Tempo fa avevo letto e recensito il primo volume di Jimmy’s Bastards che ci lasciava in una situazione molto complessa. Grazie a SaldaPress sono riuscito a leggere la fine di questa serie Aftershock ancora una volta scritta da Garth Ennis e disegnata da Russ Braun.

Recensione

Dove eravamo rimasti? Cercando di non fare troppi spoiler, Regent e il suo partner Nancy hanno fronteggiato i cattivi, i figli che Regent ha disseminato per il mondo, solo che dopo una tremenda rivelazione, Regent è collassato mentalmente e adesso il mondo è ancora sotto l’effetto della bomba gender, che ha scambiato i genitali di uomini e donne.

Con questa serie Ennis ci offre una parodia spinta di James Bond e del suo mondo e questo secondo volume non è diverso dal primo. In questa seconda parte la serie ci mostra un Regent ombra di quello che era, sconfitto psicologicamente dai suoi nemici. E anche nel combattimento finale, Regent è una pallida imitazione di se stesso. Dunque tocca a Nancy tirare fuori Regent dal suo stato per sconfiggere il resto dei figli del protagonista.

Come nel primo volume, Ennis usa il suo solito umorismo dissacrante e violento con tutta una serie di trovate a metà tra il volgare e il geniale. Non tocca gli estremi di alcune sue opere, sopratutto per quanto riguarda il sangue versato, ma insomma non è un fumetto per tutti i palati. Astenersi persone facilmente impressionabili.

Ai disegni Russ Braun sfodera un’altra bella prova, nel solco di quanto visto nel primo volume. Mi ricorda sempre molto Darick Robertson, soprattutto nell’uso delle ombre e nella fisionomia dei visi, ma non è affatto un male e non è un mero clone ma un disegnatore valido e adatto al tono grottesco della storia.

Conclusioni

Una degna conclusione di una serie molto godibile. Forse è un Ennis minore rispetto ad altri lavori del passato, meno pungente, ma non per questo non ispirato. Anzi, mi ha stupito perché in fondo era da tempo che non leggevo una sua serie grottesca che non mi lasciasse con l’amaro in bocca, o per la tanta volgarità o per la mancanza di mordente. Qui se non altro Ennis si diverte e ci diverte.

Nerdando in breve

Irriverente e non banale, un volume che chiude bene una maxi-serie divertente.

Nerdandometro: 3,5/5

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Tempo fa avevo letto e recensito il primo volume di Animosity, Il Risveglio, e devo dire che il tempo vola, perchè non mi ero accorto che nel mentre sono usciti altri volumi e questo Animosity: Evolution, spin-off della serie AfterShock, scritto dalla creatrice della serie Marguerite Bennett e disegnato da Juan Doe e Eric Gapstur e come al solito offerto dalla sempre gentile SaldaPress.

Recensione

Dunque, facciamo un passo indietro: Animosity racconta di un mondo post-apocalittico dove tutti gli animali, a seguito di un evento chiamato il Risveglio, hanno acquisito la parola e coscienza di se stessi. A seguito di questo evento la società umana collassa e inizia una feroce lotta per la sopravvivenza.

La serie principale è una serie on the road che ha come protagonista la ragazzina Jesse e il suo cane Sandor. Questo Animosity Evolution invece è uno spin-off ambientato a San Francisco dopo il Risveglio e segue le vicende del veterinario Adam North e del nuovo leader della città Invernomuto, un incrocio da un lupo e un Alaskan malamute.

Dato il suo lavoro di veterinario, Adam è importantissimo perché può concretamente aiutare gli animali e i loro problemi di salute e attraverso lui vediamo le difficoltà e i problemi che Invernomuto affronta nel gestire la città. Invernomuto decide di creare una sorta di regime in cui la proprietà privata è abolita, gli umani hanno un tutore che li segue dovunque e dove per controllare le nascite si propone la sterilizzazione forzata. Insomma, il tipico governo col sorriso.

In effetti Animosity Evolution è un tentativo di approfondire il mondo creato nella serie principale, sviluppando meglio lo spunto iniziale. Vediamo dunque gli sforzi di Invernomuto di creare un mondo nuovo, mettendo dei paletti insindacabili per una convivenza pacifica. Ma vediamo anche le difficoltà e i compromessi morali necessari per governare, difficoltà minimizzate oggigiorno ma di capitale importanza. Vediamo anche le contestazioni e i malumori delle scelte, che portano a gesti estremi anche da chi non ti aspetti.

E quando la situazione sfugge di mano, Invernomuto (come qualsiasi governo) alza la posta in gioco e le soluzioni diventano drastiche. Il dilemma dunque è se il fine giustifica i mezzi (Machiavelli sempre nei nostri cuori).

Dilemmi

Animosity Evolution contiene in realtà due miniserie, Rise ed Evolution. Nella prima mini si parla appunto di Invernomuto, Adam e del governo della città, nella seconda si racconta l’arrivo in città di tre topoline, seguendo un po’ il classico schema degli ingenui di campagna alle prese con la grande città tentacolare. Interessante ma meno profonda e con meno questioni morali da affrontare.

