In redazione ci piace dare continuità: Tencar recensisce i manuali di D&D, Clack le ultime uscite letterarie, Zeno2k gli Assassin’s Creed e io… vedo Spider-Man in anteprima! Ed è con grande trepidazione, come si può immaginare, che mi accingo a raccontare tutto ciò che ho provato durante l’anteprima dell’attesissimo Spider-Man: Brand New Day, quarto capitolo della saga dell’Uomo Ragno interpretato dal sempre ottimo Tom Holland, affiancato da Zendaya e sotto l’attenta regia di Destin Daniel Cretton.

L’hype è a mille, spinto anche dagli accattivanti trailer usciti negli ultimi mesi e anche dalla simpatica campagna con protagonista Francesco “Er Pupone” Totti alle prese con la perdita della sua identità, proprio come sappiamo essere successo al povero Peter Parker alla fine del precedente film, No Way Home. Le aspettative saranno soddisfatte? Vieni a scoprirlo con me nella mia recensione totalmente SPOILER FREE di Spider-Man: Brand New Day!

Recensione

Come dicevo, alla fine del precedente film il mondo intero si è scordato di Peter Parker. Chi è Peter Parker, allora? Peter è un giovane uomo in un periodo complesso, totalmente dedito alla lotta al crimine, senza più gli amici di un tempo (MJ e Ned), senza Zia May, e senza che i suoi “colleghi” supereroi sappiano chi si nasconda dietro le tele del ragno. Come è facile immaginare, la situazione è decisamente stressante per il nostro protagonista, che si trova quindi alle prese con tanti cambiamenti, il più importante dei quali avviene a livello fisico (e non solo). Vediamo infatti come “il ragno” si impossessa sempre più di Peter, che inizia quasi ad avere problemi nel ricordarsi chi è, e perché fa quello che fa ogni volta che indossa il costume.

Ma non c’è solo il cambiamento di Peter sullo schermo durante Spider-Man: Brand New Day. Perché nuovi (o vecchi?) nemici sono dietro l’angolo, letteralmente “nascosti ovunque”, e a volte le situazioni si ribalteranno in maniera totalmente imprevista, così come la formazione di improbabili alleanze può portare risultati inaspettati.

Un film di passaggio e trasformazione quindi, che ci farà entrare nell’età adulta di Spider-Man e di Peter Parker. Come riuscirà a sbrogliare la tela (del ragno) questa volta? E quali saranno gli effetti sul mondo che conosciamo? E qual è la minaccia invisibile che scuote profondamente la New York tanto amata dal nostro amichevole ragno di quartiere?

Cast

Ormai lo sappiamo: la coppia Zendaya/Tom Holland non ne sbaglia una, e dopo The Odyssey, anche in questo film la chimica è alle stelle – sarà anche per questo che sono felicemente innamorati e sposati? Penso che sia bellissimo condividere amore, passione e lavoro! Il nostro mitico Jacob Batalon è sempre un grande Ned, ma anche questa volta lo schermo è pieno di stelle incredibili. Partendo dall’ottimo Mark Ruffalo che torna a vestire (?) i panni di Hulk, passiamo per il sempre frizzante Jon Bernthal nelle vesti del Punitore (a proposito, consiglio di recuperare One Last Kill su Disney+) che sviluppa un’interessante relazione con Spider-Man in questo film, per poi arrivare alla strepitosa performance di Sadie Sink nei panni di… ehi, ho detto che qui non ci sono spoiler!

Passando invece al regista: Destin Daniel Cretton, dopo gli interessanti Shang-Chi e la leggenda dei Dieci Anelli e Wonder Man, vuole continuare a essere protagonista del MCU “dall’altro lato del costume”, ed effettivamente in questo film riesce a mantenere un ottimo equilibrio tra i momenti più delicati e toccanti, e le classiche gag che rendono le storie di Spider-Man sempre divertenti, ma senza esagerare. Sempre evocative ed epiche le colonne sonore, orchestrate dal fantastico Micheal Giacchino, che ormai accompagna da tempo le gesta su schermo della Marvel in maniera impeccabile e, soprattutto, memorabile.

E infine una menzione d’onore per New York, vera “co-protagonista” di questo film, con una fotografia e un’immersione tra i suoi palazzi davvero degne di nota.

Concludendo

Spider-Man: Brand New Day è un film che mi è piaciuto davvero tanto. Più adulto, più “cupo”, con alcune sequenze che rappresentano una novità per la saga; c’è stata voglia di andare “oltre” all’aspetto un po’ adolescenziale degli scorsi film e di far vedere come Peter Parker deve affrontare alcuni cambiamenti. Mi sono piaciuti attrici e attori, mi è piaciuta la regia, mi è piaciuta la fotografia, e mi è piaciuto non rovinarmi alcune sorprese arrivando “intonso” in sala.

Come al solito, c’è da chiedersi come questo nuovo capitolo di Spider-Man si colloca all’interno del MCU, specie in vista di ciò che sappiamo circa Avengers: Doomsday e le sue peculiarità. Devo comunque ammettere che, saggiamente, il confine è sempre più labile, vista anche la presenza di Hulk e The Punisher, nonché per la presenza forte di Kevin Feige, produttore anche di questo titolo. Insomma, c’è tanto che bolle in pentola, e i prossimi mesi saranno decisamene croccanti.

E noi saremo qui per raccontarlo!

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Nerdando in breve

Spider-Man: Brand New Day ci porta nuovamente a scoprire cosa il destino sta riservando a Peter Parker: Spider-Man è sempre più “Spider” o è ancora “Man“?

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Io questa estate sto davvero boccheggiando come non mai: ho proprio bisogno del #NerdandoConsiglia di Luglio 2026 per una boccata di freschezza!

Magic Five!

Cavaliere: Si tratta del gioco da tavolo da due a quattro persone adatto a tutti, e perfetto per l’estate, anche grazie a partite che durano una ventina di minuti e prezzo basso. Lo scopo è quello di indovinare i cinque numeri sulle tessere che si hanno davanti a sé tra le sessanta totali. Non mi dilungo, visto che ho scritto una recensione approfondita su Magic Five!, pubblicato in Italia da Ghenos.

Project Hail Mary

Cavaliere: Fin da subito mi aveva interessato, quindi l’ho visto su Prime Video non appena mi è tornata la linea, ma questa è un’altra storia!

Se ti piacciono la fantascienza e il focus sui personaggi devi assolutamente vedere questo film. Sono contento che sia stato uno dei maggiori incassi della prima metà del 2026 perché è sempre bello quando il pubblico premia prodotti di qualità.

L’unico difetto? L’ultima missione: Project Hail Mary è il classico titolo all’italiana, visto che si poteva benissimo lasciare quello originale!

Dr. Stone

Cavaliere: Questo anime, iniziato nel 2019, si è concluso a fine giugno! Si tratta di una delle primissime serie su Crunchyroll ad incuriosirmi, grazie alla premessa.

Un raggio di luce si propaga su tutta la Terra e pietrifica l’umanità. Più di tremila anni dopo, Senku si risveglia e, in quanto giovane scienziato, sa come ridare il via alla civiltà.

Ho trovato Dr. Stone molto carino soprattutto se si apprezza la scienza, ma devi essere consapevole che si tratta sempre di un prodotto pop e non di un documentario! Mi ha intrattenuto per tutte le stagioni, disponibili doppiate anche in italiano su Crunchyroll.

La libreria dei gatti neri

Kiarakala: Piergiorgio Pulixi è riuscito con il suo libraio Montecristo a fare qualcosa che non mi accadeva da un po’: non riuscire a smettere di leggere un libro e divorarlo capitolo dopo capitolo con avidità. La Libreria dei Gatti Neri è un romanzo giallo che tiene col fiato sospeso: una serie di omicidi commessi da un serial killer che segue uno schema preciso e un gruppo di lettori, amanti dei romanzi gialli, che sfrutta la propria conoscenza delle menti criminali della fiction per sbrogliare la matassa e scoprire il colpevole. Un protagonista che rimane subito impresso nel cuore grazie alla sua dolcezza verso le persone care e al modo burbero con cui tratta i clienti “idioti” che entrano nel suo negozio.

Una lettura scorrevole e appassionante in cui non mancano momenti comici, ma anche estremamente commoventi. Lettura straconsigliata per l’estate agli amanti del genere e non, e a chi ha voglia di scoprire una Cagliari ricca di mistero.

