Recensione

Era un tempo lontano, molto lontano, quando Facebook andava ancora di moda e io avevo troppi pochi anni per capire quello che stava accadendo nel mondo. In quel periodo scoprivo la pagina Facebook “Weedle”, che seguivo semplicemente perché postava meme italiani sui Pokémon.

Di lì a qualche tempo, i proprietari della pagina: Fabrizio “Starkey” Laborano (lui son sicuro) e “ZioCricco” (credo si chiamasse così) decidono di creare una loro RomHack Pokémon, da zero, dal nome di Pokémon Xenoverse. Il prodotto subisce ritardi, cambiamenti e questioni problematiche sullo sviluppo, ma alla fine esce. La RomHack (di cui sono fiero di essere stato un traduttore ITA – ENG) scatena un putiferio, tutti la giocano un sacco e piace, anche e soprattutto all’estero.

Da questa vicenda puoi capire la mia gioia e il mio stupore quando Starkey ha deciso di fondare uno studio e di lavorare ad un nuovo monster collector, staccandosi dalla matrice pokémoniana.

Questa è la storia di come io ho vissuto la nascita di Beehive Studios e di LumenTale: Memories of Trey,  che, grazie allo Studio e a Team 17 ho potuto provare con molta anteprima!

E no, non sei pronto o pronta.

Trey, i Lumen e gli Animon

Non voglio veramente raccontarti niente di questa trama, di quello che ci si può trovare, di quello che si può scegliere di essere e di fare.

Mi limiterò a raccontarti le premesse della storia.

Immagina di essere un robot, di svegliarti senza memorie in un laboratorio e senza sapere come comportarti, su un lettino, in un mondo che non conosci e l’unico modo per recuperare un po’ di ricordi è provare a viaggiare. Forse un incipit un po’ banale, potresti pensare, ma ti assicuro che non è così.

Davanti a questo inizio, in realtà, si staglia un mondo di cui Trey è il protagonista e gli Animon (le creature di questo titolo) sono il centro nevralgico: un mondo pieno di vita, misteri, SCELTE (di gameplay, ma anche morali) e plot twist veramente inaspettati.

Sotto ad un apparente loop composto da: vai nella città successiva, risolvi il problema, batti il boss della città e ricomincia da capo, si creano degli intrecci estremamente complessi che una volta capiti lasciano spazio a una storia molto interessante, con una giustificazione estremamente dettagliata sulle motivazioni dietro alle azioni che vengono compiute (che secondo me in giochi di questo tipo, di solito, tende a mancare).

OMG è Pokémon ma bello !1!XD

Premessa: non voglio fare e non farò riferimenti e/o confronti con Pokémon, questo perché io credo che questo gioco, come altri monster collector indie usciti negli ultimi anni (per citarne due: Cassette Beasts e Coromon) non siano né meglio, né peggio, ma titoli completamente diversi dal colosso che ha inventato il genere.

Comunque, come si gioca a ‘sto gioco? Beh lo abbiamo già detto più volte, questo è un monster collector, quindi la meccanica di base è la presenza di creature differenti dall’umano (gli Animon) che stringono amicizia con alcune persone (soprattutto con i Lumen) e che combattono al loro fianco.

Il mondo di gioco, Talea, è molto interessante, anche a livello di concetto, diviso a bisturi tra una parte superiore dedita al progresso continuo (“Logos“) e una parte inferiore più volta alle tradizioni e alla loro importanza (“Mythos“)

Esplorare Talea

LumenTale: Memories of Trey si presenta in visuale isometrica, in un sistema open map, di cui ho potuto apprezzare 3 macro tipologie: Città, Dungeon e aree esterne.

La funzione delle Città e la loro architettura generale sono abbastanza palesi, e ti devo dire, sono rimasto piacevolmente colpito da questi luoghi, ho trovato i design particolarmente ispirati, pieni di personalità.

I Dungeon sono luoghi di interesse dove si possono trovare Animon particolari o premi unici, di solito hanno al loro interno dei puzzle da completare con i vari potenziamenti offerti dal gioco.

Ultime, ma più importanti di tutte: le Aree (lo metto maiuscolo perché si chiamano proprio “Area 1”, “Area 2” etc.), sono i posti principali dove incontrare gli Animon. Grandi spazi aperti da esplorare con parti obbligatorie e parti facoltative per ottenere premi extra.

Alcune Aree centrali hanno degli altri Lumen con cui combattere e una volta battuti tutti quelli di un’Area si potrà sfidare il boss, una meccanica molto interessante per incentivare l’esplorazione.

Un’altra importate questione delle Aree è la possibilità di trovare delle fontanelle, dove non solo si possono curare i propri Animon, ma si può anche riposare (per raggiungere determinati momenti del ciclo giorno – notte) e utilizzare la meccanica di creazione, che permette di cucinare o di craftare oggetti utili (e forse anche unici).

