anni ne sto apprezzando altre sfumature, altri dettagli, altre suggestioni.
È una fortuna che la mia memoria a volte faccia così schifo, così da avere l’opportunità di rileggere, di tanto in tanto, opere belle come questa.

Paper Girls

Jedi.lord: Sì sì, l’avrete sentita nominare anche voi, la cosiddetta “Stranger Things di Amazon” e il responso è no, Paper Girls non lo è.
È solo una grossa semplificazione da marketing, che si ferma al fatto che ci sono dei preadolescenti e comincia negli anni ’80.
Vi dirò di più: non ha bisogno di questi mezzucci, perché è un’opera che si autosostiene, che vive di una propria visione e di scopi che sono altri rispetto alla serie ammiraglia di Netflix.
Innanzitutto Paper Girls proviene da un altro mondo, quello del fumetto, nel quale ha vinto anche un premio non da nulla come l’Eisner Award; è stato creato da un team creativo di tutto rispetto come Vaughan e Chang che qualcosa di storie ne sanno; non ha il budget di Stranger Things anche se guardando il fumetto uno potrebbe pensare che ne abbia bisogno. La produzione, invece, ha fatto di necessità virtù e, anche grazie alla bravura delle quattro giovanissime protagoniste, è riuscita a declinare il racconto in modo da far risaltare quella che è in fondo la sua vera forza, piuttosto che i mostri e la fantascienza.
Quella che ne è venuto fuori è una serie davvero piacevole che parla di crescita, di amicizia, di scoperta partendo dall’intrigante premessa dei viaggi nel tempo.
Per me promosso, speriamo che facciano la seconda stagione!

Vampire Survivors

Tencar: Vampire Survivors è un survival roguelite nel quale dovremo sopravvivere a orde di mostri che invadono lo schermo mentre noi combattiamo, in maniera totalmente gestita dalla IA, lanciando armi o venendo protetti da circoli di luce; quindi, muoviamo solo il personaggio scelto? Semplice, direte voi.
Vi faccio presente che i nemici aumentano di numero via via che passa il tempo (e, in ogni livello, occorrerà resistere 30 minuti) e, ogni volta, le ondate di avversari sono sempre più numerose e complicate da tirar giù. Fortunatamente, a ogni passaggio di livello, otterremo dei perk per migliorare il/la protagonista. È una vera sfida molto intrigante: provatelo, non ve ne pentirete.

Lo trovate su Xbox (è attualmente compreso nel Game Pass), su PC e mobile a una cifra veramente irrisoria, meno di 3 euro.

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