Pokémon Pokopia

Kiarakala: Pokémon Pokopia è la combinazione perfetta tra Pokémon, Animal Crossing e Minecraft e pertanto non potevo non innamorarmene e non diventarne praticamente dipendente.

In un mondo devastato dove non ci sono più umani, toccherà a noi, nei panni di un buffo Ditto umanoide, ricostruire tutto e lo faremo insieme ai nuovi amici Pokémon che incontreremo per scoprire insieme che cosa è successo al mondo e agli allenatori.

La creatività nella costruzione di edifici e habitat rende il gioco sempre stimolante, così come le missioni principali e la possibilità di esplorare varie città man mano che si prosegue, ampliando così le attività da fare ogni volta che si avvia il gioco. Come nei classici giochi Pokémon, anche qui vale “l’acchiappali tutti”, ma senza Poké Ball; infatti, creando habitat specifici, potremmo incontrare e registrare nel Pokédex nuovi Pokémon e sbloccare anche nuove abilità.

Insomma, Pokémon Pokopia è riuscito a farmi emozionare come un tempo facevano i vecchi capitoli del brand, ma dandomi tante novità e, soprattutto, un gioco super chill e divertente con cui passare l’estate.

The Odyssey

Djando: Su questo film si è detto di tutto di più e lo abbiamo recensito con cura. Come già suggerito nel nostro articolo sui pareri riguardo l’opera di Nolan, il mio suggerimento è di andare a vederlo e farti un’idea tua. Il resto, è solo rumore.

Finché morte non ci separi

Tencar: L’estate, per me, vuol dire horror e, spesso, significa anche recuperare pellicole che ho perso negli scorsi anni. Grazie a Disney+, mi sono goduto Finché morte non ci separi, film del 2019 che mi ha visto partire prevenuto ma ha saputo conquistarmi grazie al suo essere volutamente esagerato.

Voglio gustarmi anche il seguito, disponibile sulla stessa piattaforma.

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Alzi la mano chi non ha una “sedia armadio” a casa. Sì, anche tu che te ne vergogni, non c’è nulla di strano, la abbiamo tutti. Ma cosa succede quando impilare i panni diventa un party game frenetico e divertente? Scopriamolo assieme con Piles!, novità targata Asmodee, che è un party game da 2 a 8 giocatori, ad opera di Lost Boy Entertainment. Ringrazio Asmodee per avermi inviato una copia del gioco per questa recensione.

Recensione

Siamo in estate, e cosa c’è meglio di un bel party game da portare al mare, o in montagna, o anche sotto un fantastico impianto d’aria condizionata? Piles! è un perfetto party game dalle partite rapide e furiose, di quelli che permettono di giocare più partite in fila per mantenere alto il livello di sfida al tavolo. Come sempre, apprezzo molto i giochi che permettono a tante persone di divertirsi assieme; vero, non sarà un cinghialotto o un gioco con miniature, ma a volte è bello fare baccano e basta.

Meccaniche

Piles! è un gioco fatto esclusivamente da carte, esattamente 200, che sono divise in gruppi di capi di abbigliamento da 4 unità. Quindi, ad esempio, avremo 4 carte “calzini lunghi”, ognuna con un colore diverso, 4 carte “fantasmini”, 4 carte “bomber”, 4 carte “camicia a fiori” e così via, fino ad avere un massimo di 50 set. Ad inizio partita sceglieremo il numero di set da usare in base al numero di persone al tavolo – come comodamente riportato all’interno della confezione – e daremo 6 pile da 4 carte, tutte mischiate fra loro, a testa e a faccia in giù.

Rimarranno 4 carte a terra, che costituiranno le carte definite “centrali” e che saranno il motore iniziale del gioco. Scopo di Piles!, infatti, è di completare 6 set di vestiti davanti a sé e, per farlo, potremo guardare una delle nostre 6 pile, scartare una carta a terra e prenderne una in cambio da quelle centrali, cercando quindi di costruire i set nei vari mazzetti. Potremo consultare solo un mazzetto alla volta, e non sai quante volte ti capiterà di adocchiare una carta a terra… per essere poi presa dalla persona al tuo fianco!

Per rendere il tutto più spicy, non c’è alcun ordine di turno: si gioca tutti assieme, in simultanea, quindi prepara i tuoi riflessi per accaparrarti le carte mentre tutti attorno a te cercheranno di fare lo stesso! Diciamo che il caos che si crea al tavolo può essere notevole, ma questo è ciò che rende Piles! molto divertente.

Come si vince? Facile, completando 6 pile da 4 vestiti uguali davanti a sé, e gridando “PILES!” per interrompere la partita. Dopodiché si effettueranno i controlli di rito, e se tutto è filato liscio, complimenti! Altrimenti, nel caso ci fosse qualche irregolarità – e alcuni vestiti sono molto simili tra loro pur non essendo parte dello stesso set! -, si ricomincia subito a giocare fino alla prossima persona che annuncerà la vittoria.

Componenti

Piles! è un gioco che ha componenti ridotti all’osso, ma ciò non significa che non siano di livello, anzi! La confezione è di quelle “all in one” che si richiudono con un lato magnetico, e al suo interno riporta il numero di set da usare in base al numero di persone al tavolo, che è alla fine l’unica cosa da sapere prima di iniziare a giocare. Le carte sono di buona fattura e le immagini dei vestiti mi ricordano tantissimo le emoji!

Concludendo

Piles! è un bel party game, pronto per l’estate, divertente e frenetico il punto giusto. Ci sarà un bel po’ di casino al tavolo, e quello è l’obiettivo da non perdere mai di vista. A un certo punto ti si potrebbe impappinare il cervello, ma anche quello fa parte del gioco! Sconsigliato solo a chi vuole qualcosa di necessariamente serio… e a chi non riesce proprio a togliere i vestiti dalla “sedia armadio”!

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Nerdando in breve

Piles! è un party game che ti farà impilare gli abiti dello stesso tipo, il tutto mentre il resto del tavolo cercherà di fare lo stesso!

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Recensione

Credo che un grande numero di lettrici e lettori di Nerdando siano, tra le varie sfumature Nerd, appassionate ed appassionati di animazione giapponese. Forse alcuni, che si sono avvicinati da poco a questo mondo o con le opere più recenti, non sapranno che la storia dell’animazione giapponese inizia quasi 70 anni fa, alla fine degli anni ‘50, con il film La leggenda del serpente bianco, che ha cambiato la vita di molti, per vari motivi. Ed è qui che cambia anche la vita di Shigeyuki Hayashi, noto ai più con il nome d’arte Rintaro, che racconta la sua vita in questo fumetto autobiografico e che ci regala una visione intima e profonda della sua storia, intrecciata con quella dell’animazione giapponese, in una ottima edizione targata Bao, che ringrazio caldamente per averci inviato una copia de La mia vita a 24 fotogrammi al secondo per questa recensione. 

Trama

Giappone, 1941. La seconda guerra mondiale dilaga e Rintaro si reca in campagna per sfuggire ai bombardamenti assieme alla madre e al fratello. Il padre, qualche anno dopo, si ricongiunge a loro una volta terminata la sua parentesi da militare, e da quel momento in poi inizia a introdurre un giovanissimo Rintaro al mondo del cinema, sua vecchia passione mai scemata nonostante i drammi della guerra. Da qui nasce un’incredibile infatuazione che spinge Rintaro a interessarsi sempre di più al mondo del cinema, soprattutto in seguito al suo ritorno a Tokyo e alla sua giovinezza passata guardando i film che hanno scolpito il mondo del cinema come Riso Amaro, disegnando e sognando di trovare il suo posto nel mondo dell’arte visiva. Rintaro prova a inviare una sua sceneggiatura a un editore, venendo rifiutato, ma la vera svolta avviene nel momento in cui decide di rispondere a un annuncio per lo studio Toei – uno degli studi di animazione più importanti del Giappone – per partecipare alla creazione del primo film di animazione di sempre, La leggenda del serpente bianco. 

L’inizio dell’attività nel mondo del cinema e il conseguente incontro con molte personalità di spicco ha il suo culmine con l’inizio della collaborazione con Osamu Tezuka, creatore di Astro Boy, che stava creando il suo studio di animazione (Mushi Production) per la creazione di quello che sarebbe stato il primo vero e proprio anime, ossia la serie di Astro Boy. 