Animon e Combat System

Anche qua c’è da fare una premessa: il sistema di combattimento e di gestione delle creature di LumenTale: Memories of Trey è talmente profondo e complesso (in senso buono), che bisognerebbe farci un articolo a parte, quindi, per non essere accusato come manchevole, tralascerò volutamente alcune informazioni, che sicuramente potrai intuire o comunque saranno da scoprire giocando, altrimenti che divertimento c’è!

Premesse fatte, passiamo al concreto, girovagando per il mondo di Talea si incontreranno questi Animon, la loro cattura è possibile attraverso l’Holoken.

Lanciandolo alle creature (che sono presenti e visibili nelle Aree), si può: catturarle direttamente, iniziare un combattimento con un vantaggio oppure sconfiggerli senza aprire il classico combattimento a turni.

Il giocatore può portare nella sua squadra attiva fino a 6 Animon e schierarne in combattimento un numero (molto spesso a sua scelta) da 1 a 4.

Puoi capire da solo che con 140 Animon all’uscita del gioco suddivisi in 13 elementi e 4 tratti (personalità) il livello di preparazione strategica è veramente alto, soprattutto giocando a difficile. Preparazione strategica che avviene nell’Anispace.

L’Anispace è il luogo (anzi il non-luogo, da come lo descrive il gioco) dove vengono gestiti tutti gli Animon catturati. Dico gestiti perché non è solo dove vengono “immagazzinati” quando sono fuori dalla squadra, ma attraverso questo sistema è possibile modificarne i punti statistica, decidere se e quando evolverli (anche qua ci sarebbe da fare un excursus insifnito sui metodi evolutivi), cambiarne il moveset oppure liberarli.

Il giocatore può anche entrare effettivamente nell’Anispace e arredarlo con gli oggetti trovati durante l’esplorazione della mappa!

Menzione d’onore all’intelligenza artificiale all’interno dei combattimenti, non solo molto reattiva e coerente, ma ogni tanto anche difficile da prevedere.

Non solo Animon: un parco giochi per completisti

Se pensi che il loop di gioco si fermi al classico e un po’ pigro “cerca l’Animon, lancia l’Holoken, ripeti fino allo sfinimento”, ti sbagli di grosso. Quelli di Beehive Studios hanno capito perfettamente che per catturare il giocatore moderno serve densità, serve quel senso di “oddio, e là dietro cosa c’è?” che ti fa staccare gli occhi dalla quest principale per tre ore.

Il mondo di Talea è letteralmente pieno di attività collaterali facoltative. Ci sono puzzle ambientali che ti costringeranno a fermarvi e a far fumare i neuroni per capire come sfruttare quel determinato potenziamento, minigiochi che spezzano il ritmo in modo super piacevole e una quantità di segreti da scovare che ti faranno sentire un vero esploratore.

Ma la vera mazzata finale per la mia sanità mentale (e per il mio tempo libero) è stata la presenza di un intero set di carte collezionabili. Ragazzi, LE CARTE.

In ogni caso, se hai quella vena di collezionismo compulsivo che ti costringe a raccogliere ogni singola cosa luccicante sullo schermo, sei finito. Ti ritroverai a dedicare ore e ore solo per il gusto di completare gli album e sbloccare ogni potenziamento possibile per Trey e la squadra.

C’è una cura e una ricchezza di contenuti impressionante dietro ogni angolo, il chiaro segno di un team che aveva ben chiaro in testa che l’obiettivo era quello di creare un micromondo in cui è semplicemente meraviglioso perdersi e dimenticarsi del tempo che passa.

Creatività e Pixel

Sento il bisogno di parlare, anche se molto brevemente, del lato artistico più “tradizionale”: la grafica e il sonoro.

Questo progetto è frutto di un crowdfunding, partito da kickstarter, che è stato finanziato in maniera veramente efficace e veloce già grazie alle prime concept art (fatte dal gruppo di Elite4 se non sbaglio).

Non c’è quindi da stupirsi, mi aspettavo una grafica e degli Sprite veramente interessanti ed ispirati ed è quello che ho trovato, anzi, alla fine il gioco ha superato le mie aspettative.

Poi la musica, mamma mia, mi è entrata in testa e non esce più.

Sinceramente guardandolo così, è difficile credere che un gioco del genere sia nato da una pagina Facebook di meme e dall’intraprendenza di una persona, eppure è così.

Qualche piccola nota

Certo il gioco non è perfetto, ha delle piccole debolezze che vorrei discutere.