Queste due mini sono dunque un’aggiunta alla serie principale, sviluppano temi altrimenti difficili da affrontare nel corso della serie madre ma al tempo stesso hanno meno spessore e vanno a spiegare troppo laddove invece si potrebbe soprassedere. Non aiuta, a mio parere, che siano miniserie esterne alla serie principale, invece che semplici fill-in (ah, i tempi in cui si usavano i fill-in!), quindi chiede al fan una fidelizzazione che non so se la serie ha.

Ai disegni, Rise è opera di Juan Doe, che ricordo in American Monster, mentre Evolution è opera di Eric Gapstur. Il primo disegnatore è un cambio deciso di stile rispetto al disegnatore della serie regolare Rafael De La Torre. Doe ha uno stile stilizzato, nervoso e sintetico, poco realistico ma perfetto per rappresentare i dubbi morali della vicenda e donare un po’ d’inquietudine. Ne esce un po’ penalizzata l’espressività dei personaggi a discapito delle atmosfere. Gapstur invece ha un tratto più pulito e rotondo. Fa il suo e riesce a rendere meglio di Doe le espressioni dei personaggi, soprattutto di quelli animali, cosa non banale né facile.

Conclusioni

Animosity Evolution è dunque un compendio di una serie interessante e dallo spunto molto moderno e intrigante. Sicuramente ci sono dei pretesti interessanti e non banali, ma l’eventuale acquisto dipende dall’avere o meno letto gli altri volumi perché preso singolarmente non è forse il massimo.

Nerdando in breve

Approfondimento che ha i suoi momenti e intrattiene in maniera intelligente, ma da prendere solo in coppia con la serie madre.

Nerdandometro: 3,2/5

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Recensione

Warren Ellis è un autore britannico cui sarò eternamente grato per aver donato al mondo una delle mie serie preferite di sempre, quel grosso capolavoro a fumetti che è Planetary (se non l’avete mai letto, pentitevi e fate ammenda quanto prima). 

Per questa eterna gratitudine, ogni volta che viene pubblicato un nuovo lavoro di questo pazzo inglese, ho l’obbligo morale di leggerlo.

Un po’ perché glielo devo, ma soprattutto perché so che probabilmente mi piacerà: Warren scrive un sacco di fantascienza, ma di quella bella e che mi piace. Le sue storie sono intricate, hanno spunti interessantissimi e quasi mai mi deludono. Giusto per rinfrescarvi la memoria, due suoi lavori recenti sono Injection e Trees, che sono tutt’altro che robetta.

Perciò, quando i ragazzi di saldaPress ti propongo di leggerne l’ultima fatica che fai, rifiuti?

Ma anche no.

Quindi, eccoci arrivati a Shipwreck, miniserie in 6 numeri autoconclusiva (per ora) pubblicata nella collana Aftershock Comics e portata in Italia in un unico volume da saldaPress, che ringraziamo per il materiale.

Trama ed ambientazione

Come sempre da nostra tradizione, cercherò di evitare completamente spoiler, anche perché qui la trama si basa proprio sul dipanarsi di un mistero, quindi non vi farò un torto deliberatamente.

Il nostro protagonista è un naufrago e si chiama dottor Shipwright.

Noi alla parola naufrago associamo immediatamente due immagini: un marinaio ed un’isola deserta. O, mal che vada, un’asse di legno in mezzo ad un oceano procelloso.

Niente di tutto questo: il nostro naufrago, che non è un marinaio ma uno scienziato, si trova, apparentemente, in un qualunque posto nel bel mezzo di quella che sembra l’America rurale, interna, quella che magari attraversi durante un favoloso viaggio coast to coast.

Eh beh, allora naufrago di che?

Ma secondo voi Ellis avrebbe mai potuto raccontarci di un naufragio convenzionale?

Giammai.

Il primo capitolo di Shipwreck è straniante, perché ci sentiamo esattamente come il protagonista: spaesati. Questo posto ci sembra familiare, ma non lo è. Non è chiaro cosa stia accadendo.

Popolata da personaggi al limite tra il bizzarro e l’inquietante, la Terra che il nostro dottore vede scorrere sotto i suoi piedi, passo dopo passo, è un posto affascinante e devastato, curioso e rude.

E, passo dopo passo, vogliamo scrollarci la curiosità che come polvere ci si attacca addosso, incuriositi dai misteri che emergono dai ricordi del dottore.

Una Terra alternativa? Un tentativo fallito partito da un’idea che pareva essere geniale? Un pianeta andato a male?

Ellis è in grado di trasformare un concetto stra abusato e di certo non originale in un qualcosa che intriga, affascina e fa riflettere. Per pigrizia e soprattutto perché sono d’accordo, voglio rubare le parole di uno che sa scrivere molto meglio di me, Jeff Lemire.

Jeff è uno scrittore di fumetti molto bravo e nell’introduzione ci dice:

“Mi piacciono i misteri. Niente scatena l’immaginazione come un bel mistero. Be’, quasi niente… ma un mistero firmato da Warren Ellis scatena l’immaginazione come pochi altri. Trascina la fantasia in luoghi oscuri e bizzarri che neanche sai di voler visitare e che non vuoi più lasciare. E la storia di questo naufragio è proprio così… oscura, bizzarra e anche visionaria.”