Da qui si apre un mondo per Rintaro, che è un vero e proprio pioniere, che continua a sperimentare e a creare, arrivando a essere il regista di opere di un’importanza fondamentale come Capitan Harlock e Galaxy Express 999, per giungere al culmine creativo (e tecnologico) rappresentato da Metropolis, opera realizzata proprio da Osamu Tezuka (venuto a mancare nel mentre) e realizzata con la sceneggiatura a cura di Katsuhiro Otomo, creatore di altri mostri sacri del calibro di Akira. 

L’uscita di Metropolis nel 2001 rappresenta la chiusura di un cerchio per Rintaro, che ci racconta la sua vita, le luci e le ombre che lo hanno seguito in un percorso tortuoso ma con una incredibile passione a guidare i suoi passi, anche nei momenti più complessi.

Stile

La mia vita a 24 fotogrammi al secondo ci accompagna in tanti attimi della vita di Rintaro, alternando spaccati quotidiani, raccontati con affetto e ironia, a momenti più tecnici dove ci vengono raccontati i meccanismi della produzione dell’animazione, la sua evoluzione e anche qualche episodio divertente vissuto nello studio assieme ai colleghi. Questo fumetto è una grande lettera d’amore al padre, a Osamu Tezuka e a tutte le persone che hanno accompagnato Rintaro nel corso della sua vita e della sua crescita personale e professionale.

Lo stile di disegno è semplice ma efficace; qui non siamo certo nell’ambito di un character design da classico manga, bensì in un’ottica più realistica e minimale in alcuni frangenti. Del resto, qui il disegno è veramente al servizio della narrazione dei momenti più importanti della vita dell’autore – e in alcuni passaggi il testo è anche abbondante, ma sempre scorrevole. 

Rintaro non esagera mai con sentimentalismi e non cerca di emozionare chi legge in maniera artificiosa, ma è un vero racconto che potremmo immaginare di ascoltare seduti in un jazz cafe di Tokyo, di quelli dove si fuma ancora, mentre il Maestro Rintaro si avventura nei suoi ricordi e ci racconta di come è stato una di quelle persone che hanno reso l’animazione giapponese ciò che è oggi.

Edizione

La mia vita a 24 fotogrammi al secondo ci viene proposto da Bao con un’edizione grande, formato A4, che dà luce e spazio alle tavole che, pur non essendo il punto focale di questa opera, ci fanno viaggiare in un mondo fatto di musica, film, sigarette e persone importanti. Il cartonato è ottimamente realizzato e si tratta sicuramente di un volume di pregio da inserire in libreria. Il prezzo consigliato è di 27,00€.

Consiglio questo fumetto a chiunque ami l’animazione giapponese, specie quella “originale”, perché si tratta di un ottimo modo per scoprire retroscena e aneddoti dietro ad alcuni titoli che hanno costituito la colonna portante dell’animazione giapponese. Ed è anche un ottimo modo per riscoprire dei grandi classici, che forse oggi vediamo in maniera un po’ diversa, ma che rappresentano comunque un momento fondamentale da non ignorare.

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Nerdando in breve

La mia vita a 24 fotogrammi al secondo ci porta alla scoperta della storia personale e professionale di Rintaro, leggendario regista dell’animazione giapponese.

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Il caldo non mi dà proprio tregua quest’anno… meno male che è arrivato il momento del freschissimo #NerdandoConsiglia di Giugno 2026!

Aphelion

Zeno2k: L’ultima fatica di Dontnod, che per altro sta attraversando pessime acque finanziarie, purtroppo non è all’altezza delle aspettative. Intendiamoci: missione di scoperta su pianeta apparentemente inospitale (già sentita) a causa di terra morente (già sentita), cose che vanno a catafascio e astronauti che cercano di scoprire cosa succede (già sentito), alieni inattesi e terraformazione ancor più inattesa (già sentito).

Insomma: non che mi aspettassi l’originalità assoluta ma ci sono comunque cose che funzionano e mi hanno fatto piacere: intanto non è la NASA la protagonista, ma l’ESA (finalmente). Ci sono due protagonisti separati a causa di un disastro e li guidiamo separatamente con meccaniche di gioco differenti. Ottimo il recitato. Ottimi gli scenari. Ottime le cutscene. Gradevole anche il meccanismo esplorativo delle onde elettromagnetiche.

Tuttavia ci sono alcune cose che proprio non vanno, purtroppo: al di là della trama non originale, i controlli sono poco precisi e molto approssimativi: talvolta i personaggi restano “incastrati” a metà animazione perché ci imbattiamo in un muro invisibile, altre semplicemente non prendono il comando o saltano dove vogliono loro o bisogna litigare per dare la direzione giusta.

Troppi collezionabili e nessuna possibilità di tenerne traccia, costringendoci a rigiocare magari interi capitoli per un singolo POI smarrito.

Ma non è nemmeno questo l’aspetto peggiore: parkour nello spazio con tute spaziali. Davvero?

Non è tutto da buttare, anzi, per cui, se hai game pass, giocalo. Dagli una chance.

Io a Dontnod vorrò sempre bene e un occhio lo chiudo volentieri (anche perché mi ha fatto nuovamente innamorare con Lost Records: Bloom & Rage), ma davvero non ti è piaciuto Banishers? Che problemi ha la gente?

Project Hail Mary

Zeno2k: Non il film, ma il libro. Approfittando di una trasferta di lavoro mi sono precipitato in questo splendido romanzo di fantascienza che fa della ricerca scientifica il suo punto di forza.

Ho apprezzato l’umanità del protagonista, che si muove quasi come un bambino all’interno di un’enorme stanza piena di giochi meravigliosi: l’entusiasmo traspare da ogni singola pagina e al di là del fascino che il pretesto narrativo usa per portare avanti la trama, resta una lettura incredibilmente piacevole, con i giusti cambi di ritmo e con una narrazione non lineare che tiene sempre sulla corda.

Serve sospensione dell’incredulità? Sì, molta: non è quello che facciamo sempre noi nerd?

The White Castle

Cavaliere: Ero molto curioso di provare questo gioco da tavolo visto che è degli stessi autori di The Red Cathedral, che apprezzo. Ci ho messo le mani sopra ed effettivamente mi è piaciuto!

The White Castle è un gestionale stretto in cui puoi fare solo nove azioni in tutta la partita, da questo punto di vista molto vecchio stampo. L’ambientazione giapponese si sente poco, come da prassi negli eurogame.

Complimenti a Devir per aver pubblicato un titolo di valore ed essere riuscita a bilanciare materiali belli e al tempo stesso funzionali con un prezzo di 30 euro che ti garantisco essere un affare nel mercato attuale! Se vuoi approfondire qui c’è il link della recensione di Zeno2k!

The Amazing Digital Circus

Cavaliere: Ho visto al cinema l’ultima puntata di questa serie che sarebbe stata disponibile gratuitamente su YouTube da lì a quindici giorni e infatti lo è dal 20 giugno! Nonostante ciò, ha registrato un ottimo incasso! Scopri il motivo di questa “fretta” leggendo la mia recensione senza spoiler di The Amazing Digital Circus e il mio pezzo analisi!

Slay The Spire

Cavaliere: Ormai nei videogiochi cerco esperienze relativamente brevi, eppure, con gran coerenza, sono stato incollato al computer per decine di ore a Slay the Spire! Si tratta dell’apripista dei deckbuilder indie su Steam. Il primo Slay the Spire è un gioco di carte roguelite in cui scegli uno tra i quattro personaggi, molto diversi tra loro, e di stanza in stanza affronti nemici ed eventi per arrivare al finale. Le quattro classi sono asimmetriche e il fatto che si possano scegliere diverse strade e filosofie per plasmare il mazzo di carte, in gran parte uniche per ogni personaggio, rende ogni partita un’esperienza a sé! Una droga, per due mesi è stato l’unico videogioco e argomento di discussione! Provalo, visto che è dappertutto e costa pure poco!

Pluribus

Kiarakala: Dopo il grande successo di Breaking Bad , Vince Gilligan è tornato a far parlare di sé con Pluribus. Una serie TV che mi ha colpito tantissimo sia per la sua sceneggiatura che per la sua estetica.

Si ritorna ad Albuquerque, ma stavolta vediamo i passaggi graduali di quella che è un’invasione o meglio un’infezione aliena che però, contrariamente a quello a cui ci ha abituato la tradizione sci-fi, non porta alla distruzione della società ma a una sua rinascita. Gli infetti vivono in armonia condividendo una memoria collettiva e una mente alveare e rifiutano ogni forma di violenza. Solo pochi individui sono risultati immuni all’infezione e tra questi la nostra protagonista: Carol. Carol si oppone a questa eccessiva bontà e felicità, per lei non è naturale e non vuole essere contagiata. E proprio questa sua tenacia ci fa ricordare la bellezza dell’essere umani, fatti di emozioni positive e negative, liberi di prendere decisioni anche sbagliate.