Una delle cose che di più mi hanno fatto storcere il naso è l’interfaccia della mappa del mondo, l’ho trovata un po’ confusionaria, durante il viaggio ho fatto fatica a capire dove mi trovavo in Talea.

A volte ho trovato un po’ difficile lanciare l’Holoken in maniera corretta, nonostante giocassi a oltre 60 fps ho sentito un pochino in ritardo negli input, ma potrebbe essere tranquillamente skill issue.

Grazie ai materiali che si trovano in giro, già nelle prime ore di gioco, vendendo i preziosi ho accumulato una quantità incredibile di denaro, decisamente troppo rispetto al prezzo medio degli oggetti da comprare nei negozi.

Anche a difficoltà massima, con il sistema dei Lumen e il boss delle aree, mi sono trovato sempre molto overlivellato, ma quello è stata magari una pecca mia, di voler affrontare ogni combattimento fino in fondo.

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Nerdando in Breve

LumenTale: Memories of Trey è una creatura con un’identità fortissima, nata dalla passione pura e cresciuta con una personalità straripante. Quelli/e di Beehive Studios hanno preso il genere dei monster collector e ci hanno stampato sopra la propria firma, regalandoci un’avventura isometrica profonda, strategica e con una trama che non fa sconti e ti cattura fin dal primo istante.

I punti di forza di questo titolo sono innegabili: la direzione artistica in pixel art è ispiratissima e si sposa a meraviglia con una colonna sonora che ti si ficcherà in testa. A questo si aggiunge un combat system che è una vera goduria per i tattici, grazie alla gestione profonda dell’Anispace, un’esplorazione resa decisamente fluida dalle dinamiche dell’Holoken e una valanga di contenuti secondari, tra carte collezionabili, minigiochi, puzzle e postgame, che trasformano Talea in un paradiso per i completisti.

Certo, grattando sotto la superficie, qualche debolezza viene a galla. L’interfaccia della mappa del mondo è un po’ confusionaria e ammetto che a volte ho fatto fatica a capire dove mi trovassi. Anche i comandi per il lancio dell’Holoken non sono sempre precisissimi e soffrono di un leggero ritardo, mentre l’economia di gioco tende a sbilanciarsi in fretta: vendendo i preziosi trovati all’inizio mi sono ritrovato con una quantità spropositata di denaro rispetto ai prezzi dei negozi.

Inoltre, complice la mia fissa di voler affrontare ogni singolo incontro sul percorso, mi sono ritrovato costantemente overlivellato per i boss delle Aree, anche giocando a livello difficile. Ma al netto di queste minuscole sbavature e di una progressione che segue (circa) comunque lo schema classico del genere ti dico una cosa:

Che tu sia amante o meno dei monster collector (basta che non li odiate haha) prendeti s’ta perla italiana e giocatela, ci sono veramente tante ore di contenuti da giocare, da scoprire, da vivere. Ti assicuro che ti arricchirà e ti stupirà, come solo una vera opera d’arte sa fare.

Trailer Pre – Lancio

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Recensione

Sai, ho sempre avuto un debole per l’idea di mollare tutto e andarmene a vivere tra le nuvole. Sarà che quaggiù, tra prezzo della benzina che si alza e gravità che sembra farsi sempre più pesante ogni anno che passa, l’idea di una città volante mi ha sempre affascinato.

Quindi, quando ho avuto l’occasione di mettere le mani in anteprima sulla versione 1.0 di Airborne Empire su Steam, non me lo sono fatto ripetere due volte. Mi sono sentito un po’ come un moderno barone rampante, solo con molta più tecnologia e il costante terrore che la mia intera civiltà potesse ribaltarsi per colpa di un hangar costruito nel posto sbagliato.

Equilibrio precario e sogni a vapore

Se hai giocato ad Airborne Kingdom, il primo capitolo della saga The Wandering Band LLC’s Airborne, sai già di cosa stiamo parlando, ma qui i ragazzi di The Wandering Band (che ringrazio per avermi fatto provare il prodotto in anteprima) hanno deciso di alzare l’asticella. Airborne Empire è completamente diverso dal solito gestionale dove piazzi edifici e aspetti che le statistiche salgano.

Qui la fisica e il movimento sono è i tuoi migliori amici e i tuoi peggiori nemici.

Ogni singola struttura che aggiungerai alla tua metropoli volante influisce sul bilanciamento. C’è una tensione costante, quasi poetica, nel dover gestire il peso laterale per non far inclinare la città e, contemporaneamente, garantire abbastanza forza motrice dal basso per non trasformare il tuo sogno in un sasso che precipita verso il suolo. È un puzzle continuo: vuoi quel nuovo ufficio per i ricercatori? Bene, ma allora devi bilanciarlo dall’altra parte con una forgia o potenziare le ventole. È un balletto meccanico che dà una soddisfazione incredibile quando tutto resta in bolla.