Ben detto, Jeff.

Il racconto, capitolo dopo capitolo, si arricchisce di trovate interessanti e dipana il mistero pian piano, facendoci giungere alla conclusione come se fossimo alla fine di un lungo viaggio a piedi, con i calli ai piedi ma soddisfatti.

Mica detto, poi, che il viaggio finisca qui…

Disegni e colori

Phil Hester è il disegnatore che questa storia richiedeva. Non credo di aver mai incrociato il buon Phil nella mia carriera da lettore, ma il suo stile mi piace: spigoloso, moderno, adatto ad una vicenda così surreale, grezza e sabbiosa. Certo, parte del merito è anche delle chine e dei neri di Eric Gapstur e dei colori di Mark Englert, che il sapore della sabbia te lo fa sentire in bocca.

Mark i colori di questo racconto li fa molto bene, ma l’apice lo tocca nella tavola iniziale del quinto capitolo, in cui utilizza i colori caldi in modo così eccellente per descrivere un’esplosione, che l’altra sera stavo per sudare mentre leggevo.

E dato che mi piace assai, un esempio ve lo metto qui.

Conclusione

Shipwreck è un racconto curioso: misterioso, imprevedibile e interessante, pur sfruttando un concetto che non è di primo pelo. Warren Ellis non smette mai di stupire e, soprattutto in questo tipo di progetti, non si accontenta mai di svolgere il compitino.

Consigliato agli amanti del fantastico e della fantascienza, direi che di horror ce n’è proprio pochino, quindi se cercate quello, rimarrete delusi, o forse no, perché come fumetto è bello e quindi comunque merita il vostro tempo.

Shipwreck è disponibile in volume cartonato, al prezzo di 19.90 €, a partire dal 27 settembre 2018.

Nerdando in breve

Warren Ellis, un nome, una garanzia. Fantascienza surreale, decadente, misteriosa e bella da vedere. Serve altro?

Nerdandometro: 3,9/5

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Da sempre, Garth Ennis alterna due tipi di storie: quelle serie e quelle cazzone. Oscilla tra questi due estremi, dalle War Stories a The Boys, con qualche storia che invece si colloca a metà strada (ad esempio Preacher). Jimmy’s Bastards dove si colloca? Un indizio: parla di un agente segreto 100% inglese che si chiama Jimmy Regent ed è scritta da un nordirlandese. Secondo voi che approccio può avere Ennis?

Recensione

Jimmy’s Bastards è la seconda serie Aftershock Comics, portata da noi come al solito grazie a SaldaPress, scritta da Ennis (la prima è Dreaming Eagles) e disegnata da Russ Braun. In questa serie, Ennis si confronta con un genere che aveva toccato ma non esplorato fino a fondo, lo spionaggio. E nel farlo decide di prendere di petto l’icona principale del genere: James Bond.

L’agente di Ennis e Braun si chiama Jimmy Regent, ma è in tutto e per tutto una copia del James Bond classico: aitante, mascella quadrata, vestito impeccabile, alcolista e playboy. All’inizio della storia lo vediamo sbarazzarsi di una variopinta schiera di nemici che hanno preso possesso di un dirigibile e lo vogliono far schiantare sul parlamento inglese. Ci accorgiamo subito che è una storia di Ennis, perché Regent inizia a sparare ai terroristi tra le gambe , la violenza parossistica regna sovrana e i cattivi sono eccentrici e sopra le righe.

Ovviamente Regent sbaraglia i cattivi, poi va dalla sua partner e se la porta a letto. Da qui inizia la storia.

Ennis decide di esplorare l’anacronismo di un’icona come James Bond, mostrandoci le conseguenze del suo essere sessualmente disinibito. Nell’era del #metoo, chiaramente un personaggio come quello di Regent sembra fuori luogo e infatti già l’ultima incarnazione bondiana di Daniel Craig ha un rapporto con le donne molto diverso rispetto alla versione di Sean Connery o all’originale letterario.

Dunque in Jimmy’s Bastards vediamo le conseguenze delle azioni di Regent/Bond: una nidiata di figli incazzati neri con il padre che ha sedotto e abbandonato le madri. Appunto, i bastardi di Jimmy.

Toccherà a Regent e alla sua partner Nancy McEwan sventare il piano dei figli dell’agente. Contrariamente a quanto uno si possa aspettare, Regent non è rappresentato come un personaggio sgradevole né retrogrado. Anzi il suo rapporto con Nancy è molto onesto e non misogino (o almeno così l’ho visto io).

Il mio nome è Regent. Jimmy Regent

Siamo pur sempre in una storia di Garth Ennis e non in un testo di studi di genere, per cui Ennis provvede ad inserire nella storia tocchi di tipica follia ennisiana. Chi ha letto The Boys, Preacher o la prima serie del Punitore sa a cosa mi riferisco. Ennis non si fa scrupoli a mostrarci volgarità assortite e soluzioni estreme, spesso legate al sesso o alla violenza. Non vi dico qual è il piano dei cattivi, perché è una trovata spiazzante, ennisiana al 100% e da scoprire da soli.