La serie è disponibile su Apple TV e la straconsiglio perché è una di quelle che tiene attanagliati allo schermo e fa riflettere molto sui vari aspetti dell’umanità.

Il Re dei Cocomeri – Daniel Wallace

Hardcase: Considero da sempre Daniel Wallace l’alter ego letterario di Tim Burton, e non solo perché uno dei suoi libri ha ispirato il bellissimo Big Fish, uscito oramai diversi anni fa al cinema, ma anche perché tra loro sembra esserci un legame molto forte, una propensione a narrare fiabe dark spesso ambientate in mondi un po’ onirici e sicuramente parecchio bizzarri.

Così, se col citato Big Fish, Wallace aveva finito con lo scrivere un’elegia alla fandonia, intesa come la più nobile espressione della fantasia, con questo Il Re dei Cocomeri ci conduce per le vie di una singolare cittadina dell’Alabama, dove superstizione, folclore e magia si intrecciano in un groviglio inestricabile che finirà con l’imprigionare lo stesso Thomas, il protagonista della storia, alla ricerca del suo passato e, in ultimo, di se stesso.

Piccola nota dolente: i libri di Daniel Wallace, ad eccezione di Big Fish, sono molto difficili da reperire in italiano, ma, con un po’ di pazienza, su siti come Libraccio sono sicuro che riuscirai a trovarlo. Ti garantisco che ne varrà la pena.

Demeo x Dungeons & Dragons: Battlemarked

Hardcase: Già recensito dal bravissimo Jedi.lord qualche tempo addietro, ho deciso di inserire questo DxD&D:B (sì, lo so, sembra la password di un sito porno) tra i miei consigli a distanza di quasi un anno dalla sua pubblicazione, perché solo recentemente gli sviluppatori hanno inserito una feature lungamente richiesta dai giocatori, ovverosia la possibilità di disattivare lo spawn infinito dei nemici sulle mappe di gioco.

E io, che in prima battuta avevo finito – figurativamente parlando – per tirarlo al muro dalla frustrazione, ora posso finalmente godermelo per quello che è: forse la più riuscita scanzonata incarnazione delle vecchie partite D&D che, eoni fa, giocavo con i miei amici nerd.

Young Sheldon

Hardcase: Piccola importante premessa (che mi potrebbe costare l’espulsione immediata dalla community): non ho mai visto The Big Bang Theory. Forse un giorno la vedrò o forse no, fatto sta che qualche anno fa sono inciampato in questo Young Sheldon, scoprendo, solo in seguito, che si trattava di uno spin-off.

In poco tempo mi sono appassionato così tanto ai vari personaggi, tutti splendidamente caratterizzati e interpretati, che sono diventati per me come una seconda famiglia, cosa questa che non mi succedeva dai tempi di How I met your mother. Geniale, spiritoso e commovente al tempo stesso, Young Sheldon ha anche avuto l’accortezza di capire il momento giusto per calare il sipario. Circostanza davvero insolita per il panorama attuale, caratterizzato dalla tendenza a spremere le serie sino all’ultima goccia di linfa vitale.

Diciamo che, se vuoi passare una mezz’ora sorridendo con intelligenza, e sentendoti persino fiero della tua “nerditudine”^TM,  bè, allora questa è la serie che fa per te!

Due Spicci

Tencar: le otto puntate della nuova serie animata di Zerocalcare sono volate via in un attimo, facendomi emozionare come sempre: la scrittura dell’autore romano è un qualcosa di portentoso. Trovi il tutto su Netflix.

Sinister

Tencar: lo avevo visto nel 2014 e, grazie a una settimana gratuita di abbonamento sulla piattaforma Midnight Factory tramite Prime Video, ne ho approfittato per riguardarlo.
Sinister ha tutto ciò che deve avere un film horror per essere intrattenente e piacevole, incluso un finale spiazzante. Poi ho voluto strafare dedicando tempo al seguito e mi sono pentito: si trova parecchi gradini sotto al primo capitolo.

A colpi di cannonau

Clack: estate (e non solo) per me è sinonimo di pirati! Grazie a un amico che condivide con me questa passione (e che i mari li solca davvero, peraltro), ho potuto immergermi nella lettura di A colpi di cannonau: una storia di pirati avvincente, ambientata nelle acque della Sardegna. Dentro, con una scrittura coinvolgente, ci trovi piratesse, streghe, dobloni maledetti, battaglie navali, inquisizione e una spruzzata di femminismo ante litteram. Il libro è scritto da Titania Blesh e pubblicato da Acheron Books: se ami i pirati, non puoi lasciartelo scappare!

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C’era una volta NBA Street, e tutti noi che abbiamo vissuto negli anni d’oro dei giochi sportivi arcade sappiamo esattamente cosa rappresentava quel gioco. Play by Play Studios, software house composta in parte da veterani che quell’era l’hanno contribuita a creare, ci riprova con NBA THE RUN, titolo con licenza ufficiale NBA, disponibile su PlayStation 5, Xbox Series X|S e PC. L’intenzione è nobile, la premessa è intrigante, ma il risultato? Scopriamolo con la mia recensione, resa possibile grazie a Play by Play Studios, che ringrazio per averci inviato una copia di NBA THE RUN per PlayStation 5.

Recensione

NBA THE RUN ha in mente un solo obiettivo: giocare. Scordiamoci ciò che NBA2K ci ha abituati ad avere: zero campagna, carriera, oppure un protagonista da creare pezzo per pezzo. Quello che c’è è un’idea di basket arcade pulito e immediato: prendere le proprie star NBA preferite (oltre trenta al lancio, affiancate da cinque leggende dello streetball create ad hoc) e portarle sui campetti da gioco street più iconici del pianeta, da Venice Beach fino al leggendario The Tenement nelle Filippine.

Il cuore del gioco è dato dai tornei a eliminazione diretta in quattro turni, che ci daranno l’agognato trofeo in caso di (sudata) vittoria. Il twist è nelle regole variabili implementate dai vari campetti: ogni partita può premiare le schiacciate, i tiri da tre, la gestione del pallone o altri parametri che cambiano in modo casuale, costringendo a ripensare la strategia round dopo round. Un’idea interessante, non c’è che dire!

Gameplay

Il formato è 3 contro 3 streetball, senza simulazione o tatticismi pesanti: si schiaccia, si fanno crossover a manetta, si difende col corpo e col sudore (specie i giocatori della squadra senza magliette). Il design di ogni giocatore è quello della stella NBA con capacità uniche, quindi LeBron sarà sicuramente diverso da Curry, Giannis è il solito bulldozer, Jokic farà dei passaggi totalmente senza senso, e Wembanyama è praticamente un personaggio rotto, come sta dimostrando in queste NBA Finals 2026 contro i Knicks, e questo è probabilmente il punto più riuscito del gioco.

Le modalità disponibili al lancio sono tre: Knockout Squads (squadra da tre giocatori reali in cooperativa, che ne affrontano altri 3), Knockout Solos (controlli tu tutti e tre i tuoi giocatori) e Knockout Friends, per tornei privati fino a 48 partecipanti. C’è anche un campo d’allenamento per sgranchirsi le dita prima di tuffarsi online.

Detto questo, arriviamo al punto dolente. Nonostante il rollback netcode che sulla carta dovrebbe garantire fluidità e sincronizzazione, l’esperienza reale porta spesso un po’ di confusione. Le partite online risultano caotiche in più di qualche occasione: i giocatori si sovrappongono spesso tra loro, le animazioni ogni tanto vanno per la loro strada, e il motore di gioco a tratti risponde con qualche esitazione di troppo. Non è la fine del mondo, ma non è neanche quella reattività chirurgica che ci si aspettava.

Un problema che ho riscontrato, soprattutto nelle prime ore di gioco, è la difficoltà nel leggere la palla persa. Quando c’è una palla vagante, capire dove sia il pallone e chi lo abbia richiede un occhio allenato, e spesso un paio di secondi di troppo. Un difetto in parte figlio delle scelte artistiche, come vedremo, ma che impatta direttamente sull’esperienza di gioco e sulla frustrazione percepita.

