Il 18 giugno 2025, nella poliedrica location degli eStudios di Milano, si è tenuta la sesta edizione di Join the Indie, una giornata di incontro fra sviluppatori di videogiochi indipendenti italiani e giocatori, in una reciproca conoscenza a base di chiacchiere e demo da provare.

Il pubblico ha potuto accedere all’evento (gratuito) dalle 15.00, provando i giochi e facendo domande direttamente ai loro creatori. Oltre agli incontri informali, sono stati previsti diversi Meet & Greet, talk e conferenze grazie alle quali entrare nel vivo del videogame indie, scoprendo i dietro le quinte che trasformano le idee in opere compiute con le quali trascorrere il tempo.

La sera, infine, il programma vedeva un incontro fra violino, pianoforte e voci, in un concerto perfettamente in tema con la giornata. Camilla D’Onofrio, Ilona Ivanova, Mariya “Melethiel” Anastasova e Mark Choi: questi i protagonisti previsti per il concerto, pronti a spaziare da Zelda a Death Stranding, passando per Undertale e Baldur’s Gate 3.

Tuttavia, prima che Join the Indie aprisse le porte al pubblico, è stata pensata una mattinata per la stampa in cui ho avuto la possibilità di provare alcuni dei giochi presenti e scambiare due chiacchiere con i loro creatori, ma anche di assistere alle presentazioni dei titoli fatta da ciascuno sviluppatore sul palco dell’evento. Non entrerò qui nel dettaglio di ogni gioco, mi limito ai tre che mi hanno colpita di più; per un elenco completo dei titoli presentati, vi rimando invece al sito ufficiale dell’evento.

Trident’s Tale

Lo studio 3D Clouds presenta due titoli nuovi: Formula Legends, incentrato sulle corse automobilistiche e Trident’s Tale, action-adventure game dalle grafiche cartoonesche. Questo titolo mi ha entusiasmata subito, sia per lo stile dei personaggi, che appunto rimandano ai titoli kids di cui 3D Clouds si occupa solitamente, sia per genere e storia. Una piratessa deve salvare il padre e per farlo si avvarrà dell’aiuto di un’inaspettata alleata, contrastando orde di scheletri fantasma e nemici pronti a inseguirla per terra e per mare. Il gioco è doppiato in inglese ma i sottotitoli sono disponibili in molte lingue, italiano incluso; è disponibile sulla maggior parte delle piattaforme videoludiche, essendo sia uscito sia su Steam che su console.

Umbral Core

Umbral Core è un fighting game in 2.5 dimensioni, ossia con lo sfondo in 2 dimensioni e i personaggi in 3. Sviluppato da A Few Round Games, Umbral Core è un picchiaduro a tinte dark: vampiri e creature della notte si sfidano in combattimenti classici che promettono di intrattenere i giocatori. Mi ha colpito per la grafica e per il genere, grande classico sempre d’effetto per sfidare i propri amici. Di prossima uscita, è già inscrivibile nella propria wishlist su Steam.

Stonemachia

Stonemachia, letteralmente “battaglia di sassi”, è un titolo di imminente uscita con elementi soulslike. Crossfall Games ha infatti creato un’avventura originale a partire dall’ambientazione: siamo in Italia, alle prese con un viaggio che ricorda quello dantesco, e impersoniamo Zefiro, un pedone degli scacchi. Lo stone del titolo rimanda infatti all’essenza del protagonista, dei suoi alleati e di molti suoi nemici: pezzi solidi e compatti, che prendono vita per tessere le reti della storia. Come mai questa scelta? Solo un espediente narrativo? In realtà il creatore ha confessato la propria difficoltà nel realizzare le gambe e le loro animazioni. “Non sapevo come farle”, ci ha detto, “così non le ho fatte”. Se il trailer vi ha messo curiosità, sappiate che su Steam c’è già una demo giocabile.

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Il 27, 28 e 29 marzo, nei cinema aderenti, troveremo Imagine Dragons: Live From The Hollywood Bowl (with the LA Film Orchestra), il film-concerto della nota band statunitense. Ben McKee (basso), Dan Reynolds (voce, chitarra e pianoforte) e Wayne Sermon (chitarra), con il contributo di Andrew Tolman (batteria, percussioni), intratterranno il pubblico in sala con oltre due ore delle loro canzoni, caratterizzate da una sonorità tutta nuova grazie alla collaborazione con la Los Angeles Film Orchestra. Più di quaranta artisti calcheranno contemporaneamente il palco dell’Hollywood Bowl, confezionando uno spettacolo inconsueto ma entusiasmante, distribuito in esclusiva nei cinema italiani da Nexo Studios.

Il concerto al cinema

Prima di vedere Imagine Dragons: Live From The Hollywood Bowl, non avevo mai visto un concerto al cinema. In compenso mi piacciono molto le canzoni degli Imagine Dragons, che ascolto da quando frequentavo il liceo (periodo in cui riuscivo ancora a ritagliarmi del tempo per suonicchiare la tastiera, sulla quale mi divertivo a strimpellare Radioactive). Mai stata una brava musicista, solo un’entusiasta suonatrice di musiche che per fortuna hanno sentito solo i muri di casa e le orecchie di mamma.

Proprio per questa ragione, sono andata all’anteprima stampa piena di curiosità e un po’ di emozione, pronta a godermi due ore di musica nota e nuova al tempo stesso. Posso dire di esserne uscita entusiasta e anche un po’ commossa: in due occasioni, infatti, Reynolds ha condiviso storie dense di emotività che amplificano il significato di Walking the wire e It’s time.

Durante le quasi due ore, sullo schermo vediamo susseguirsi circa venti canzoni fra le più iconiche della band, tutte ri-arrangiate personalmente dal direttore d’orchestra Inon Zur. Uno spettacolo coinvolgente e musicalmente vario, con tanti archi e ottoni che colorano i suoni di tanti timbri differenti, lasciando spazio saltuariamente a qualche assolo di violino, violoncello e percussioni.

Un vantaggio dei concerti ripresi e proiettati, anziché vissuti dal centro-calca, ho poi scoperto essere quello della prospettiva. Per esempio, durante Radioactive, l’inquadratura si allarga rivelando l’Hollywood Bowl come un cuore rosso e pulsante, stagliarsi dal centro della trafficata notte statunitense. La grande strada intasata di luminose e sfreccianti vetture, accanto alla conchiglia vibrante, aumenta l’immagine circolatoria del quadro, creando un insieme organico e sinfonico di cui difficilmente ci si accorge stando in mezzo alle cose. E credo che questo sia il succo di ciò che mi son portata a casa dal cinema: un’esperienza immersiva e coinvolgente, che però ti ricorda di essere parte di un mondo più ampio.