In questo è aiutato ai disegni di Ross Braun, che aveva già collaborato con Ennis su The Boys; ecco che il paragone con quest’opera viene naturale anche perché, pur non essendo un clone di Darick Robertson, Braun pesca da lì per rappresentare la violenza e il grottesco della storia. I colori sono simili, ma Bruan è meno rotondo di Robertson e ha un buon occhio per i dettagli, rendendo ogni tavola funzionale e realistica.

Il volume raccoglie i primi cinque numeri della serie che è ancora in uscita in America e per questo la storia di questo volume non è autoconclusiva. La trama imbastita fin qui è nel più puro stile ennisiano e a questo punto sono molto curioso di vedere che s’inventerà l’autore per chiuderla. L’eventuale acquisto dipende dal vostro grado di apprezzamento per questo genere di intrecci: vi piacciono le storie violente e grottesche? Se la risposta è sì non esitate a comprare questo volume, che pur non avendo la carica eversiva di altre opere simili di Ennis è comunque in quel solco e resta dunque una lettura divertente. Se volete un fumetto di spionaggio più classico, andate da un’altra parte.

Nerdando in breve

Ennis si inventa il suo super agente al servizio di sua maestà e lo riempe di donne nude e volgarità. Non è il James Bond di vostro padre.

Nerdandometro: 3,5/5

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Recensione

“Ieri sera, nella mia stanza d’albergo ho avuto un’idea per una nuova serie, probabilmente non vi piacerà neanche questa… Immaginate una nerd di sedici anni che rimane incinta… e, come se non bastasse, il suo bambino è l’Anticristo.”

Parole di Donny Cates, sceneggiatore, tratte direttamente dalla intro del primo volume di Babyteeth, nuova serie pubblicata in Italia dai ragazzi di saldaPress che ringraziamo per averci permesso di leggerla in anteprima.

Se l’incipit vi sembra interessante, beh, seguiteci e vi racconteremo se vale la pena conoscere questa storia a tinte horror che debutterà nelle fumetterie il 18 maggio prossimo, in un bel volume che racchiude i primi cinque numeri del nuovo nato (che simpaticone che sono) sotto l’etichetta Aftershock Comics.

Vi ricordiamo, giusto per dovere di cronaca, che Aftershock ha già in scuderia titoli come Animosity, American Monster, Dreaming Eagles, Rough Riders o il controverso Alters, di cui parlammo tempo addietro su queste stesse pagine.

Trama

Ecco, nell’introduzione dell’articolo ho citato una frase dello scrittore che in breve racconta ciò che posso dirvi sul primo volume di Babyteeth.

Sadie Ritter, la nostra protagonista, è una ragazza qualunque, ha sedici anni ed è incinta di nove mesi.

La sua famiglia non è di certo tra le più bigotte, anzi, è piuttosto particolare (tipo che la sorella è una criminale spacciatrice) ed anche amorevole, se si vuole. Comunque sia, avere un figlio a sedici anni non è la faccenda più semplice del mondo ai giorni nostri, pensa un po’ se questo neonato già dai primi vagiti mostra di che pasta è fatto.

Occhi rossi, dentini precoci, una spiccata preferenza di sangue al posto del… latte come nutrimento: il problema è: cosa fare? Sadie è comunque la mamma e il piccolo è comunque una creaturina indifesa (!) e gracile.

Se ciò non bastasse, volete che la nascita dell’Anticristo non smuova un megacomplotto mondiale che coinvolge (per ora) due fronti opposti, disposti a tutto pur di avere dalla loro il piccolo demonio?

Di più non voglio dirvi, vi lascio il piacere di scoprirlo pagina dopo pagina.

Già, perché il racconto del primo volume di Babyteeth ha un ritmo davvero frenetico, così come le vicende raccontate: non un attimo di tregua e vi ritroverete alla fine del volume con il cliffhanger tattico che vi lascerà moltissima acquolina in bocca, dato che la trama, nel corso dei primi cinque numeri originali raccolti in questo volume, ha appena cominciato a dipanarsi.

Per ora forse è presto per giudicare la storia nel suo complesso – ci mancherebbe, è qualcosa cui le moderne produzioni ci hanno ampiamente abituati – ma di certo non posso non giudicare positivamente il modo di narrare scelto da Cates.

Adrenalina, horror, ironia, mistero, cospirazioni: prendete questi ingredienti, mescolateli insieme ed otterrete ciò che accade quando fate la maionese. Se li mescolate male, fa schifo, se li mescolate bene, ne vorrete ancora. Il primo volume di Babyteeth mi pare proprio che rientri nella seconda casistica, pur prendendomi il rischio del giudizio prematuro.

Oh, però diciamocela tutta: è a questo che servono i numeri 1, no?

Disegni

La parte grafica del volume è appannaggio di Garry Brown alle matite e di Mark Englert ai colori e devo dire che non ci si può affatto lamentare.

Lo stile grezzo, graffiato di Brown lo trovo molto adeguato alla vicenda e uno stile del genere lo apprezzo sempre, a prescindere dalla vicenda. Mi sembra che il ragazzo se la cavi bene in due aspetti che in Babyteeth sono fondamentali: dettagli macabri e scene d’azione.