La struttura a torneo è immediata e il loop funziona, ma dopo alcune sessioni si avverte la limitatezza dell’offerta al lancio. Le regole variabili sono una trovata intelligente, ma non bastano da sole a mascherare una certa ripetitività di fondo. L’esperienza è costruita per sessioni brevi e veloci, e lì, onestamente, fa il suo dovere alla grande, ma chi si aspetta profondità o anche stimolo alla rigiocabilità, a lungo andare potrebbe trovare l’offerta un po’ scarsa, o meglio “già vista”.

Audio e Video

Esteticamente, NBA THE RUN abbraccia con decisione l’estetica streetball: colori saturi, effetti visivi carichi, un’identità artistica riconoscibile e volutamente sopra le righe. I campi di gioco hanno personalità, i giocatori sono caricaturali al punto giusto, e le animazioni delle schiacciate sanno essere soddisfacenti quando vanno in porto. Oddio, a volte andranno avanti anche quando il giocatore non avrà più la palla in mano, cosa che le rende anche esilaranti.

Il problema, però, è che questa saturazione visiva gioca brutti scherzi proprio quando serve chiarezza. Il campo è piccolo, l’azione è frenetica, i colori sono ovunque: in queste condizioni perdere il pallone di vista è quasi inevitabile, e la grafica vivace diventa paradossalmente un ostacolo alla leggibilità dell’azione. Non è un difetto da poco in un gioco che si basa sulla lettura istantanea della situazione.

Sul fronte sonoro, il gioco se la cava decisamente bene. La colonna sonora ha il giusto groove hip-hop/streetball anni ’90-2000 che ci si aspetta, con tracce che tengono il ritmo senza stancare. Gli effetti sonori come lo squeak delle suole o il suono del ferro che prendi quando tiri a caso come il sottoscritto, hanno quel riscontro che rende soddisfacente l’azione sul campo. Il doppiaggio, assente in senso stretto, lascia spazio a commenti e animazioni che fanno atmosfera, anche se ammetto che a volte lo speaker mi ha un po’ infastidito, specie quando rimarcava le mie pessime prestazioni!

Concludendo

NBA THE RUN ha il cuore al posto giusto. L’omaggio ai grandi giochi arcade del passato si sente, il rispetto per l’estetica streetball è genuino, e l’idea di base del basket 3v3 immediato, frenetico, con le licenze NBA è solida. Play by Play Studios ha costruito qualcosa che ha potenziale reale, e il piano di supporto post-lancio (nuovi giocatori, nuovi campi, nuove modalità) potrebbe col tempo riempire i vuoti evidenti.

Ma NBA THE RUN, oggi, è un gioco che ha ancora qualche problema, secondo me. La confusione nelle partite multiplayer è reale, con la risposta del motore di gioco che non è sempre quella di un titolo “veloce, fluido e reattivo” come promesso, e la grafica coloratissima (che è anche il suo tratto distintivo!) finisce per essere nemica della leggibilità in campo. Inoltre la spinta a rigiocare i tornei, specie nel caso in cui non si abbia una buona community alle spalle, potrebbe far esaurire rapidamente l’entusiasmo, dato che alla fine, al netto delle regole random prima di ogni partita, è “sempre” un 3v3 e basta.

Il prezzo di lancio molto allettante (24,99€ su PS Store) è onesto per quello che offre, ma mi auguro che con il futuro supporto, assieme all’implementazione di qualche altra modalità, il gioco possa fare quel salto di qualità che merita.

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Nerdando in breve

NBA The Run è un arcade basketball 3v3 online con un bello stile e buone intenzioni, ma un po’ di confusione e di ripetitività ne frenano il potenziale.

Trailer

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Conosci la “Snowflake Generation“? Citando l’internet, si tratta di “persone giovani che sono considerate particolarmente sensibili o permalose, pronte ad offendersi per qualsiasi motivo”. Ed è qui che entra in gioco That’s Offensive, nuovissimo gioco targato Cranio Creations, che ci renderà tutti parte della “snowflake generation”, ma nel contesto di un party game divertente e con potenziali schiaffi (virtuali!).

Recensione

Beh, That’s Offensive è un party game, quindi mi perdonerai se salto tutta la parte su “storia e ambientazione”! Oppure no, perché potresti offenderti perché “se salti la storia, stai offendendo chi racconta le storie e non si sente rappresentato/a”?

Meccaniche

Ecco, il concetto dietro That’s Offensive è questo. Sostanzialmente dovremo giocare a un gioco che ricorda molto Taboo, quindi facendo indovinare delle parole attraverso delle descrizioni ai nostri compagni di gioco (ma non si gioca a squadre), leggendole su delle carte Parola che hanno 5 parole per lato, bianco o nero, in 45 secondi. Nel mentre le altre persone al tavolo avranno a disposizione in mano delle carte rosse, le carte Offesa, sulle quali sono riportate delle parole, o dei concetti, che NON potranno essere espressi da chi sta cercando di far indovinare le parole sulle carte.

Faccio un esempio pratico: una carta Offesa può dire “Non nominare oggetti che valgono più di mille euro – è offensivo per i non milionari, tipo gli studenti”. Quindi, mettiamo caso che devi far indovinare la parola “appartamento” e magari diresti “sai, come si chiamano le unità singole di un PALAZZO”, nel momento in cui dirai la parola “PALAZZO”, essendo qualcosa che vale più di 1000€, chi avrà questa carta offesa dovrà interromperti al grido di “È offensivo!“, interrompendo il timer e leggendo a voce alta la motivazione. Fastidioso, vero? A quel punto, ricomincerai dalla parola seguente, e così via, fino alla fine del timer e al conteggio dei punti, che otterranno sia chi faceva indovinare sia chi doveva indovinare, ma anche chi ha espresso il suo sentirsi offeso, prendendo i punti riportati sulle carte offesa con degli azzeccatissimi fiocchi di neve.

Ora, immagina di essere al tavolo con 10 persone, e ognuna di queste avrà almeno 2 carte offesa a testa, quindi puoi capire come è facile arrivare a un punto in cui sarà davvero sensato dire “non si può più dire niente!”. Alcune offese sono effettivamente più ricercate, ma altre sono molto comuni, come per esempio “colori” oppure “parole in lingua straniera” o “animali” e così via. Insomma, sarà divertente vedere chi si offende di più al tavolo!

Alla fine vince chi accumula più punti (tra parole indovinate, fatte indovinare e offese rilevate), e attenzione, a volte i punteggi cambiano in maniera repentina, quindi non è mai detta l’ultima parola su chi potrebbe alzarsi dal tavolo con la vittoria in pugno.

Componenti

That’s Offensive è un party game particolarmente snello, è infatti composto da 177 carte Parola, 43 carte Offesa e una serie di segnalini “Fiocco di Neve” con cui tener traccia dei punti. I colori semplicissimi del gioco – rosso, bianco, nero – rendono il tutto molto minimale, e direi che è in linea con lo spirito del gioco.

Concludendo

Credo, senza tanti giri di parole, che That’s Offensive possa essere uno di quei party game dove la giusta compagnia e la giusta atmosfera possono generare partite epiche. La gestione del tavolo diventa un po’ complessa con tante persone, perché il quantitativo di potenziali offese può aumentare in maniera davvero esponenziale, rendendo magari un pelo frustrante il gioco in alcuni, rari, frangenti. Devo inserire un grosso disclaimer: qui non bisogna assolutamente prendersi troppo sul serio o offendersi. Il gioco va proprio a sdrammatizzare un atteggiamento che è facile da riscontrare nella nostra quotidianità, e spero che possa strappare un sorriso davvero a chiunque.

A chiunque non si senta in vena di sentirsi perennemente in uno stato di offesa, ovviamente!

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Nerdando in breve

That’s Offensive è il gioco che ti metterà nei panni della “Snowflake Generation“: ogni cosa può offenderti, e tu potresti offendere ogni cosa!

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Travolti da un’insolita ondata di caldo precoce, cerchiamo di ritrovare un po’ di freschezza nei suggerimenti redazionali del #NerdandoConsiglia di Maggio 2026!

Comicon Napoli 2026

Cavaliere: Anche quest’anno ho partecipato al Comicon come dimostratore del Guiscardo, l’associazione ludica di cui faccio parte. Facevamo giocare da tavolo e di ruolo e, come sempre, l’area ludica è stata presa d’assalto visto che era gratis, in quanto gestita dalle associazioni ludiche campane! Spiegare e in generale “stare sempre sul pezzo” ovviamente stanca ma, nonostante tutto, comunque è una bella esperienza. Poi diciamocelo: far giocare le persone gratuitamente mi rende orgoglioso!