E, se pensi che basti piazzare quattro ventole e sperare per il meglio, ti sbagli di grosso. Il cuore del progresso batte forte tra i rami di un albero delle abilità decisamente ramificato, che permette di sbloccare edifici di utility sempre più complessi o motori decisamente più performanti. Potenziare la propria flotta non è solo una questione di estetica, ma relativa alla sopravvivenza: investire i punti ricerca per trasformare un vecchio rottame volante in una corazzata tecnologica è ciò che separa un grande leader dal sasso che cade con poco stile.

Esplorazione, pirati e materie prime

Ma non si vive di solo galleggiamento.

Il mondo di gioco è una meraviglia per gli occhi, con uno stile un po’ a poligoni 3D, un po’ disegnato a mano, che definire cozy è riduttivo. Sembra di sfogliare un libro di illustrazioni steampunk che prende vita. Mentre sorvoli paesaggi mozzafiato, dovrai inviare i tuoi aeroplani a raccogliere risorse: monete, alberi, minerali… tutto passa poi per la cittadina, per essere trasformato negli ingranaggi del tuo progresso.

E occhio, perché il cielo non è così vuoto come sembra. La campagna è davvero ben scritta e ci mette di fronte a personaggi interessanti e, purtroppo, a dei pirati volanti decisamente poco amichevoli. Qui entra in gioco il lato “Empire”: dovrai armare la città, costruire difese e gestire le minacce mentre cerchi di far prosperare il tuo popolo.

Ti prego, non sottovalutare mai un gruppo di predoni quando sei a corto di carburante.

Qualche turbolenza nel tragitto

Sia chiaro, non è tutto rose e fiori tra le nuvole. Se sei tipo da “tutto e subito”, Airborne Empire potrebbe metterti alla prova. Il ritmo di gioco è piuttosto lento, una scelta voluta per godersi l’atmosfera, ma che a volte rischia di far sembrare i viaggi un po’ troppo dilatati.

Inoltre, devo tirare un po’ le orecchie agli sviluppatori per il tutorial: non è esattamente il massimo della chiarezza. Mi sono ritrovato un paio di volte a grattarmi la testa cercando di capire perché i miei cittadini erano depressi o perché la forgia non produceva più metalli.

C’è tanto da tenere a mente e il gioco non sempre ti prende per mano come dovrebbe, lasciandoti a navigare a vista tra menu e sotto-menu.

Un cielo per tutti (Accessibilità)

Un plauso però va fatto sul fronte dell’inclusività.

Gli sviluppatori hanno capito che ognuno ha i suoi tempi: la possibilità di mettere in pausa in qualsiasi momento per pianificare con calma, o di velocizzare i momenti di “stallo”, è una manna dal cielo (letteralmente). Le opzioni di accessibilità sono numerose, permettendo di personalizzare l’esperienza per renderla godibile a una platea vastissima, indipendentemente dalle proprie necessità tecniche o fisiche. Un approccio che vorremmo vedere sempre più spesso.

In conclusione

Airborne Empire è un gioiellino che brilla di luce propria. Se ami i gestionali e cerchi qualcosa che unisca l’estetica di un sogno a occhi aperti con la durezza della fisica meccanica, questo è un must play. Nonostante qualche incertezza nel guidare i nuovi arrivati e un ritmo che richiede pazienza, l’esperienza di vedere la propria città crescere e dominare i cieli è impagabile.

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Nerdando in breve

Airborne Empire è il nuovo capitolo della serie sviluppata da The Wandering Band LLC e pubblicata da Stray Fawn Publishing, disponibile su PC (Steam) dal 17 aprile 2026. Si tratta di un peculiare open world RPG city builder che ci mette alla guida di una città volante in un mondo disegnato a mano con una cura estetica incredibile. Il gioco brilla per la sua gestione della fisica e del bilanciamento, costringendoci a pianificare ogni edificio per non far precipitare l’intera struttura, mentre esploriamo territori alla ricerca di risorse e combattiamo i pirati. Nonostante un tutorial un po’ spigoloso e un ritmo generale volutamente compassato, resta un’esperienza consigliatissima per chi cerca un gestionale con anima e carattere.

Trailer

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Recensione

Sai, c’è un momento preciso, solitamente verso le due di notte, in cui ti ritrovi a fissare lo schermo bluastro chiedendoti: “Ma davvero ho bisogno di un altro MOBA nella mia vita? Di un altro gioco che mi faccia urlare contro il monitor perché “se sei forte sali” e io non ho le mani?”.