La colorazione di Englert la trovo ben fatta sia per quanto riguarda l’effetto sporco delle tavole, anche in presenza di colori brillanti (come luci al neon, ad esempio), sia per quanto riguarda l’utilizzo del pennarello nero (o perlomeno, credo sia proprio un pennarello quello utilizzato) che conferisce ai disegni un aspetto ancor più inquietante.

Per farvelo capire meglio, anziché fare tante chiacchiere, vi piazzo un esempio:

Edizione

L’edizione saldaPress vive della stessa qualità cui ormai i saldatori ci hanno abituati: immagino già la carta lucida da sfogliare, sulla quale potremo godere di una ricchissima gallery di cover variant realizzate da una marea di artisti.

Inoltre, in fondo al volume, qualche pagina sul processo di passaggio da sceneggiatura a bozzetto su tavola.

In conclusione

Da non amante degli horror, il primo volume di Babyteeth mi ha convinto quel tanto che serve per farmi desiderare di leggere quanto prima il secondo volume.

Da non amante degli horror, sto iniziando a fidarmi quasi ciecamente del catalogo saldaPress: in pratica è come se sapessi, anche se non amo alla follia il genere, che leggerò un racconto valido e che mi verrà voglia di continuare (così come ormai accade per Nailbiter, insomma).

Un volume certamente dal ritmo adrenalinico, con un incipit intrigante e che ben fa sperare per questa nuova serie alla prima pubblicazione italiana.

Certo, servirà almeno il secondo volume per farsi un’idea migliore, ma per ora va bene così.

Nerdando in breve

Una nuova serie a tinte horror con protagonista una comune sedicenne che partorisce nientemeno che l’Anticristo. Ditemi, come può non essere interessante? Dal catalogo Aftershock, l’ennesima serie interessante portata in Italia da saldaPress.

Nerdandometro: 3,6/5

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Ah, le leggende metropolitane. In un tempo non lontano, prima di internet e delle fake news spuntavano fuori storie assurde, tramandate oralmente tra amici e/o cuggini. Io sapevo quella dei coccodrilli nelle fogne di New York, ma pare che un’altra leggenda metropolitana – molto nota in America – sia quella dei cosiddetti black-eyed kids (no, non è una band di hip-hop, quelli sono i Black Eyed Peas). Talmente nota da farci un fumetto, Black Eyed Kids, scritto da Joe Pruett e disegnato da Szymon Kudranski.

Trama

Black Eyed Kids, per gli amici B.E.K. (no, non è un cantante indie, quello è Beck), è una serie AfterSchock, portata in Italia con la solita cura editoriale da SaldaPress. Di cosa parla B.E.K. e più in generale, cos’è la leggenda dei bambini dagli occhi neri?

La leggenda vuole che esistano dei bambini di età compresa tra i sei e i sedici anni, dalle pupille nere che possiedono grandi poteri mentali. Su questa base, Pruett ci racconta la storia di una tranquilla cittadina Americana in cui è notte, nevica e insomma da qui in poi la cosa non può prendere una svolta positiva. Strani ragazzini compaiono in parti diverse della città, commettendo crimini e in generale mettendo le persone a disagio.

Uno di questi ragazzi è Michael, che a un certo punto si ritrova con i famigerati occhi neri e da lì in poi la sua famiglia rimarrà inevitabilmente nella vicenda, così come la scrittrice Meredith e il poliziotto Jones.

Recensione

Non posso andare avanti perchè noi di Nerdando vogliamo bene ai nostri lettori, soprattutto quelli che amano l’horror, e siamo per natura contrari agli spoiler. Posso però aggiungere altri elementi. Ad esempio che questo volume non è altro che il primo di una serie (in America è appena uscito il terzo), quindi questi primi numeri servono a gettare le basi. Non aspettatevi una conclusione chiara. Anzi, la storia è praticamente appena cominciata.

Non disperate. Nonostante la mancanza di conclusione, il volume è interessante e vale la pena leggerlo. Ad esempio, per l’atmosfera. Ora, io non sono fan del genere, però qualche film horror l’ho visto e Pruett riesce a catturare quell’atmosfera opprimente e sul punto di diventare angosciante tipica di altri prodotti di genere. Mi ha ricordato The Fog di John Carpenter, ma giusto perché il più banale (e simile) Il villaggio dei dannati non l’ho mai visto.

Quindi, tutto il fumetto è ambientato di notte, manco fossimo in Transilvania o dove vivono i vampiri sbrillociccanti di Twilight. Ovviamente, se Pruett scrive e cerca di rendere la situazione angosciante, poi quelli che realizzano il tutto sono Kudranski ai disegni e Guy Major ai colori. Kudranski ha uno stile non particolarmente accattivante, vira sul legnoso in alcuni frangenti, ma è reso efficace dai colori di Major che rendono veramente oppressiva la storia e aiutano a trasmette le giuste sensazioni che una storia horror deve avere.

Non è che mi sia spaventato, non credo miri a quello la storia, ma di certo si rimane con un po’ d’inquietudine in alcuni frangenti, soprattutto nella prima parte, quando ancora si è completamente all’oscuro (ah-ah) di tutto. Sperando che l’inevitabile spiegone non sia una supercazzola fatta male, resto in attesa dei prossimi volumi.