Sul Comicon in generale noto la “deriva” verso i giochi di carte collezionabili, ma almeno i fumetti resistono con delle belle mostre e tanta gente!

Scrissi della mia esperienza in un apposito articolo due anni fa!

Tribes of the Wind

Cavaliere: Siamo in un futuro prossimo post-apocalittico e, in quanto tribù del vento, ricostruiremo il mondo dalle rovine. Come? Piantando foreste, costruendo nuovi villaggi e bonificando le aree circostanti.
Il cuore di Tribes of the Wind consiste nel giocare una carta dalla nostra mano. Essa spesso avrà un requisito minimo per calarla e un altro più difficile da rispettare, ma che darà ricompense maggiori. Esempio: se ho due carte rosse ripulirò due caselle della mia plancia personale dai rifiuti; se invece ne avrò tre potrò anche piantare una foresta spendendo sei d’acqua.
Inoltre ci sono anche requisiti che richiedono di avere più o meno carte di quel tipo rispetto ai vicini. Quindi ciò porta a dover prendere sempre decisioni, visto che quella carta ora potresti calarla, mentre dopo no, così come se aspetterai ne potresti sfruttare il massimo della potenza! Mi piace molto questo aspetto in quanto così da un lato valorizza combo e scelte compiute che ti fanno sentire un figo e dall’altra non devi solo badare al tuo orticello.
Stranamente per le mie abitudini, visto che sono una persona orribile che raramente segue le ambientazioni dei giochi da tavolo, in questo caso mi trovo a dire: “pianto una foresta”, “costruisco un villaggio”, “rimuovo la spazzatura” ecc. Non scegliere mai Tribes of the Wind solo per questo, sia chiaro, non è assolutamente Nemesis o Villainous!

È indipendente dalla lingua, ma comunque la versione italiana è pubblicata Lucky Duck Games.

Gran Galà con Delitto

Cavaliere: Avevo preordinato il primo romanzo di Simone Tempia, incuriosito da come avrebbe affrontato la nuova sfida e l’attesa è stata ripagata. Si tratta di un ottimo giallo alla Agatha Christie o alla Detective Conan, in cui il colpevole è uno dei presenti. L’ho trovato ben scritto, con personaggi credibili e soprattutto avvincente!

Complimenti all’autore e a Garzanti anche per il prezzo popolare!

The Boroughs

Djando: Serie Netflix scovata quasi per caso grazie all’inesauribile fiuto di Morgana, The Boroughs è un mix tra Stringer Things, Cocoon, I Goonies e le classiche avventure di una volta, che mi ha decisamente intrigato sin dalle prime battute. L’ambientare una serie di fantascienza/mystery/horror in una cittadella dedicata all’accoglienza di pensionati rende il tutto decisamente più curioso, e non nego che a volte mi ha ricordato il GdR Green Oaks, anch’esso ambientato in un luogo dedicato a chi ha qualche anno in più e che nascondeva una componente di mistero (e orrore). Per ora siamo a metà serie, e sta andando alla grande anche grazie al cast che non ha bisogno di presentazioni, speriamo in un buon finale all’altezza delle aspettative!

LumenTale: Memories of Trey

Fedro: Amanti dei monster collector, unitevi! Proprio il 26 di questo mese esce una grande piccola perla italiana: LumenTale: Memories of Trey (di cui potete trovare la mia recensione approfondita qui). Lo studio Beehive, nato da una pagina di meme Pokémon e capeggiato da Fabrizio “Starkey” Laborano, è riuscito a portare in vita un titolo che rappresenta il giusto mix tra classicità e innovazione, dimostrandosi pieno di contenuti già al lancio e artisticamente davvero ispirato. Non mancano certo i difetti, seppur piccoli, ma Beehive è uno studio indie molto impegnato e che ascolta costantemente la community, quindi non c’è da preoccuparsi. Ho potuto provare il gioco con un mese di anteprima e, ti assicuro, è un vero capolavoro che soddisfa e dona un profondo senso di immersività (oltre che creare un attaccamento spasmodico che mi ha fatto investire ore ed ore).
Giocalo, pls!

Alabaster Dawn (Early Access)

Fedro: Se non hai mai giocato a CrossCode, beh, ti sei perso veramente qualcosa di unico! Diciamo che il gioco è invecchiato dal 2020 a oggi, non male, ma nemmeno benissimo. Bene, il 7 di questo mese è uscito in Early Access (con circa 10 ore di contenuti) il nuovo titolo degli stessi sviluppatori: Alabaster Dawn. A grandi linee il sistema di gioco rimane lo stesso: una splendida componente Action RPG in pixel art che fa da contorno (un bellissimo contorno) a quello che essenzialmente è un puzzle platformer in isometrica. Cambiano però l’ambientazione (artisticamente stupenda) e la storia del gioco. Quello che rimane impresso fin da subito, oltre al fantastico sistema di combattimento e di movimento, che poi è ciò che ha reso famoso CrossCode, è la profondità della scrittura della trama e dei personaggi, che sono veramente vicini al reale. Un gioco bellissimo, che ogni tanto fa partire qualche parolaccia, ma va bene così!

M.I.A.

Tencar: qualche giorno fa, stavo sfogliando il catalogo di Paramount+ ed è bastato leggere “Da Bill Dubuque, co-creatore di Ozark” per farmi vedere, in pochissimo tempo, le nove puntate della prima stagione di M.I.A., serie TV crime incentrata sulla vendetta che consiglio caldamente.

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Ci sono titoli che arrivano con il peso di un’aspettativa enorme, quasi scomoda, e Saros è uno di quelli. Dopo Returnal  – titolo che ha spaccato a metà il pubblico PS5, adorato da chi aveva nervi d’acciaio e abbandonato da tutti gli altri – Housemarque e Sony Interactive Entertainment Europe tornano su binari simili, ma con una consapevolezza nuova, più matura. Il risultato è un’esclusiva PlayStation 5 che non ha paura di guardarsi allo specchio e migliorare.

Ringrazio Sony per avermi inviato una copia di Saros con cui ho potuto scrivere questa recensione.

Recensione

Saros ci mette nella scomoda tuta di Arjun Devraj, membro della spedizione Echelon IV, catapultato sul pianeta Carcosa: un mondo alieno che si trasforma ciclicamente sotto l’effetto di un fenomeno devastante chiamato Eclissi. Suona familiare? Sì, il DNA è quello. Ma il modo in cui la storia viene raccontata è profondamente diverso rispetto a Returnal, e in meglio.

Lì ci si sentiva soli, abbandonati in un loop narrativo quasi crudele, dove i frammenti di storia erano talmente radi da sembrare un miraggio. Qui Housemarque ha fatto un passo indietro e si è chiesta: “Ma perché non dare al giocatore qualcuno con cui parlare?” Il Passaggio – l’hub tra una run e l’altra – diventa così un luogo vivo, abitato da personaggi come l’androide Primary e da una piccola ma efficace galleria di figure secondarie che aggiungono prospettiva, calore e profondità alla vicenda di Arjun.

La narrativa si ispira dichiaratamente al weird fiction, con richiami evidenti a The King in Yellow già solo nel nome del pianeta (e per qualche schema colore ricorrente), e si costruisce per stratificazione: ogni run completata, ogni boss abbattuto, ogni bioma esplorato restituisce un tassello in più. La progressione narrativa non è mai arbitraria, è una ricompensa. E questa differenza, banale sulla carta, cambia radicalmente il rapporto emotivo con il gioco. Ciclo dopo ciclo, non ti senti perso: sai che c’è sempre qualcosa che ti aspetta dall’altra parte.

Ovviamente non posso aggiungere altro sulla storia, perché andrei a snaturare la componente fondamentale di Saros: esplora, scopri, muori, ripeti.

Gameplay

Sul piano del gameplay, Saros è ancora un bullet hell roguelite in terza persona nel senso più puro del termine: si schiva, si spara, si muore, si ricomincia (l’ho già detto?). Il nucleo base di Returnal è riconoscibilissimo, ma ogni singolo ingranaggio è stato revisionato con cura chirurgica. Il sistema di combattimento è ancora più reattivo: lo scudo è diventato uno strumento tattico a tutti gli effetti, il rampino aggiunge verticalità e dinamismo agli scontri, e l’Adrenalina – una barra che cresce restando illesi – premia l’aggressività con bonus temporanei che cambiano davvero il ritmo degli scontri. Ogni bioma di Carcosa ha la sua identità: dagli spazi aperti dove il rampino è fondamentale ai corridoi più stretti e claustrofobici dove il bullet hell si fa quasi clamoroso.