Poi arrivano Quantic Dream, quelli di Detroit: Become Human, che stavolta fanno da “padrini” con l’etichetta publishing, e ti schiaffano davanti la closed beta di Spellcasters Chronicles. E niente, ti ritrovi catapultato in una danza frenetica tra tower defense e azione in terza persona, con quel feeling “da dietro le spalle” che ti fa sentire ogni colpo come se fossi lì a prenderlo. E sai la cosa assurda? Mi sono divertito come un bimbo che ha appena scoperto come scavalcare il cancello del parco giochi, non senza qualche dubbio di aver fatto la mossa sbagliata.

Un Matrimonio Insolito: Deckbuilding e Tower Defense

Dimentica i click compulsivi sulla mappa dall’alto che hanno reso celebri i mostri sacri del genere. In Spellcasters Chronicles la prospettiva cambia tutto, e con essa cambia il nostro modo di percepire il campo di battaglia. Siamo in terza persona, una scelta che rende l’azione molto più viscerale e immediata, quasi “fisica”. Ma il vero cuore pulsante, quello che ti fa sudare le mani sul mouse, batte nel Deck.

Prima di scendere in campo, dobbiamo comporre il nostro mazzo: le unità non sono semplici minion che spawnano a ondate regolari ignorando la nostra esistenza. No, qui siamo noi a decidere chi evocare e quando farlo. È un 3v3 rapido, cattivo, dove la gestione del mana, del numero massimo di minion e delle molteplici variabili trasformano il gioco in una partita a scacchi giocata a 300 all’ora.

La costruzione del deck è un elemento strategico importantissimo!

Il tempismo nell’evocazione fa la differenza tra una vittoria gloriosa che ti fa sentire un genio della tattica e un “Game Over” che brucia come l’inferno. La struttura da Tower Defense e quella da Deckbuilder si sposano con l’aggressività del MOBA in un modo che, onestamente, ho trovato innovativo e aggiunge uno strato strategico davvero niente male.

Spellcasters con Carattere

Parliamo dei protagonisti, perché in un gioco del genere se non ami il tuo avatar è finita prima di iniziare. E qui il carisma non manca affatto. Ho passato gran parte del mio tempo con lo Stone Shaman, e lasciatelo dire: dare fastidio agli avversari posizionando barriere invalicabili, congelando i minion sul posto  e piazzando ballista automatiche è una soddisfazione che rasenta l’illegalità. C’è qualcosa di catartico nel vedere il piano perfetto dell’avversario infrangersi contro un muro di ghiaccio piazzato con un tempismo millimetrico.

Ma il roster promette scintille: abbiamo il Monaco, la Strega e una sfilza di altri eroi in arrivo che sembrano voler coprire ogni stile di gioco possibile, dal supporto puro all’assalto frontale. La personalizzazione e il feeling di ogni Spellcasters sembrano già molto solidi, un ottimo segno per il futuro del titolo che punta tutto sulla varietà delle sinergie tra eroi e mazzi.

Estetica: Carina, ma senza Gridare al Miracolo

Dando un’occhiata agli screenshot e macinando ore sulla closed beta di Steam, l’occhio cade su una direzione artistica colorata, pulita e decisamente “leggibile” (almeno finché non scoppia la guerra). La grafica è quello che definirei “piacevolmente corretta”: i modelli dei personaggi sono ben definiti, le texture sono pulite e le ambientazioni fanno il loro dovere senza troppi fronzoli.

In-game è tutto coloratissimo

Tuttavia, non aspettarti di rimanere a bocca aperta per qualche rivoluzione tecnologica o per uno stile artistico mai visto prima. È un look che strizza l’occhio ai moderni cartoni animati fantasy, puntando tutto sulla fluidità dell’animazione piuttosto che sul dettaglio maniacale. Diciamo che fa il suo compito con dignità, pur senza cercare di reinventare la ruota cromatica o di sfidare i tripla A più blasonati sul piano puramente tecnico.

Luci, Ombre e troppi effetti speciali

Però, ragazzi, dobbiamo parlare dell’elefante nella stanza, quello che rischia di calpestare tutto il divertimento: il caos. Se da un lato la rapidità delle partite è una boccata d’aria fresca, dall’altro bisogna ammettere che nei momenti clou si entra in una sorta di “trance confusionaria” che mette a dura prova i nervi. Quando le unità si ammassano nel bel mezzo della mappa, le carte vengono giocate a raffica e gli incantesimi iniziano a esplodere da ogni direzione, lo schermo diventa un caleidoscopio impazzito di particellari.

A volte mi sono ritrovato a premere tasti sperando che il mio fido Sciamano stesse effettivamente colpendo qualcosa di solido e non solo l’aria fritta tra un’esplosione viola e un fulmine blu. Il rischio di perdere la bussola e non capire più chi stia facendo cosa è altissimo. Gli sviluppatori devono assolutamente lavorare sulla pulizia visiva e sul feedback dei colpi: la strategia deve emergere con chiarezza, altrimenti il rischio è che il gioco diventi un “chi preme più forte vince nel mucchio”.