Menzione d’onore per le copertine di Francesco Francavilla, decisamente sul pezzo e azzeccate con la storia.

Nerdando in Breve

Il primo atto di una serie horror che cerca di rispondere ad una delle più note leggende metropolitane d’America. Per i fan dell’horror ma anche per chi crede alle teorie cospirazionistiche.

Nerdandometro: 2,8/5

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Recensione

Per chi come me ha una formazione artistica, è un piacere ritrovare tutti quei piccoli riferimenti ad opere che hanno fatto in ambito pittorico la storia dell’arte, dallo Chat Noir di Theophile Alexandre Steinlen ai classici di Mucha, da Kandinsky a Mondrian.

Ma questo è solo un sotto testo.

Anche chi non è particolarmente avvezzo all’arte, sono sicura troverà questo fumetto interessante.

I personaggi sono ben caratterizzati e piuttosto classici: l’ispettore francese sull’orlo del licenziamento, la creativa piena di intuito, il gatto che fa le osservazioni più intelligenti, la carogna insospettabile, il cattivone che sotto sotto è un codardo.

Divertentissime le note a margine usate per illustrare i dettagli delle situazioni (non per enfatizzare un messaggio già chiaro, ma per rendere il contesto più simpatico).

L’uso dell’acquerello (o ecoline) e della matita dà corpo a tavole probabilmente buttate giù di getto, la cui spontaneità non fa altro che evidenziare quanto la comunicazione grafica manuale sia sempre più ricca ed apprezzabile rispetto all’uso del digitale, sia nel tratto che nella colorazione.

Mi è piaciuto il dinamismo, il modo in cui le figure cambiano forma per dar vita alla pagina, di come il lettering diventi parte integrante della storia, cambiando aspetto e colore anche a seconda del personaggio a cui appartiene.

Target

Per facilità di lettura, chiarezza di linguaggio e temi trattati Eleanor e l’airone è un fumetto adatto a qualsiasi età.

Trama

Parigi: un preziosissimo quadro viene rubato e l’ispettore Belanger ha soltanto una piuma bianca come unico indizio per trovare il ladro.
Eleanor non è solo l’occhialuta pittrice esperta di volatili, ma ha un segreto che condivide solo con Ellis, un airone piuttosto anomalo…

È una storia surreale questa, in cui gli animali sono dotati di pensiero e parola e in cui mangiando si cresce a dismisura; una storia in cui l’impossibile ed il quotidiano convivono nella più totale armonia.

Autori

Gli autori di questa graphic novel non sono certo due sconosciuti: John Layman è il creatore di Chew (fumetto di genere poliziesco che gli è valso un Harvey Award ed un Eisner Award) e ha scritto differenti sceneggiature per Godzilla, Marvel Zombies Vs. Army of Darkness, Cyclops, Thundercats e molti altri titoli.

Come lui stesso spiega nella prefazione del fumetto, ha scelto per illustrare questo lavoro Sam Keith (co-creatore di Sandman per DC Comics e disegnatore di tante copertine di Wolverine per Marvel Comics Presents) per la sua capacità di rappresentare la realtà in modo eccentrico e strano, sempre diverso.

In un momento in cui entrambi uscivano da un progetto cupo dopo l’altro, hanno sentito il fortissimo bisogno di lanciarsi in qualcosa di più fantasioso e solare, come questa storia.
Ed è evidente che si sono divertiti molto nella realizzazione di questa opera, traspare da tutti i dettagli delle pagine.

Va segnalato inoltre l’ottimo lavoro della colorista Ronda Pattinson, professionista canadese che da oltre quindici anni cura le immagini di editori come Marvel e DC Comics.

Nerdando in breve

Eleanor e l’Airone è un intrigante fumetto d’altri tempi, imperdibile per gli appassionati d’arte, soprattutto se amanti dell’Art Nouveau.

Nerdandometro: 3,8/5

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Gli animali parlanti non sono proprio una novità, soprattutto in chiave disneyana, ma che succede se tutti gli animali del mondo reale iniziano a provare emozioni e a parlare come gli esseri umani? Succede quello che Animosity prova a raccontare.

Animosity è una delle tante serie Afterschock portate in Italia da SaldaPress, una realtà che ci ha già regalato parecchi fumetti di buona qualità. La serie è tuttora in corso e posso già dire di essere molto curioso di leggere altre storie in questo mondo apocalittico creato da Marguerite Bennett e Rafael De La Torre.

Recensione

Lo spunto è semplice: un giorno tutti gli animali acquistano coscienza di sé e sono in grado di parlare con gli umani. Questo fatto, noto come Il Risveglio o Il Funerale, a seconda di chi parla, porterà il mondo sull’orlo della distruzione, perché tra umani e animali scoppierà una guerra sanguinosa e una feroce lotta per la risorse.

In questa situazione disperata la piccola Jesse e il suo cane Sandor (citazione da Games of Thrones che non ho colto ma che è spiegata nel fumetto) (la citazione si riferisce al Mastino n.d.r. Clack) intraprendono un viaggio da New York a San Francisco dove si trova il fratellastro di Jesse.