In conclusione

Come la visione di Imagine Dragons: Live From The Hollywood Bowl mi ha ricordato, in un modo o nell’altro alcune loro canzoni si sono inaspettatamente legate a certi momenti della vita: pensate a Whatever it takes, celebre hit del 2017 utilizzata come base per i meme su cui svettava Mario Draghi in uno dei suoi discorsi durante il lockdown. Oppure a Enemy, che nel 2021 è stata diffusa come opening ufficiale di Arcane, la serie d’animazione Netflix ambientata nell’universo di League of Legends.

Molte persone magari li hanno intercettati grazie a Not today, che nel 2016 si è consolidata come parte della colonna sonora di Io prima di te, pellicola romantica e drammatica con Emilia Clarke e Sam Claflin. E poi, come spesso fa la musica, magari in tanti fra voi hanno legato una loro canzone a un momento personale della propria vita: uno fra i miei è connesso a Believer, uscita nel 2017 e tutt’oggi usata dalla personal trainer di un corso che frequento in palestra come base su cui fondare un intenso esercizio per allenare i tricipiti. Forse non il modo migliore per ricordare una canzone, ma tant’è.

Di base, comunque, consiglio la visione soprattutto se avete voglia di prendervi un momento di pausa dalla frenesia del quotidiano per concentrarvi sull’ascolto puro: le canzoni non accompagnano uno spettacolo ma lo costituiscono e band, Orchestra e comparto video la sostengono nel suo ruolo da protagonista. Un’esperienza insolita, come dicevo, che son però molto contenta di aver potuto fare.

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Il 2 luglio, nel Museo Nazionale del Cinema, con sede nella Mole Antonelliana di Torino, è stata inaugurata la Video Game Zone, un’area permanente dedicata alla storia del videogioco. Per l’occasione, il creatore di videogiochi e fondatore di Quantic Dream David Cage ha ricevuto il premio Stella della Mole.

David Cage è Stella della Mole

Il motivo per cui, per la prima volta in assoluto, vince il primo non un operatore del mondo cinematografico, bensì di quello videoludico, è che <<da oltre 25 anni, David Cage ha aperto una nuova strada al modo in cui si concepiscono e fruiscono i videogiochi, andando oltre i modelli tradizionali basati su sfide complesse, azioni frenetiche e game over.

Le produzioni della società francese Quantic Dream si distinguono per la straordinaria capacità di combinare narrazione emotiva, tecniche cinematografiche avanzate e innovazioni tecnologiche. C’è un prima e un dopo David Cage nella considerazione del videogioco come linguaggio di espressione culturale.

La sua visione creativa, espressa attraverso titoli iconici come Heavy Rain, Beyond: Two Souls e Detroit: Become Human, ha dimostrato come i videogiochi possano esplorare tematiche profonde, stimolare riflessioni etiche e sociali e coinvolgere emotivamente il pubblico>>.

Per questa ragione, il Museo Nazionale del Cinema di Torino ha riconosciuto con il premio Stella della Mole il valore del suo contributo artistico e della sua dedizione alla sperimentazione e all’innovazione.

La Video Game Zone

Il Museo Nazionale del Cinema non consiste semplicemente in un punto d’interesse legato alla storia e all’archeologia, ma anche in un luogo di attualità e contemporaneità. Per questo motivo, si è deciso di creare uno spazio permanente destinato al videogioco. Non sarà possibile giocare ma si potranno conoscere i retroscena e i dettagli del mondo videoludico, nell’apposita saletta.

Il Museo si prefigge l’obiettivo di iniziare a conservare, insieme a cimeli e film in pellicola, anche videogiochi e materiale proveniente dall’universo del gioco digitale.

La maggior difficoltà riscontrata finora è stata convincere le aziende del settore a declassificare come top secret tanto materiale legato a titoli storici, così da consentire ai non addetti ai lavori di fruirne attraverso il dispositivo museale.

Fabio Viola, gamification designer e collaboratore del Museo Nazionale del Cinema, ci ricorda che qualcosa diventa arte e cultura solo quando musealizzata: ecco allora che per raggiungere tal fine, si sceglie di riconoscere uno spazio apposito, all’interno di un’istituzione di caratura nazionale, anche al videogame.

Sul sito del Museo, nell’area apposita,  sono già disponibili alla consultazione tanti materiali afferenti alla Video Game Zone. La mostra fisica invece ha attualmente dimensioni contenute ma è in continua espansione. Intanto, però, anche il videogioco entra nei musei e lo fa in maniera permanente e riconosciuta a livello nazionale: un battito d’ali che nel suo spostamento d’aria anticipa un vento di cambiamento.

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Il 19 giugno è uscito su Storytel Vedo gente, il primo libro di Francesco Muzzopappa ad essere uscito come esclusiva per l’ascolto. Se infatti su Storytel, servizio di abbonamento a e-book e audiolibri, possiamo intrattenerci con tanti degli altri libri dell’autore, Vedo Gente è il suo primo romanzo a non essere uscito anche in formato cartaceo. La scelta riecheggia in alcune sottigliezze del teso, letto da Alessandro Tiberi, con frasi quali “come potete sentire” rivolte al pubblico, che aumentano l’immersività dell’ascolto e incrementano il senso di essere in compagnia di una persona che ci sta raccontando una propria storia personale.

Trama

Vedo gente racconta la storia di Lorenzo Scianna, giovane scrittore assai erudito che vive il dramma dell’indifferenza da parte di un pubblico troppo bombardato dai prodotti letterari per accorgersi di lui. Una sera, immerso nelle elucubrazioni sulla propria condizione esistenziale, incontra Franz, vecchio amico d’infanzia. Dal confronto con lui e cercando di aiutarlo nella conquista della persona amata, il nostro Lorenzo s’imbatte in Nina Pechino, celebre influencer all’inizio del proprio tramonto, con la quale ha in comune probabilmente solo due cose: il fatto di essere entrambi umani, e un’altra, che non sto a dirvi altrimenti vi rovinerei la sorpresa.