Il tutto è amplificato da una delle feature principali del gioco, si può volare a piacimento. La libertà di potersi muovere così velocemente e senza ostacoli sulla mappa, aggiunge ancora più caos a un gioco che è già molto disordinato di suo. Ci sarà pur un motivo se altri titoli del genere MOBA fanno del quanto velocemente puoi muoverti sulla mappa un oggetto di bilanciamento molto attento.

POSSO VOLARE!

Un occhio all’accessibilità

Essendo una closed beta, siamo ancora nelle fasi embrionali e si vede. Al momento non ho notato opzioni di accessibilità particolarmente profonde. Mi piacerebbe vedere, nella versione finale, degli slider per ridurre l’intensità degli effetti visivi (fondamentali per contrastare il caos di cui sopra), filtri per il daltonismo e una gestione intelligente della dimensione dei font.

Trattandosi di un titolo sotto l’ala di un publisher esperto, le aspettative in questo senso sono alte: non vogliamo che qualcuno rimanga escluso da questo folle campo di battaglia.

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Nerdando in breve

Spellcasters Chronicles prova a scuotere il genere MOBA mescolandolo con il Tower Defense e il Deckbuilding. Il risultato è un titolo 3v3 frenetico, divertente e con eroi carismatici che sanno farsi amare. Tuttavia, deve ancora domare un caos visivo a tratti soverchiante che rischia di nascondere la profondità tattica dietro un muro di effetti speciali. Le potenzialità ci sono, il divertimento pure: resta da vedere se avrà i muscoli per resistere alla prova del tempo e sfidare i colossi del settore.

Trailer

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Benvenuto/a, sulla scia dell’articolo su Tutto Fire Emblem in ordine cronologico, oggi mettiamo sotto la lente d’ingrandimento l’inizio di tutto: Fire Emblem 1: Shadow Dragon and the Blade of Light (originale Famicom) e la sua rispolverata su DS, Fire Emblem: Shadow Dragon.

Allaccia le cinture, perché stiamo per tornare a un’epoca in cui l‘innovazione aveva un prezzo salato: una difficoltà così feroce da far sembrare i Souls una passeggiata in un campo fiorito. Un brindisi a quando l’iconico Marth ha impugnato la Falchion per la prima volta e ha salvato il salvabile, o almeno ha provato a farlo.

Quando la semplificazione fa male

Quando si parla di Shadow Dragon and the Blade of Light (il capitolo originale del 1990), si parla di un’innovazione pazzesca per il panorama JRPG dell’epoca. L’ossatura è solida e immortale: JRPG tattico a turni in cui sposti le tue unità su una griglia, calcolando la copertura e il Raggio d’Azione.

Il punto di forza di questo capostipite sta nell’aver introdotto la Permadeath, una lezione impartita con rigidità, che rasentava la crudeltà. Basti pensare che, su Famicom, ogni scontro e ogni movimento contava, perché se il tuo Cain finiva per essere circondato, potevi spegnere la consolle, insultare ogni drago divino sommessamente e resettare la mappa (oppure, se sei una bestia di satana, continuare a giocare haha).

Il gioco originale ti inonda di un vastissimo cast di 52 personaggi giocabili (che diventano 59 nel remake per DS). Sebbene figure come Marth e Jagen siano centrali, gran parte delle altre unità è sostituibile, una scelta di design che spingeva il giocatore a usare tutte le risorse disponibili, anche dopo le inevitabili perdite causate dalla Permadeath. A parte Marth, nessuno è necessario.

Attenzione! Nel gioco originale era assente il famigerato Triangolo delle Armi (spada batte ascia, ascia batte lancia, lancia batte spada). Una cosa che rendeva la tattica più brutale e meno elegante. La meccanica fu poi introdotta solo nel remake.

Nonostante sia invecchiato abbastanza male per i fan moderni, l’importanza storica e l’innovazione nell’aver creato un genere sono innegabili. Il gameplay è puro e crudo, con pochi strumenti per i giocatori attuali, ma dannatamente efficace nel far sentire ogni singola mossa come una decisione di vita o di morte.

Storia (Con Spoiler): L’Eroe della Falchion

La trama di Shadow Dragon è, ammettiamolo, poco originale e rientra nel canone classico del genere. Ci troviamo nel continente di Archanea, dove il giovane Marth, principe esiliato di Altea (e personaggio che diventerà un’icona assoluta della saga), deve mettersi in marcia. Il regno è caduto, sua sorella Elice è stata rapita e il Drago Oscuro Medeus (che guida il Gran Sacerdote Gharnef) minaccia di inghiottire tutto.