La storia è raccontata attraverso numerosi flashback, tra il passato prima del Risveglio e la situazione post-apocalittica successiva, saltando un paio di momenti che probabilmente verranno mostrati più in là e che non vi svelo perché sarebbero spoiler che non voglio farvi. Sembra una struttura difficile da seguire ma non è così, anzi un plauso va fatto a Bennett per riuscire a rendere tutto lineare e semplice nonostante i diversi piani temporali.

Di che parlano gli animali?

Se la storia è tutto sommato già vista (quanti mondi post-apocalittici con viaggi da una parte all’altra del mondo abbiamo visto/letto?), ho trovato lo spunto interessante e divertente da rendere tutto fresco e intrigante. Sopratutto perché Bennett arricchisce la trovata portante della serie con piccoli tocchi grotteschi e umoristici che danno grossa profondità al mondo creato. Due esempi per tutti, i panda suicidi e i pettirossi in crisi matrimoniale.

In qualche momento mi sono ritrovato a volere più pezzi ambientati tra gli animali senzienti che non altre scene della storia principale tra Jesse e Sandor. Questo non vuole essere assolutamente una bocciatura della storia principale, anzi. Le vicissitudini famigliari pre e post Risveglio sono scritte benissimo e con tanta dolcezza. Sandor è un personaggio sfaccettato e che promette di avere un’evoluzione (ah-ah) notevole. Quanto a Jesse, beh è una bambina e viene evitato il rischio di avere una bambina rompicoglioni come protagonista, sempre molto alto in prodotti con bambini protagonisti. Per fare un paragone fumettistico, leggere Animosity mi ha fatto ripensare a quando leggevo Y – L’Ultimo Uomo, che credo sia un grandissimo complimento.

Inoltre, Animosity ha un altro grande pregio: è un fumetto intelligente. Non è una cosa scontata, soprattutto se parliamo di fumetti di genere. Qui lo spunto fantascientifico viene usato anche per ragionare su temi assolutamente non banali come l’io e la coscienza di sé. E lo fa in maniera leggera, senza spiegoni o paroloni, ma perfettamente in contesto con la storia. Il discorso non si è esaurito in questo volume, mi aspetto quindi nei prossimi numeri altri ragionamenti del genere sopratutto se poi si verrà a scoprire cosa ha causato il Risveglio. In tutto questo, Bennett evita (finora) di parlare in maniera moralizzante di diritti degli animali e/o dieta vegetariana o vegana. Non che non trovi questi argomenti importanti, ma mi avrebbero fatto storcere il naso in questa storia e francamente non sono argomenti di cui mi interessa tanto leggere fumetti.

Parlando dei disegni, non conoscevo Rafael De la Torre. Anzi all’inizio pensavo che fosse Roberto De la Torre (che ha disegnato parecchie serie Marvel) anche per lo stile vagamente simile. Non è il disegnatore che pensavo, ma non c’è da preoccuparsi, i disegni sono comunque di ottimi livello, nel solco di un altro disegnatore latino, Salvador Larroca, che è spagnolo ma non fa niente (per la cronaca, Rafael De la Torre è brasiliano). Non solo gli umani, ma anche gli animali sono sempre ben disegnati, realistici sia in assoluto che per il loro uso all’interno della storia: e non deve essere stato per niente facile disegnare decine di specie animali diverse e farle interagire in maniera fluida.

Nerdando in breve

Animosity è un mondo nuovo da esplorare e da conoscere, in compagnia dei nostri amici animali che però questa volta non sono proprio mansueti.

Nerdandometro: 3,6/5

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Non ricordo di preciso come e quando ma ho sempre amato molto il genere bellico. Film, libri (romanzi e non), fumetti, videogiochi, non importa il mezzo, ma l’argomento. Dunque come potevo non essere interessato a questo Dreaming Eagles, portato in Italia da SaldaPress. Tanto più che questa serie Aftershock è scritto da Garth Ennis, i cui fumetti di guerra sono tutti splendidi (Enemy Ace, Battlefields, War Stories).

Recensione

Quante storie si possono ancora raccontare sulla Seconda Guerra Mondiale? Tantissime, perché fu un evento davvero gigantesco che si presta a storie di tutti i tipi. Lo sa bene Ennis che ha scritto parecchi fumetti ambientati durante l’ultimo conflitto mondiale, spaziando tra i vari fronti di guerra e i diversi eserciti.

In Dreaming Eagles Ennis racconta la storia dei primi piloti afroamericani e del loro ruolo sul fronte occidentale. Il tutto ci viene raccontato da Reggie Atkinson, uno dei piloti, che nel 1966 a guerra finita ma con nuovi problemi razziali racconta al figlio la storia del suo reggimento, le difficoltà incontrate sia per il problema razziale, sia per le difficoltà tecniche di combattere i nazisti con aerei inferiori.

La cornice narrativa serve perché il figlio di Reggie partecipa alle proteste per i diritti civili capitanate da Martin Luther King. Dunque è un modo per tracciare un parallelismo tra due generazioni di afroamericani. Però è spesso un po’ troppo invasiva e impedisce di entrare davvero nella storia dei piloti afroamericani, sopratutto nelle scene quotidiane. Restano in superficie alcuni dei temi e non spiega al meglio le motivazioni dei protagonisti, impegnati a combattere anche una guerra interna al razzismo imperante.