Contenuti

La storia di Lorenzo ci viene raccontata in otto episodi sagaci e pieni di arguzia, in un’aperta critica al saturo mondo dell’editoria. La storia di Vedo gente è leggera, una commedia romantica che si ascolta volentieri, con abbastanza linearità da consentire un ascolto anche se alle prese con attività manuali, ma con tanta ironia e sarcasmo da rendere il tutto un sottofondo assai godibile. Nel complesso l’ho trovato per nulla banale e bilanciato, con tratti di originalità molto acuti e coinvolgenti.

Tutti gli accadimenti e le circostanze in cui si verificano, mi hanno portata a interrogarmi sul punto di vista “degli altri”: potendo entrare nel racconto, mi piacerebbe rivestire i panni di un’osservatrice e prestare attenzione alle espressioni di chi si ritrova a fare da sfondo alle vicende. Cosa sarà passato nella testa delle comparse? Probabilmente il dubbio è indotto, non innato: Lorenzo ci racconta la propria storia direttamente, chiedendosi lui stesso cosa starà pensando “la gente”. Caro Lorenzo, me lo chiedo anch’io.

Commento

Rispetto ad altri libri di Muzzopappa (che ho sempre ascoltato su Storytel, salvo un paio, di cui ho anche letto il cartaceo), ammetto che Vedo gente ci ha messo un po’ di più a prendermi. Probabilmente, perché Lorenzo Scianna non rappresenta il prototipo di persona affabile con cui andrei d’accordo, e lì per lì l’ho trovato un po’ antipatico.

Come accade con le storie migliori, però, da un certo punto in poi è scattata quella scintilla che ha saputo catturarmi e indurmi a un binge-listening (esiste?) con il quale ho raggiunto la fine in tempi rapidissimi. Complice anche Franz, personaggio sul quale non mi dilungo per non rovinarvi l’ascolto, ma la cui natura ed estroversione mi hanno ricordato amici analoghi che crescendo ho smesso di frequentare. Forse che un giorno in cui in stallo ci sarò io, un analogo incontro sarà altrettanto provvidenziale?

Info tecniche per l’ascolto di Vedo gente

Storytel esiste sia come sito web, sia come app (che è come lo uso io di solito). A velocità standard (ossia 1.ox), l’ascolto di Vedo gente dura quasi 9 ore (per la precisione, 08 ore 58 minuti e 17 secondi!), ma personalmente l’ho trovato più godibile leggermente velocizzato. Sull’app è possibile personalizzare la velocità di ascolto, che per questa particolare opera ho impostato a 1.2x.

In conclusione

Vedo gente è un romanzo episodico che mi ha intrattenuta e divertita, facendomi riflettere e spingendomi a commentare a voce alta quel che accadeva. Il divertimento non deriva tanto dalla storia né dalla vicenda, ma dalla scelta lessicale della narrazione. Uno dei motivi per cui considero Muzzopappa un autore intelligente sono gli incisi con cui si arricchiscono le vicende dei suoi personaggi. Caratteristica distintiva delle sue opere è l’uso calibrato di analogie, metafore e paragoni di quel che accade con qualcosa di apparentemente lontano, ma che rivela una comunanza profonda, portata alla luce da un pensiero laterale applicato con arguzia.

Se siete alla ricerca di un ascolto simpatico e non troppo impegnato, ve lo consiglio caldamente (soprattutto se dello stesso autore avete apprezzato Heidi e Dente per dente).

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Nerdando in breve

Se avete voglia di leggere un libro con le orecchie, in particolare una commedia sentimentale in forma di serie comedy, con retroscena non banali ma pur sempre semplice e leggera, Vedo gente, di Francesco Muzzopappa, potrebbe essere l’ascolto che fa per voi. Lo trovate esclusivamente su Storytel.

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Netflix & teen drama 

Chi frequenta le piattaforme di streaming avrà ben in mente la categoria dei titoli suggeriti perché hai guardato, ossia quell’elenco di film e serie TV che l’algoritmo ci propone perché abbiamo guardato qualcosa che assomiglia, in qualche modo, a quelli consigliati. Un denominatore che accomuna molti di quelli che Netflix propone alla sottoscritta è il fatto che la popolazione protagonista sia in piena fase adolescenziale.

Dopo 13 Reasons Why, Sex Education e le prime stagioni di Riverdale, Fate: The Winx Saga e molti altri cosiddetti teen drama, il colosso americano ha iniziato a suggerirmi altre serie, simili a queste, ma girate e prodotte in Italia.

È il caso di Mare Fuori, Braccialetti Rossi, Un professore o Skam Italia, serie a cui mi sono avvicinata ma che (tranne l’ultima) non mi hanno coinvolta particolarmente. Eppure, mi hanno portata a riflettere su quanto effettivamente tutte queste serie altro non siano che una diversa declinazione dello stesso format: adolescenti in eterotopie.

Eterotopia

Con il termine eterotopia, Michel Foucault indicava quei luoghi-altri, quei posti concretamente esistenti e situati nello spazio, nei quali però sono in vigore delle regole (o vere e proprie leggi) talmente particolari, da rendere quegli ambienti dei topoi diversi da tutti gli altri.

Pensate per esempio ai luoghi di culto: viene considerata una prassi di buona educazione togliere il cappello in alcuni edifici sacri e indossarlo in altri, ma al di fuori di quegli spazi e salvo eccezioni, non vi sono leggi che regolamentino in generale l’utilizzo del cappello.

L’esempio più eclatante di eterotopia è forse il carcere: luogo imputato a limitare il diritto alla libertà, nel quale si è tenuti a rispettare delle regole comportamentali che fuori da quello spazio non necessariamente valgono (pensate per esempio all’uso dello smartphone, che fuori dagli istituti penitenziari, e da pochi altri luoghi, non è vietato).

Le eterotopie delle serie teen: il carcere, l’ospedale

Guardando qualche puntata (o stagione) delle serie citate sopra, mi sono accorta di quanto l’ambientazione rivesta un ruolo centrale ai fini della trama, tanto da risultare, a volte, come un protagonista silente. Non mi riferisco solo al set e alle stanze in cui fisicamente vengono girate le scene, ma al fatto che le limitazioni agli accadimenti dovute al posto in cui è situata la storia, diventano parte integrante del tessuto narrativo.