(SPOILER) La missione di Marth è raccogliere alleati, recuperare la Spada Falchion (l’unica in grado di ferire Medeus) e, infine, ottenere il leggendario Scudo Emblema, o Fire Emblem, dopo avervi incastonato i cinque Globi. Solo con questi due artefatti potrà sconfiggere il Drago Ombra. È una storia di rivalsa, di esilio e ritorno al potere.

La storia è banale rispetto ai plot twist dei successivi titoli (strizzo l’occhio a tutti i Fire Emblem con un time skip), e il cast di personaggi, a parte i protagonisti, tende a essere blando e poco sviluppato. Manca quello spessore relazionale che poi è diventato un marchio di fabbrica della Saga, ma l’iconicità di Marth e l’epicità del suo viaggio come primo eroe della saga sono innegabili e, nel 1990, è stato un racconto perfetto per lanciare un franchise.

Design dei Personaggi: Le Origini dell’Icona

Parliamoci chiaro, il design dei personaggi nel primo Fire Emblem è datato. Gli sprite in gioco erano essenziali, quasi anonimi. Nonostante ciò, l’immensa iconicità di Marth spicca su tutti.

Marth è la quintessenza dell’eroe nobile, destinato a grandi cose. Il suo look (spada, mantello, tiara) ha ispirato generazioni di protagonisti di JRPG e il suo status di primo eroe l’ha reso un gigante riconoscibile in tutto il mondo nerd, al punto da diventare anche ospite fisso in Super Smash Bros.

Nonostante, come già sottolineato, il cast generale sia blando e manchi di spessore, la figura di Marth bilancia tutto. Il design generale dell’epoca era minimalista e serviva solo a identificare le Classi (Cavaliere, Mercenario, Mago, Arciere, etc.), ma ha posto le basi estetiche per l’intero universo di Fire Emblem.

Differenze con il Remake per Nintendo DS

L’originale su Famicom era un’esperienza poco accessibile e molto frustrante a causa della sua durezza. Fortunatamente, nel 2008, Fire Emblem: Shadow Dragon è arrivato su Nintendo DS a sistemare le cose.

Il remake è stato un vero e proprio aggiornamento alla modernità, che però è riuscito a mantenere l’anima Old School, risolvendo i problemi che rendevano l’originale invecchiato male.

Queste sono le differenze principali:

• Triangolo delle Armi Aggiunto: Il remake introduce il Triangolo delle Armi, rendendo la strategia molto più sofisticata e in linea con i FE successivi.
• Meccanica del Cambio Classe: Nel remake è stata introdotta la possibilità di cambiare la classe delle unità non importanti, dando molta più libertà strategica e personalizzazione.
• Accessibilità e Salvataggio: Il remake ha introdotto la possibilità di salvare a metà mappa in modo temporaneo. Questo non toglie la Permadeath, ma rende il gioco meno tedioso nei reset e molto più accessibile.
• Capitoli Gaiden: Sono stati inseriti dei Capitoli opzionali e sbloccabili che ti ricompensano con nuovi alleati, aumentando il cast a 59 unità, ma solo se perdi abbastanza unità permanenti! Un tocco geniale per ovviare alla difficoltà del gioco e aiutare chi gioca Fire Emblem lasciando morire delle unità.
• Grafica e Interfaccia: Tutto è stato rifatto. L’interfaccia utente è finalmente chiara, permettendo di consultare lo Stato e le Statistiche delle unità in modo rapido sul doppio schermo del DS, inoltre tutti i modelli sono stati rivisti in grafica 3D (anche se a me, personalmente, non piacciono molto).

Il remake per DS ha fatto un lavoro egregio, bilanciando l’innovazione del franchise con il rispetto per il primo capitolo che ha fatto la storia. Ha limato gli spigoli di un capostipite che era troppo crudo. Penso che Fire Emblem: Shadow Dragon sia il modo definitivo per godersi l’epica di Marth.

Un capostipite che non passa mai di moda

Fire Emblem: Shadow Dragon and The Blade of Light (in entrambe le sue incarnazioni) è un’esperienza che ogni fan dei JRPG Tattici dovrebbe provare. È la storia di come un piccolo gioco per Famicom, nato con le sue meccaniche acerbe e una trama basilare, sia riuscito a porre le basi per creare un brand immortale, con 18 titoli (contando anche il non ancora uscito Fortune’s Weave).

L’originale è un pezzo di archeologia videoludica per i puristi, difficile e crudo, ma il remake per DS è il gioiello che ha saputo rendere onore all’iconicità di Marth e all’innovazione che questa serie ha portato nel mondo dei tattici.

Un must play se vuoi capire da dove tutta la saga trae le sue fondamenta!