Parlavamo dello scudo: qui secondo me c’è la svolta creativa che cambia le carte in tavola. Di solito nei bullet hell siamo invitati a schivare i proiettili, vero? Bene, in Saros invece sarà utile – non sempre, attenzione – andare a “caccia” di alcuni proiettili, che ci permetteranno di ricaricare la nostra energia e, tramite la pressione completa del trigger L2, attivare una fortissima arma energetica che ci salverà in più occasioni. A proposito dei grilletti e delle armi: molto bella la modalità di fuoco secondaria, presente con ogni arma e che scoprirai solo giocando, che si attiva premendo fino a metà il trigger del Dual Sense. Adoro questi dettagli!

La progressione è doppia e intelligente: da un lato quella legata alla singola run, impermanente e tesa; dall’altro una progressione “meta” che spende la valuta principale, il Lucenite, in potenziamenti e opzioni di build permanenti. Anche la run peggiore lascia qualcosa, e questa sensazione, per un roguelike, è preziosa quanto un boss abbattuto al primo tentativo. L’ho accolta come un’ottima novità rispetto al predecessore, e mi ha reso ogni ciclo più accettabile. Il fast travel tramite la Rete di Teletrasporti – assente in Returnal – riduce drasticamente il backtracking forzato, permettendo di rientrare al Passaggio e tornare direttamente in biomi già sbloccati. Un miglioramento della qualità della vita che sembra piccolo, ma che nel lungo periodo alleggerisce enormemente il peso delle run più lunghe. Certo: rifare una run lunga permette di arrivare molto più potenziati agli scontri coi boss. Non è da sottovalutare!

Ma la vera novità è il sistema dei Modificatori di Carcosa: una serie di modificatori positivi e negativi con cui è possibile plasmare attivamente il livello di difficoltà. Si possono aumentare i danni inflitti, ridurre la Corruzione, migliorare la gestione delle cure, a patto di bilanciare con penalità come meno seconde chance o ricompense ridotte. Per chi vuole togliersi i freni del tutto, c’è anche l’opzione che disabilita il bilanciamento e consente di impilare agevolazioni senza contropartite. All’opposto, i masochisti incalliti possono costruire run da Returnal puro e anche peggio. “Accessibilità” è una parola che assume un significato ampio.

Questo è, secondo me, il contributo più importante di Saros al genere: finalmente un roguelike tosto che ti dà le chiavi del livello di sofferenza. La crescita di Arjun è tangibile, leggibile, soddisfacente. E poter modulare la difficoltà senza snaturare il loop lo trasforma da “gioco per pochi” a “gioco per chi ha la pazienza giusta”.

Audio e Video

Su PS5 Pro, Saros è semplicemente incredibile da vedere. Housemarque ha costruito il motore grafico su Unreal Engine 5 con personalizzazioni profonde, e il risultato si vede: le ambientazioni di Carcosa alternano organico e quasi-industriale, i cieli si strappano durante l’Eclipse, e la densità di effetti particellari durante le boss fight raggiunge livelli che farebbero venire i crampi a qualunque altro hardware. Eppure la leggibilità dell’azione non viene mai sacrificata — e su un bullet hell è un risultato non banale.

Su PS5 base il gioco punta ai 60 fps con grande stabilità. Su PS5 Pro quei rarissimi cedimenti spariscono quasi del tutto, con una risoluzione interna più alta supportata da PSSR2 che avvicina l’immagine al 4K nativo in molte situazioni. Le cutscene principali scendono a 30 fps per alzare ulteriormente la qualità visiva dei modelli e dell’illuminazione – scelta che ha senso, visto che in quei momenti il pad lo tieni fermo. Parlando di pad: come dicevo prima, il DualSense è protagonista assoluto. La vibrazione cambia tono in base alle munizioni rimaste, scandisce il rinculo delle armi pesanti, avvisa del cedimento dello scudo, accompagna ogni aggancio del rampino. Le resistenze dei grilletti adattivi variano per ogni tipo di arma, restituendo una fisicità vera. Ci sono momenti in cui è più immediato sentire cosa sta succedendo che leggerlo a schermo, e questo è il massimo che un controller può fare.

La colonna sonora gioca su registri elettronici e atmosferici, sempre al servizio della tensione, senza mai scivolare nel “wallpaper da roguelike”. Il 3D audio completa il quadro: posizionare un nemico nello spazio grazie al suono, preparare una schivata prima ancora di vederlo – è quella cosa che, una volta abituati, fa sembrare le cuffie mono roba preistorica. Anche il doppiaggio è di ottimo livello, sia in inglese che in italiano.

Concludendo

Saros non reinventa la ruota. Non aveva bisogno di farlo. Prende una ruota già buona — quella di Returnal — e la sgrossa, la bilancia, le aggiunge i raggi che mancavano. Il risultato è un roguelike che mantiene tutta l’intensità e il rigore del predecessore, ma che non usa più la difficoltà come muro invalicabile bensì come punto di partenza da modellare.

La storia è più presente, i personaggi ci sono davvero, la progressione è costante e percepibile. Su PS5 Pro tutto questo gira con una cura tecnica e sensoriale che fa capire perché Housemarque sa davvero cosa fa l’hardware Sony quando viene spinto al massimo.

Potrei trovare qualcosa da ridire? Forse che chi ha già macinato Returnal in tutte le sue forme potrebbe trovare il salto meno rivoluzionario di quanto la comunicazione abbia lasciato intendere. Ma per tutto il resto del pubblico — dai fan del genere che cercavano quell’1% di miglioramento ai neofiti spaventati dalla reputazione di Returnal — Saros è il gioco giusto al momento giusto. Armandosi di pazienza, ovviamente. Tanta.

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Nerdando in Breve

Saros è il Returnal che finalmente ti vuole bene: stesso cuore bullet hell ad alta tensione, ma con più storia, progressione concreta e difficoltà modulabile, un vero gioiello tecnico su PS5 Pro.

Trailer

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Questo mese avete aperto le uova per poi scoprire il solito braccialetto di plastica? Beh, qui troverete qualcosa di decisamente più interessante: ecco il #NerdandoConsiglia di Aprile 2026!

Replaced

Zeno2k: Un action platform cyberpunk in pixel art.

Un’intera recensione che potrebbe finire in una sola riga.

Da aggiungere invece: disponibile su Game Pass.

Personalmente ha tutto quel che mi aspettavo: ambienti distopici, trama soffocante, personaggi disperati, hacking, AI… il tutto con quel fascino retrò che non guasta mai.

The Thaumaturge

Zeno2k: Il fascino della prospettiva isometrica in una Varsavia di inizio secolo, tra mutamenti sociali, crisi politiche e misticismo.

In questo rpg fantasy polacco con combattimenti a turni, missioni secondarie, esplorazione, investigazione ed entità soprannaturali.

Lo avevo puntato da tempo, ed ora è disponibile su Game Pass, un’occasione ghiotta per tuffarsi in questo universo narrativo intrigante e non troppo complesso.

Hansa Teutonica – Big Box

Cavaliere: Se Hansa Teutonica fosse stato pubblicato in Italia quest’anno, probabilmente gli avrei dato il mio Award per il gioco da tavolo. Si tratta della riedizione del grande classico di Andreas Steding originariamente pubblicato nel 2009.

Hansa Teutonica rientra nella categoria dei giochi all’europea ma rimane fresco, visto che nonostante utilizzi meccaniche familiari riesce a offrire un’esperienza unica nel suo genere. In pratica, dovremo occupare un’intera rotta commerciale tra due città per stabilire i nostri uffici o riscattare poteri che renderanno una delle nostre azioni più forti. Le tante possibilità offerte senza mai rendere Hansa Teutonica soverchiante, unite all’interazione data dal fatto che i giocatori si contenderanno le tratte più appetibili, rendono questo titolo una perla all’interno del genere.

Infine, un grande vantaggio è che è indipendente dalla lingua. Quindi il fatto che, al momento in cui scrivo, la versione italiana pubblicata da Ghenos sia introvabile non è un ostacolo!

Frieren – Oltre la fine del viaggio – Seconda stagione

frieren scena

Cavaliere: Ho dedicato una recensione NO SPOILER bella approfondita sulla seconda stagione di questo anime. Quindi in questa sede mi limito a dire che mi è piaciuta e che attendo la terza!