Pensate a Mare Fuori, serie ambientata in un Istituto Penitenziario Minorile (IPM) all’interno del quale, per ovvie ragioni, vigono delle restrizioni a ciò che si può e non si può fare. L’IPM, però, diventa personaggio vero e proprio in almeno due momenti: il primo, quando i ragazzi lo nominano, presentificandolo all’interno dei loro discorsi; il secondo, ancor più evidente, nelle scene girate tipo flash-back, fuori dall’IPM stesso. Il contrasto fra ciò-che-è e ciò-che-non-è possibile, nel confronto fuori/dentro, rende ancor più cruciale il ruolo del posto in cui si svolge la storia.

Se l’IPM non fosse un’eterotopia abbastanza ristretta, poi, c’è quel posto ancor più estremo in cui sono ambientate certe storie: l’ospedale. In Braccialetti Rossi (ma anche in tanti film quali A un metro da te o Noi siamo tutto, per dirne due), la vita di giovani pazienti ci viene raccontata attraverso la cornice degli ambienti asettici, abitati da persone in camice. La clinica è presente in quasi ogni fotogramma, nel quale si alternano sofisticate apparecchiature che aumentano il distacco fra noi e loro: noi, che siamo fuori, loro, che sono dentro; loro, che sono giovani, noi, che siamo anche adulti.

L’eterotopia per eccellenza: la scuola

Similmente accade nelle serie ambientate a scuola, come Un Professore o SKAM Italia: l’istituto scolastico appare come la lente attraverso la quale ci è concesso conoscere i personaggi. Nelle dinamiche fra i banchi e in corridoio, nelle effrazioni e nell’essere ligi, si giocano le caratterizzazioni dei personaggi più strutturati. Tuttavia, è solo nelle scene ambientate fuori da scuola che entriamo in contatto con i vissuti, i pensieri e le emozioni preponderanti dei protagonisti: quando cioè muta il dispositivo e può emergere l’essere umano a tutto tondo, che è anche altro oltre al ruolo di studente. Persone che sono tanto altro che semplici frequentatrici di una certa classe. Per la maggior parte della storia, però, conosciamo questi giovani solo nella parte di alunni, come se la complessità che li pervade fosse qualcosa troppo difficile da raccontare in maniera più completa.

Da qui, le mie domande: perché per raccontare l’adolescenza ricorriamo così spesso alle eterotopie? È ovvio che se una persona passa la maggior parte delle sue giornate in un posto (tipo la scuola), per raccontarne la vita, parte della narrazione sarà inevitabilmente situata in quel posto. La mia domanda è più trasversale: saremmo in grado di raccontare l’adolescenza a tutto tondo? È possibile parlare della gioventù di oggi senza rinchiuderla in un luogo altro, con leggi autonome e restrittive? Riusciamo a trasmettere la complessità dell’adolescenza, senza restringere il nostro punto di vista a pochi aspetti soltanto?

Una tendenza spiccatamente italiana?

Se dagli Stati Uniti (ma non solo) il dramma adolescenziale ci viene raccontato in ambienti diversi, quelli in cui i giovani effettivamente passano il loro tempo (non solo la scuola ma anche casa, casa di amici, luoghi naturali, ambienti ricreativi, palestre,…), in Italia mi sembra ci sia una tendenza più spiccata a raccontarli sempre partendo da un ben determinato luogo-altro.

I giovani, questi esseri interessanti e caotici di cui riusciamo a parlare meglio se li lasciamo rinchiusi da qualche parte, e attraverso il filtro che il luogo crea, li raccontiamo. Ne raccontiamo gli intrecci, i gossip, le evoluzioni e le crescite, ma sempre con una certa distanza, come se fossero delle interessanti cavie e noi riuscissimo a capirli (e, quindi, a parlarne) solo attraverso un vetro semiriflettente.

Il discorso, poi, lo potremmo estendere anche a un gruppo protagonista un po’ più cresciuto (pensate a quante serie ambientate in ospedale, non solo italiane), anche se credo che in questo particolare caso, il distacco sia più dal dolore che dalle relazioni.

È come se potessimo conoscere l’alterità solo mettendoci abbastanza spazio, come se ci servisse essere al sicuro da tutte quelle emozioni che altrimenti minaccerebbero di travolgerci.

È davvero così? Ci serve davvero la proverbiale giusta distanza per raccontare le nuove generazioni? Non siamo forse stati giovani noi per primi? Non sarebbe forse più efficace, allora, avvicinarci all’altro e ricongiungerci all’altro-che-siamo-stati?

Da quando lavoro a scuola fatico a reggere le serie che a scuola ci sono ambientate, pallido simulacro di una realtà ben più complessa e difficile da conoscere, che forse, proprio per questo, siamo portati a semplificare. Forse è solo che la complessità della gioventù ci fa paura, così come la novità che porta, e allora la rinchiudiamo in luoghi altri e la paura non c’è più.

Attendo con ardore un teen drama ambientato sui treni regionali, che come eterotopia calzano a pennello.

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Venezia Comics, il Festival del fumetto e della cultura pop di Venezia, accoglierà visitatori entusiasti nel week end del 4 e 5 maggio 2024, a Forte Marghera. La fiera si svolgerà dalle 10.00 alle 19.00, anche se l’area food rimarrà aperta fino alle 23.00. Il costo del biglietto si aggira intorno ai 6,00€, con sconti ed eccezioni: per tutte le informazioni vi rimando direttamente alla biglietteria online.

Organizzata da VeneziaComix, la fiera si prepara alla sua undicesima edizione con un ampliamento degli spazi previsti nelle annate precedenti, aggiungendo tante iniziative coinvolgenti.

Tutto avrà inizio sabato 4 maggio alle 11 con la conferenza stampa di presentazione della mostra dedicata all’escape room da tavolo La fuga di Velia, sulla fuga della vedova Matteotti dall’Italia. A presentarla, la direttrice dell’Archivio di Stato di Rovigo Maria Volpato, il direttore di Officina Meningi Valentino Sergi e gli artisti coinvolti nella creazione del gioco: Atropo Kelevra e Andrea Longhi.

Il festival del fumetto…

La mostra mercato si conferma il perno attorno al quale ruota la fiera, con due padiglioni interamente dedicati alla vendita dei fumetti, libri, giochi, gadget e ogni altro item che possa venirvi in mente. Le case editrici presenti sono sempre di più col passare degli anni: ecco che in questa edizione troveremo Becco Giallo, Sigaretten Editori, In Your Face Comix, Storytelling, Feltrinelli con uno stand interamente dedicato alla Cina, Jundo e Bugs Comics.