Infatti all’epoca non esistevano reparti misti, bianchi e neri non potevano servire insieme e i neri erano apertamente considerati inferiori e non in grado di essere niente di più di inservienti. Quindi Reggie e il suo reggimento, i famosissimi Tuskagee Angels, devono sempre dare il massimo per provare agli altri che non sono inferiori. Una situazione di razzismo istituzionale che non è così dissimile rispetto a quello che dicevano e facevano i nazisti verso i non ariani. Ma la forza e la speranza che la situazione possa e debba migliorare è il carburante che manda avanti i protagonisti di questa storia. Ennis in altre storie di guerra è più sentito e lirico, ma ciò non toglie niente a questa storia che è una bella storia che valeva la pena raccontare.

I disegni

A dare forza alla vicenda ci pensano i disegni di Simon Coleby dettagliati e senza fronzoli. Gli appassionati di aeronautica militare troveranno tantissime scene di battaglie aeree e primi piani di aerei storici, con parecchie splash page per godere appieno dei disegni. Ci sono tutti gli aerei del periodo dai P-40, ai Messerschmitt 262, primi caccia a reazione. Personalmente non sono mai stati un grosso amante di questo aspetto dei fumetti di guerra, ma le tavole aeree sono la parte migliore del titolo e valgono il prezzo del biglietto. Ennis stesso nelle note a fine volume dice che ha voluto dare una forte impronta tecnica alla storia per far capire al lettore le difficoltà incontrate dai piloti.

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Una parte della Seconda Guerra Mondiale non famosissima, almeno da noi, raccontata con perizia e attenzione ai dettagli attraverso il filo rosso che arriva fino all’America dei nostri giorni.

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C’è stato un periodo in cui Paul Jenkins era uno degli autori Marvel più in vista e io adoravo il suo Uomo Ragno. L’avevo perso di vista, ma ricordo con immenso piacere molte sue storie. Per cui sono stato molto contento di leggere Replica, la sua nuova serie pubblicata in America da Afterschock Comics e in Italia da SaldaPress, come American Monster.

Recensione

In futuro l’umanità e svariate razze aliene cercano di convivere nel Transfer, una specie di pianeta orbitante nello spazio, costruito da una razza poi scomparsa. Una città ha bisogno di polizia e l’unico poliziotto terrestre è Trevor Carter. Stressato, demoralizzato ma senza potersi licenziare, Trevor decide di clonarsi, ma invece di un clone, se ne ritrova cinquanta! Non tutto il male viene per nuocere, visto che cinquanta cloni possono servire per indagare sull’omicidio di un diplomatico.

Già dal mio breve riassunto si capisce che la serie ha un tocco surreale con situazioni paradossali e al limite, in perfetta tradizione inglese. In effetti abbondano le battute e le situazioni divertenti, con Trevor che è un protagonista sboccato e scazzato all’ennesima potenza e i suoi cloni sono tutti funzionali alla storia e divertenti, per tacere di Vorgas, un alieno incapace di comprendere anche gli ordini più semplici.

Per rendere il tutto credibile ci vogliono disegni all’altezza e devo dire che Andy Clarke riesca nel compito, differenziando per bene i cloni e rendendo credibili e verosimili le razze aliene. Clarke lavora da parecchi anni tra Marvel e DC e probabilmente ho già letto storie da lui disegnate, ma non me lo ricordo mica. Qui ha uno stile solido e classico, con linee di china che rendono i suoi disegni simili allo stile di David Finch, legnosità compresa, ma senza la sua ipertrofia.

Sbirri futuri e problemi attuali

La storia di base è un procedurale/poliziesco, con qualche tocco politico (un altro classico degli scrittori inglesi, quasi sempre assente nei colleghi americani). All’apparenza quindi niente di nuovo, ma il fumetto sfrutta al massimo l’ambientazione di fantascienza rendendo fresca e interessante una vicenda altrimenti già vista.

Per cui non solo l’uso dei cloni, ognuno con la sua personalità, ma anche l’incontro/scontro con le varie razze aliene, con tutti i problemi di convivenza (legale e non solo). Replica, come nella migliore tradizione della fantascienza, usa la fantasia e l’incredibile per descrivere e analizzare il presente. Risulta evidente sopratutto nell’utilizzo degli Scarlet, razza senza scrupoli che usa ogni mezzo per aggirare le leggi universali del Transfer, rifiutando la convivenza e non rispettando le altre razze aliene. Personalmente mi hanno fatto pensare a come spesso si muove la Russia di Putin, magari altri ci vedranno altre entità/Stati. Alla fine è questo il bello della fantascienza, diciamo intelligente, per mancanza di altri termini.

Non è tutto rose e fiori, perché il volume finisce quasi sul più bello, lasciando aperte ancora alcune questioni e senza farci vedere le conseguenze della risoluzione del caso, ma sono sicuro che le storie successive chiuderanno il cerchio. Per il momento, Replica resta una storia divertente e con diversi spunti da esplorare.

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La fantascienza che ci piace: semplice, divertente ma piena di spunti e agganciata al presente. Ed è pure ben disegnata!

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