The People v. O. J. Simpson: American Crime Story

Cavaliere:  Una storia vera, grandi attori e focus sulle persone dietro a quello che fu il caso statunitense del secolo.

Ti consiglio di vedere la prima stagione di American Crime Story, dedicata a uno dei processi mediatici per eccellenza: quello che coinvolse l’ex stella del football americano O. J. Simpson.

La trovi su Disney+.

Dexter: New Blood

Hardcase: Indeciso se scrivere di un libro o di una serie Tv, questa volta ho optato per la seconda visto che è qualcosa che non faccio di rado. E, se è vero che poche locuzioni come “puntualmente in ritardo” sono in grado di descrivermi, è normale che, anche stavolta, finisca con lo scrivere di qualcosa che ha già “sul groppone” il suo bel numero di anni. 

Mentre, infatti, si fa un gran parlare della seconda stagione di Dexter Resurrection, io ho appena finito di vedere la mini serie precedente, dedicata al nostro serial killer preferito questa volta lontano dal gran caldo di Miami.

DNB rappresenta, per molti versi (almeno per le prime 2 o 3 puntate), un cambiamento quasi destabilizzante per il fan medio della serie. Via la misoginia, via il passeggero oscuro e via l’afa, quello che rimane è un ritratto spiazzante del protagonista principale. Ma ognuno di noi sa che, in fondo, tutto questo cambiamento non può durare per sempre  altrimenti, diciamocelo, che Dexter sarebbe?

Ciononostante, la serie rappresenta una bella sferzata, un vento (gelido) di novità che era assolutamente necessario per lo show. 

La regia, peraltro, è decisamente più ispirata delle ultime stagioni canoniche ed anche l’interpretazione dei personaggi principali e secondari è buona.

Certo stiamo pur sempre parlando di Dexter, quindi tra incongruenze di vario tipo, serve sempre una buona dose di sospensione di incredulità per godersi appieno lo spettacolo, ma, fatto questo, il risultato finale è soddisfacente. 

Gnarls Barkley – Atlanta

Hardcase: Quando si dice “fare le cose con calma”. 

Ci sono voluti 18 lunghissimi anni per poter tornare ad ascoltare qualcosa di nuovo di questo gruppo, ma neanche il tempo di gioirne che subito è arrivata la brutta notizia. “Atlanta” sarà il loro ultimo disco assieme, poi il duo, composto da Danger Mouse e CeeLoo Green, si scioglierà definitivamente.

Se ti stai chiedendo chi diavolo siano i Gnarls Barkley sappi che: a) non sei certo il solo; b) che nella tua testa gironzolano, inconsciamente, almeno un paio di loro hit.

Per dovere di cronaca i Gnarls Barkley hanno fatto irruzione sulla scena musicale nel 2006 sbaragliando la concorrenza con la trascinante Crazy, poi di lì hanno sfornato un paio di altri album di buon successo, tutti all’insegna del soul fuso all’elettronica. 

Atlanta prosegue lungo il solco già tracciato, ma abbandona l’easy listening per una maggiore profondità e qualità delle canzoni, con un risultato che a me pare eccellente.

Piccola curiosità in chiusura. 

Leggenda vuole che CeeLo Green, per la registrazione della parte vocale di Crazy, non certo facilissima, abbia avuto bisogno di un solo “take”. Niente male, davvero niente male. Peccato che poi, come uomo, abbia dimostrato di valere decisamente meno della sua voce.

Minishoot’ Adventures

Hardcase: Che ognuno di noi sia oramai perseguitato da un backlog lungo quanto la fila sulla A22 durante l’estate è un dato di fatto e questa è una delle ragioni per cui continuo a chiedermi perché si realizzino tutt’ora giochi da 100 e più ore.

Pur essendo un appassionato di RPG quando leggo che per completare un gioco bisogna buttarci dentro una quota abnorme del mio già scarno tempo libero, mi scoraggio al punto che neanche lo comincio. 

Per questa ragione, quando mi capitano titoli geniali che durano 8-10 ore esulto fanciullescamente.

Minishoot’ Adventures l’ho conosciuto e provato un po’ per caso, complice la sua presenza sul Game Pass. L’idea di tornare a sparare con un’ “astronavina” come nei vecchi cabinati, in un contesto metroidvania, mi ha subito soggiogato.

Il gioco nella sua essenza non è nulla di realmente rivoluzionario, ma unire un bullet hell coi fiocchi a meccaniche metroidvania, dedicando un’attenzione spasmodica ai dettagli è stata una scelta, secondo me, assolutamente vincente.

Gli sviluppatori, infatti, avrebbero potuto fare come tanti altri, diluire la qualità e la cura per il gioco in uno sproposito di ore e invece Minishoot’ è un concentrato di giocabilità e simpatia.

Io l’ho finito in 8 ore godendomi ogni singolo secondo!

Thelma

Kiarakala: Quante volte abbiamo ricevuto messaggi con scritto “Mamma/Papà, mi si è rotto il telefono, puoi mandarmi dei soldi su questo conto?” ? Se non si hanno figli è facilissimo capire che si tratta di un tentativo di truffa, ma se fossimo una dolce nonnina che stravede per il nipote, potremmo cascare in una di quelle dannate truffe telefoniche come la povera Thelma.

Thelma però non ci sta, non le piace essere stata ingannata e soprattutto non vuole che la sua famiglia la veda come una vecchia incapace da ricoverare in ospizio, per questo escogita un piano per riprendersi i suoi soldi.

Una commedia divertente con una protagonista incredibile che non si arrende all’età che avanza, così come il cast di attori ultra novantenni che non sembrano per nulla affaticati dal tempo. Un film che celebra la vita e che rappresenta un bellissimo rapporto tra nonna e nipote uniti dal desiderio di non essere considerati inutili.

Il film attualmente si trova nel catalogo di Netflix ed è ottimo se si vuole passare una serata leggera.

Something Very Bad Is Going To Happen

Tencar: miniserie di 8 puntate che trovi su Netflix. Sembra andare in una direzione e poi vira in maniera drastica: non voglio spoilerarti nulla ma guardala se ti piacciono le storie inquietanti.

Baby Reindeer

Tencar: altra miniserie che trovi su Netflix di 7 puntate che racconta la storia (quasi vera) di un aspirante comico e la sua stalker: è davvero molto, molto triste ma interessante. Assicurati di essere nel mood giusto.

Vampire Crawlers: The Turbo Wildcard from Vampire Survivors

Tencar: dannata Poncle che riesce in tutto quello che fa. Un dungeon crawler deckbuilder ambientato nell’universo di Vampire Survivors che riesce a intrattenerti in sessioni che dovrebbero durare trenta minuti. Dovrebbero, te l’assicuro, poi ti accorgi che è passata un’intera serata.

Tunic

Jedi.lord: È un piccolo rpg che non nasconde amore ed ispirazione ai vari Legend of Zelda del passato, con un’idea di base che mi ha lasciato divertito: quella di non dirti da subito come si gioca e lasciartelo scoprire pian piano, scoprendo…le pagine del manuale! Intrigante, divertente e anche carino da vedere: io l’ho provato perché lo avevo su PS Plus, un giro lo merita senza dubbio se ti piace il genere o anche se ti interessano le piccole perle al di fuori del mondo tripla A.

Zootropolis 2

Jedi.lord: Mica me lo aspettavo un sequel così divertente! Il primo Zootropolis mi era piaciuto da pazzi, e del secondo me ne avevano parlato come un sequel carino e niente più. Io invece mi sono divertito come non accadeva da tempo, alcune trovate sono assolutamente degne della grande tradizione Walt Disney Animation e il film è uno dei più piacevoli che ho guardato nell’ultimo periodo. Mai fidarsi troppo delle voci, sempre toccare con mano.

Halo: Combat Evolved

Jedi.lord: E quindi, Halo. Mi sono comprato il megabundle che si chiama Master Chief Collection di una saga che non mi è mai interessata, il perché non lo so nemmeno io. Forse per colmare una lacuna della mia carriera videoludica, fatto sta che ho cominciato il primo capitolo della serie e ora capisco perché fosse così celebrato. Risente un po’ del peso dell’età – come tutti noi, d’altronde – ma lo trovo divertente, in attesa di scoprire come prosegue la storia.

Forse mi sono ricordato: ho guardato un reel sui social a proposito dei più grandi momenti dei videogiochi, e tra gli altri era citato lo sbarco sul mondo ad anello. Ne valeva la pena.

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