Come è tipico per le fiere di settore, anche Venezia Comics ospiterà figure di spicco, fra cui Vincenzo “Viska” Federici, l’attuale disegnatore negli Usa della nuova serie delle Tartarughe Ninja, Valerio Held, Alberto Lavoradori, Enzo Troiano per il fumetto e Zoltar, Spartaco Albertarelli, Francesco Nepitello e Leo Colovini nell’area gioco.

La Self Area, tempo permettendo, guadagnerà uno spazio all’aria aperta, con una serie di gazebo ricchi di fumetti indipendenti e autoproduzioni. A questo va ad aggiungersi la nuova area tematica Avalon, interamente dedicata agli universi fantasy, che ospiterà eventi dedicati al mondo magico, food truck ed espositori abili nell’arte dell’hand made.

Se poi voleste dedicarvi alle arti grafiche, sappiate che Mangaschool Venezia ha in serbo dieci appuntamenti, da due ore ciascuno, per introdurre ragazzi e bambini al mondo del disegno.

…e della cultura pop

Nell’edizione 2024 di Venezia Comics, torna anche l’ormai tradizionale gara Cosplay (sempre a cura di Tanagura) che vedrà alternarsi sul palco personaggi accuratamente ricreati, per tutta la durata di domenica pomeriggio. Nel resto del tempo, l’area palco sarà in mano a tre diverse crew di k-dance; la sera, invece, video-set a tema cartoni animati e revival anni ’80 e ’90.

Come dicevo, diversi ospiti si alterneranno nelle due giornate. Durante Venezia Comics si terranno incontri con gli autori, mostre e conferenze, con un intero padiglione per talk e mostre. Fra i molti appuntamenti, vi segnalo quello per i 50 anni di Dungeons & Dragons, Fumetti di Menare e la presentazione del Premio Archimede.

Sette le mostre visitabili: cinque allestite nelle ampie sale dei padiglione e due all’interno delle sale dei workshop. Fra queste, Le tartarughe Ninja a Venezia – Omaggio a Stelio Fenzo; La fuga di Velia: immagini dalla storia per una escape room; La città invisibile, invivibile, invincibile: omaggio a Marco Polo e Italo Calvino.

Aumenta anche lo spazio dedicato alle proiezioni. La sera dopo le 18 si potrà restare ancora al Forte per la proiezione di una serie di cortometraggi dedicati a Venezia o ambientati nella città lagunare. Focus principale delle due giornate sarà sempre Marco Polo, al quale vengono dedicati diversi momenti durante tutto il week end.

Per il programma completo, vi rimando al sito, dove troverete tutte le informazioni utili a godersi Venezia Comics 2024 nel migliore dei modi. Buona visita!

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Recensione

Dal 25 gennaio troveremo al cinema Povere Creature!, il film Searchlight Pictures diretto da Yorgos Lanthimos (premio Oscar alla regia per La Favorita), distribuito da The Walt Disney Company Italia e con un cast di tutto rispetto. Sullo schermo vedremo infatti alternarsi Emma Stone, Mark Ruffalo e Willem Dafoe, accompagnati da Ramy Youssef, Christopher Abbott, Jerrod Carmichael, Hanna Schygulla, Kathryn Hunter e Margaret Qualley.

Povere Creature!, già Leone d’Oro a Venezia come miglior film e neo-vincitore del Golden Globe per lo stesso motivo, è l’adattamento cinematografico di Poor Things! di Alasdair Gray (1992), romanzo gotico anch’esso premiato, che per toni e tematiche ci rimanda al Frankenstein di Mary Shelley (1816).

Perciò, cosa ci aspetta in sala?

Trama

Il confuso trailer [che trovate a fine recensione] ci fa intuire che Povere Creature! racconta la storia di Bella Baxter (Emma Stone), giovane donna anticonformista, con un carattere vivace e ribelle. Di fatto, il film segue proprio la sua incredibile storia nonché fantastica evoluzione: Bella prende il suo posto nel mondo accompagnata dal Dr. Godwin Baxter (Willem Dafoe), scienziato dai metodi discutibili e con un’etica questionabile.

La fame di conoscenza della giovane donna cresce rapidamente insieme a lei, e il desiderio di esplorare la vita nella sua interezza, la porta ad affrontare un viaggio per l’Europa accompagnata da Duncan Wedderburn (Mark Ruffalo), lussurioso avvocato.

Grazie all’incontro con nuove realtà, differenti condizioni sociali e correnti di pensiero accattivanti, Bella mette in discussione tutto ciò a cui era stata abituata, in una spirale di conoscenza e riscoperta continua.

L’emancipata creatura si scopre man mano che conosce ciò che è fuori da sé, sorprendendo, con la sua irruenza, la vita di chiunque incontri nel suo percorso.

Stile

Città rivisitate in note steampunk, vecchie magioni ricche di ammennicoli e abiti esagerati che testimoniano l’esuberanza di chi l’indossa: Povere Creature! traspone l’atipicità della sua protagonista ambientandone le vicende in un Pese delle Meraviglie pseudo-vittoriano.

Un po’ come in La Favorita, anche qui ci troviamo spiazzati da inquadrature simmetriche e tempi sospesi, aumentando il surrealismo degli accadimenti e il senso di spaesamento di chi lo guarda.

Ad aumentare l’effetto disturbante è la scelta delle inquadrature, che non risparmiano dettagli anatomici e un uso assai frequente del grandangolo. Alternando primi piani a scorci incorniciati come se visti dallo spioncino di una porta, i colori saturi e l’alto contrasto accompagnano suoni che tanto mi hanno ricordato la dodecafonia studiata anni fa.

Personalmente, mi ritengo disturbata dalla cruda e innocente verità con cui Bella ci conduce nelle sue esplorazioni, il che si è rivelato un eccellente esercizio di spiazzamento e di messa in discussione continua.

Contenuti

Sono andata all’anteprima di Povere creature! mossa da una grande curiosità: da una parte, volevo vedere quel film di cui ho tanto sentito parlare ultimamente; dall’altra, per l’ambiguità del titolo.

Quando il romanzo Poor Things! venne tradotto in italiano per la prima volta, nel 1994, lo battezzarono Poveracci! e, nella seconda edizione, prese il nome di Vita e misteri della prima donna medico d’Inghilterra. Il cambiamento d’impatto è lampante, perché sposta il focus da un non-ben-specificato gruppo di persone sfortunate (e magari economicamente affaticate), a colei che così descritta potrebbe essere l’alter ego di una anglofona Maria Montessori.

Eppure, a stupirmi è soprattutto il fatto che il titolo inglese non ha mai fatto riferimento alle persone, ma alle cose: è Poor things. Mi sono quindi chiesta da cosa potesse dipendere l’utilizzo del sostantivo e quanta oggettivazione dell’afflitto potesse esserci nell’opera. Forse che, checché ne suggerisse il trailer, Poor things! sarebbe stato l’ennesimo film pietista ambientato in un freak show?

Sono quindi andata in sala con tantissima curiosità e un lieve pregiudizio, aspettandomi qualcosa a metà fra La casa dei Ragazzi speciali di Miss Peregrine e una qualche strana pratica di medicina rudimentale, più vicina al barbaro esperimento che al rispetto dell’essere umano.

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Beh, non potevo sbagliarmi di più! Povere creature! è un film che sicuramente si presta a più chiavi di lettura e analisi, ma che non credo sia questa la sede per fare. Di certo è una storia di emancipazione e di rivendicazione della possessione del proprio corpo, oltre che di sé in quanto identità. Bella non è del suo creatore, né del fidanzato, né dei pretendenti, né di chiunque giaccia (esplicitamente) con lei. È solo sua, un essere dotato di libero arbitrio e che in quanto tale agisce, ignorando qualsivoglia buona maniera o convenzione sociale.

Una crescita fisica e mentale che non risparmia le pulsioni e la sofferenza di fronte alle ingiustizie del mondo, senza perdere la speranza di renderlo migliore.

Concludendo

Povere creature! è un’opera d’arte cinematografica che non sono sicura di aver capito fino in fondo.

Certo è il fatto che mi ha obbligata ad abbandonare i soliti preconcetti e a prendere maggior coscienza dei pregiudizi con cui guardo al mondo. Un film che sfida il senso del pudore, soprattutto quando chi lo guarda crede di essere “di mentalità aperta”, è un film che svolge in maniera egregia il suo lavoro provocatorio.

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Nerdando in breve

Povere creature! è una storia surreale (o surrealista?) di una giovane donna che nasce tale e cresce padrona di sé stessa.

Soprattutto se vi piacciono toni onirici e se cercate qualcosa fuori dal comune, (e sicuramente se La favorita è stato di vostro gradimento), il 25 gennaio avete un appuntamento al cinema. Andate e lasciatevi sorprendere anche voi dalla tragicomica storia di Bella Baxter, moderno Prometeo.

Trailer

L'articolo Povere Creature! – Bella Baxter, moderno Prometeo proviene da Nerdando.

I miei ricordi

Ero riuscita a vedere Frozen 2 – Il segreto di Arendelle ancora prima che uscisse ufficialmente e fin da subito ne avevo apprezzato luci, musiche e trama. Mi aveva fatto storcere il naso la parte legata alla memoria dell’acqua, temevo che il film sarebbe stato reso oggetto di polemiche per via di un implicito riferimento all’omeopatia ma il tempo mi ha fatta ricredere parecchio. Per fortuna, Frozen 2 non è stato subissato di polemiche (o, se ce ne sono state, me le sono perse), anche se purtroppo il film non ha riscosso il successo che secondo me meritava.

Dopo averlo visto (e rivisto molte altre volte) resto dell’idea che sia un vero e proprio seguito: senza Frozen – Il regno di ghiaccio, questa storia non avrebbe il senso che ha. È uno di quei rari casi in cui il senso dell’opera cambia nettamente se si è visto, oppure no, il capitolo che lo precede. Per carità: è possibile guardarlo e apprezzarlo pur non avendo visto il suo predecessore, eppure sono convinta che la gran parte del significato simbolico di cui è intriso non potrebbe manifestarsi senza l’interiorizzazione del primo capitolo.

Insomma, un film che mi è entrato nel cuore (e nella gola: sogno di recitare in un musical interpretando una delle due sorelle) e di cui mi accingo a parlarvi brevemente.

Trama

Gattiveria ha già provveduto a raccontarci la trama oggettiva (la trovate nella recensione che sta qui). Lasciate dunque che provveda a raccontarvi ciò che ci ho trovato io: dopo aver avuto un grave problema di accettazione del sé, che l’ha portata all’auto isolamento, Elsa si è finalmente stabilizzata e vive serena con sorella e compagnia. Tuttavia, come nei più veritieri dei percorsi di recovery, la trama non è lineare: nonostante tutto sembri essersi normalizzato, Elsa sente ancora una voce che la chiama. Una voce che può sentire ma a cui non vuole dare ascolto, perché, citando la celebre Into the Unknown, “I’ve had my adventure, I don’t need something new“: la sua avventura già c’è stata e ora che è tutto tranquillo, non vuole perturbazioni ulteriori.

Eppure.

Il dubbio che forse quella voce sia sintomo di qualcosa di più grande s’insinua nella giovane Elsa (che, ricordiamo, pur di non perdere i suoi cari ha deciso di vivere ogni giorno correndo il rischio di poterli ferire, e se siete persone un minimo altruiste, ben sapete quanto sia difficile da sostenere).

D’altronde, Elsa non appartiene a quella normalità che si è costruita intorno con un gigantesco compromesso fra la sua natura e il desiderio di non abbandonare regno e sorella. Tanto è vero che, sempre in Into the Unknown, ci dice “Every day’s a little harder/As I feel my power grow“: lei quotidianamente percepisce una forte spinta dentro sé stessa ma gli affetti più cari sembrano chiederle di ignorarla, e quindi cerca di mettersi a tacere. Quando però questa forza pulsante comincia a provenire anche dall’esterno di sé, non le resta altro da fare che fare appello a tutto il proprio coraggio e partire.

Di seguire l’istinto

Una nuova avventura, un nuovo viaggio, molto più introspettivo del precedente. Una scoperta delle proprie origini, di una storia familiare che viene narrata e rinarrata nei secoli ma che ora trova dettagli imprescindibili che ne ribaltano i significati. Finalmente, Elsa riesce a trovare il coraggio di seguire le proprie orme, di essere sé stessa, e la gran conseguenza di ciò è che, proprio grazie a questa scelta, anche Anna può iniziare a vivere la propria vita adulta. Anna inizia ad assumersi le proprie responsabilità in quanto sé stessa e non solo nel ruolo di caregiver, con un’evoluzione del personaggio che ne raffigura una maturazione a tutto tondo.

In tutto ciò, le due rimangono unite e in contatto, in un modo che però non richieda alle due parti di sacrificare la propria essenza.

Frozen 2 è una storia di crescita triplice: nel corso del secondo film, proprio grazie a quanto raccontato nel primo, assistiamo alla maturazione di due persone singole e del legame che le unisce. Il tutto, con qualche canzone che non fa da sottofondo alle azioni ma che rappresenta delle vere e proprie azioni nodali. [Poi c’è anche qualche canzone che fa semplicemente da sfondo o contorno fra le scene ma ehi, ho detto che Frozen 2 mi è piaciuto tanto, mica che è perfetto!]

Curiosità

Frozen 2 – Il segreto di Arendelle contiene alcune citazioni ad altri media. Una fra le più immediate è il riferimento alla storia scritta da un “celebre autore danese”: ovviamente si tratta di Hans Christian Andersen, autore di moltissimi racconti fra cui La Regina delle Nevi (la storia che ha parzialmente ispirato il primo film).

Altra citazione eclatante è il riferimento a Bohemian Rapsody dei Queen, che vediamo comparire a schermo durante Lost in the woods (la canzone solista di Kristoff) grazie a un quartetto di renne canterine.

Infine, sappiate che a inizio film, quando le piccole Elsa e Anna stanno giocando coi pupazzetti, è possibile scorgere un’action figure di Baymax (quello di Big Hero 6) insieme a una di Totoro (da Il mio vicino Totoro), un piccolo elefantino che assomiglia molto a Dumbo e la cara Biancaneve.

Per altri Easter Egg, guardate il film!

Colonna sonora

Come vi anticipavo, LA canzone del film è Into the Unknown, cantata dall’irreprensibile Idina Menzel (voce di Elsa nella versione originale del film). Di quella i Panic! at the Disco hanno realizzato una cover dinamica e pop punk che personalmente gradisco assai (ma questo dipende dal fatto che in generale mi piace molto il pop punk).

Ciò detto, altre due canzoni incredibilmente pregne di significato (soprattutto se ne leggete il testo inglese) sono Show Yourself e The next right thing. La prima accompagna Elsa nella discesa verso la propria essenza, e nel film d’animazione vediamo la trasposizione immaginifica di quanto narrato nel testo. La discesa non è solo metaforica, poiché le immagini, i colori che gradualmente mutano fino a poi esplodere con la loro potenza cromatica accompagnano la giovane donna nel viaggio di scoperta della propria natura.

La seconda, invece, è un soliloquio di Anna che, chiusa in una grotta, trova la forza di rialzarsi e uscire a riveder le stelle, con la consapevolezza che la propria identità è profondamente mutata da prima che vi entrasse. Un brano fatto di pause e riprese più armoniose, con un’intensità crescente che ben si armonizza con quanto la coprotagonista sta attraversando emotivamente. Di questa canzone, in particolare, ho scritto alcune riflessioni un po’ personali che stanno in bozze da luglio: sarà il 2024 l’anno in cui troverò il coraggio di condividerle apertamente? Chissà.

Comunque, Into the Unknown ha ottenuto la candidatura come miglior canzone agli Oscar del 2020 e ai Golden Globe dello stesso anno, non vincendo però l’ambito premio (che in entrambe le occasioni andò a (I’m Gonna) Love Me Again, dal film Rocketman).

Sequel

Parrebbe che il 2025 ci porterà Frozen 3 e Bob Iger, CEO di Disney, ha addirittura accennato a un Frozen 4… Sarà così? Chissà. Vi confesso che l’idea di un altro seguito non mi entusiasma particolarmente, il rischio di creare solo un’altra storia con i personaggi più celebri è davvero tanto alto. Tuttavia, così come la paura delle polemiche omeopatiche si è poi rivelata vana, sono pronta a ricredermi e a lasciarmi sorprendere da un nuovo capitolo!

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I mei ricordi

Big Hero 6 esce al cinema nel 2014, periodo in cui iniziavo effettivamente ad andare al cinema con una certa frequenza e senza l’accompagnamento di un adulto. Per diverse ragioni, al film ho legato due ricordi molto forti e fra loro disgiunti: il primo amore e il primo lutto imprevedibile (di quelli che non succedono per vecchiaia, ecco). Inutile dire quindi che quando ho riguardato il film per poterne scrivere, mi sono commossa per quasi tutto il tempo. È stata una commozione dolce, però, di quelle a metà fra il catartico e il lenitivo, con una punta di tristezza ma ancora tanta capacità di mostrare bellezza.

Per me Big Hero 6 è uno dei film Disney più significativi, ma anche senza le intersezioni autobiografiche, devo dire che è proprio un signor Film: avvincente, sorprendente e ricco d’azione dall’inizio alla fine. Se non l’avete mai visto, ve lo consiglio di cuore: sta su Disney +, se vi piacciono i supereroi e le storie di giovanissimi scienziati talentuosi, Big Hero 6 fa al caso vostro.

Trama

Nella città di San Fransokyo, Hiro Hamada vive la sua vita da anomalo tredicenne. Nonostante la giovanissima età, infatti, il ragazzino ha già conseguito titoli scolastici che lo rendono idoneo per partecipare alla selezione d’ammissione al San Fransokyo Institute of Technology. L’istituto annovera fra i suoi iscritti le migliori menti del secolo e Hiro stringe una strettissima amicizia con alcuni degli studenti: GoGo, Wasabi, Honey Lemon e Fred.

Il gruppo gli viene presentato da Tadashi, il fratello maggiore che da sempre lo affianca nel quotidiano nonché altra mente brillante fonte di ispirazione. Fra tutte le invenzioni in fase di sviluppo, c’è Baymax, un robot bianco e panciuto progettato per fornire assistenza medica in caso di necessità. Quando un uomo mascherato minaccia la tranquillità di San Fransokyo, Hiro e i quattro amici (e Baymax) creano una squadra di grandi eroi volta a contrastare il nemico. È così che nascono i Big Hero 6.

Curiosità

Forse non sapete che in Big Hero 6 fa la sua comparsa anche il compianto Stan Lee! Anche se il film ha visto la luce nelle sale cinematografiche solo nel 2014, è bene sapere che le sue tavole originali sono comparse circa 16 anni prima in casa Marvel. Per questo il fumettista, noto ai fan per i suoi cammei nelle pellicole di produzione propria, ha voluto metterci la faccia anche se si tratta di animazione. Tuttavia, anche se il film conserva l’omonimia con il fumetto, le due storie differiscono per svariati aspetti fra cui molti nomi, etnie, storie dei personaggi e diversi risvolti di trama. Insomma: Big Hero 6 non è la trasposizione in film d’animazione del fumetto.

Stando a quanto riportato da IMDB, per decidere come creare il movimento alveare dei microbot il team di animazione si è ispirato ai video degli sciami di formiche.

Infine, se decidete di guardare Big Hero 6 sappiate che il film, così come i celebri film di casa Marvel, ha una scena dopo i titoli di coda. Tuttavia, l’opera non è in alcun modo collegata con l’MCU né con i film Marvel più recenti. Pare infatti che tutta la storia sia ambientata nel 2032 ma di un altro Universo Narrativo (e cinematico).

Colonna sonora

La colonna sonora di Big Hero 6 è composta quasi integralmente da Henry Jackman, il compositore inglese che si è occupato di tutte le parti strumentali, eccetto una. Quell’unico pezzo mancante è invece Immortals dei Fall Out Boy, gruppo pop punk statunitense capitanato da Patrick Stump, colui che canta personalmente anche la versione italiana del pezzo. Di tecnicismi musicali non me ne intendo quindi non mi imbarco in analisi specifiche; sappiate solo che la ritmicità dinamica del brano riesce sempre a darmi un po’ di carica emotiva. Ve ne lascio qui sotto la versione originale, con il video musicale uscito in concomitanza del film.

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I miei ricordi

Quando al cinema è uscito Winnie the Pooh: Nuove avventure nel bosco dei 100 Acri, era il 2011: la sottoscritta aveva 15 anni e l’ultima cosa che aveva in mente era andare in sala a vedere le storie di un orsacchiotto con cui non aveva legami affettivi. Perciò, così come con il capitolo precedente, Le avventure di Winnie the Pooh, anche di questo classico non ho ricordi. L’ho guardato su Disney+ appositamente per scrivere quanto state leggendo, ma questa volta non mi sono commossa. Come mai?

Curiosità

Anche Winnie the Pooh: Nuove avventure nel bosco dei 100 Acri si ispira ai racconti di Alan Alexander Milne, scrittore britannico vissuto a cavallo fra XIX e XX secolo. In particolare, il film di cui parliamo oggi viene considerato un revival di Le avventure di Winnie the Pooh, che usciva in sala nel 1977. In quello, vedevamo una serie di racconti brevi animati, accomunati dall’essere i capitoli del libro che il narratore ci sta leggendo; in questo, invece, il filo conduttore è l’onnipresente fame dell’orsetto Pooh.

Michele Kalamera (mancato a luglio di quest’anno), presta la voce al narratore che ci accompagna nella cameretta di Christopher Robin, in cui si trova il libro di Milne, che viene aperto al primo capitolo: lì c’è un orsetto il cui pancino brontola rumorosamente. Per placare il borbottio, Pooh inizia una ricerca che immancabilmente coinvolgerà i celebri abitanti del Bosco dei 100 Acri. Dovrà infatti aiutare l’amico Ih-Oh a ritrovare la sua coda, si ritroverà a tendere un agguato al famigerato mostro ApPresto e a dover uscire da una trappola in cui è caduto suo malgrado.

Le storie riprendono molto lo stile del film precedente, sia per il tipo di animazione (quella tradizionale, da cui Disney aveva già mostrato volersi distaccare con altre pellicole, fra cui il precedente classico: Rapunzel), sia per il tipo di comicità. Ogni snodo narrativo deriva infatti da una buffa incomprensione fra i personaggi: emblematico in tal senso il caso dell’ApPresto, che non è un temibile mostro come Uffa induce il gruppo a credere, ma una semplice forma di saluto apposta da Christopher Robin in calce a una lettera.

Comunque, se andate a cercare film o cartoni animati di Winnie Pooh, ne trovate parecchi (molti precedenti a quello di cui parliamo oggi): ma allora come mai questo qui viene considerato solo il secondo? Perché, benché di animazione legata all’orsetto ce ne sia stata parecchia, Winnie the Pooh: Nuove avventure nel bosco dei 100 Acri è il secondo a essere stato prodotto da Walt Disney Animation Studios: tutti gli altri sono stati prodotti da DisneyToon Studios e quindi non sono considerati prodotti ufficiali.

Infine, se decidete di guardarlo su Disney+ sappiate che dopo 18 minuti (circa) di titoli di coda, trovate una scena post credits. Guardare film mentre si sbuccia la verdura per il pranzo è un ottimo modo per scoprire questo genere di trivia.

Colonna sonora

La colonna sonora di Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri riprende il tema portante del classico del 1977, aggiungendo parti inedite. A curarla ci ha pensato Henry Jackman, che oltre a questa ha composto quelle di altre celebri pellicole fra cui Big Hero 6, Ralph Spaccatutto (e Spacca Internet) e i vari Kingsman.

Le numerose canzoni sono invece state composte e musicate dalla coppia Kristen Anderson-Lopez e Robert Lopez, il duo che ci ha portato Remember me di Coco ma, soprattutto, la famosissima Let it go di Frozen – Il regno di ghiaccio.

Com’è invecchiato

Così come il capitolo precedente, Winnie the Pooh – Nuove avventure nel Bosco dei 100 Acri è invecchiato molto degnamente. Complice il fatto che il 2011 non è poi così lontano, direi che la stravaganza degli abitanti del bosco si dimostra immune allo scorrere del tempo. Nel regno della fantasia di Christopher Robin non c’è spazio-tempo che regga: benché le stagioni continuino a susseguirsi una dopo l’altra, non sembra che la vecchiaia riesca a intaccarne le creature. L’ingenuità naif che caratterizza tutti i personaggi, soprattutto l’orsetto, consente di renderne le stramberie sempre attuali e contemporaneamente mai presenti. Adatto a tutte le età (forse, soprattutto, alla prima infanzia), il cinquantunesimo classico sembra intramontabile così come il capitolo precedente.

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