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Un’avventura di tanto tempo fa

Ci sono state tante cose concomitanti in questo ultimo mese che mi hanno lasciato con tante aspettative a livello di gaming ma, se c’è una cosa che mi ha davvero mozzato il fiato, è l’annuncio del prossimo titolo della saga di Fire Emblem: Fortune’s Weave.

Sta notizia ha risvegliato in me una di quelle cose che non sentivo da veramente tanto tempo, una voglia di retrogaming incommensurabile. Quindi, anche con l’aiuto del buon FrankieDedo, che ha rimesso in sesto per me un GameBoy Advance, mi sono messo a ri – giocare tutti i titoli di Fire Emblem, con la volontà parlarne in maniera abbastanza approfondita.

Quindi è il momento di inaugurare questa serie di articoli con un bel recappone di tutti i titoli di Fire Emblem, prima in ordine cronologico e poi aggregati per storia.
Nota: in questo articolo, nonostante l’importanza a livello di lore, non parlerò degli spin-off come Heroes o Warriors.

Premessa: il Japan – only, le ROM e le Patch

Teniamo presente che, per anni, i primi capitoli sono rimasti confinati nel famoso “Japan-only”. Quando parliamo di reperibilità, ci muoviamo tra riedizioni ufficiali per console moderne (tipo Virtual Console o Switch Online) e il costosissimo mercato dell’usato per i pezzi da collezione.

Per quei titoli che non hanno mai visto la luce in Occidente la community ha fatto un lavoro incredibile, sappi che patch di traduzione fan made esistono per molti di questi titoli Japan-only, permettendo a tutti di godere di queste storie epiche. Esistono anche patch per rendere più accessibili i giochi che sono arrivati in Europa.
Per quanto riguarda la legalità, è fondamentale sottolineare che il file ROM di base (la copia digitale del gioco) su cui viene applicata la patch deve essere ottenuto in modo lecito. Scaricare ROM da Internet, anche se solo per uso personale, costituisce generalmente una violazione del diritto d’autore.

L’Archivio del Tempo: La Serie Fire Emblem in Ordine Cronologico

Detto ciò, passiamo al succo dell’articolo: ogni gioco verrà descritto secondo il seguente schema: Titolo (Occidentale / Giapponese), Data di Uscita Originale (JP), Piattaforma Originale, Reperibilità Attuale e Costo Stimato.

• Fire Emblem: Shadow Dragon and the Blade of Light (Ankoku Ryū to Hikari no Tsurugi), 20 Aprile 1990 (JP), Famicom (NES), Collezione Rara, La riedizione Switch occidentale è stata venduta per un periodo limitato ed è ora introvabile e costosa sull’usato sigillato.
• Fire Emblem Gaiden, 14 Marzo 1992 (JP), Famicom (NES), Collezione Rara / Remake 3DS, Meglio recuperare il remake per 3DS, Echoes: Shadows of Valentia, la cui cartuccia usata costa mediamente 30-50€.
• Fire Emblem: Mystery of the Emblem (Monshō no Nazo), 21 Gennaio 1994 (JP), Super Nintendo (SNES), Switch Online (JP) / Collezione, Non disponibile su Switch Online occidentale, cartuccia SNES giapponese ha un costo base di 40-80€.
• Fire Emblem: Genealogy of the Holy War (Seisen no Keifu), 14 Maggio 1996 (JP), Super Nintendo (SNES), Accessibile (Switch Online), Incluso in Nintendo Switch Online in Occidente, cartuccia SNES rara con prezzi da collezionismo, spesso superiori ai 100€.
• Fire Emblem: Thracia 776, 1 Settembre 1999 (JP), Super Nintendo (SNES), Collezione Rara/Introvabile, mai distribuito in Occidente, è uno dei titoli SNES più rari e cari, con prezzi per la cartuccia originale che superano i 120€ e oltre.
• Fire Emblem: The Binding Blade (Fūin no Tsurugi), 29 Marzo 2002 (JP), Game Boy Advance (GBA), Collezione Rara, GBA Japan-only, cartuccia GBA originale ricercata, prezzi medi di 80-150€.
• Fire Emblem / Fire Emblem: The Blazing Blade (Rekka no Ken), 25 Aprile 2003 (JP), Game Boy Advance (GBA), Accessibile (Switch Online), Incluso in Nintendo Switch Online (GBA), cartuccia GBA usata (occidentale) costa tra 50€ (sfusa) e 150€+ (completa).
• Fire Emblem: The Sacred Stones (Seima no Kōseki), 7 Ottobre 2004 (JP), Game Boy Advance (GBA), Accessibile (Switch Online), Incluso in Nintendo Switch Online (GBA), cartuccia GBA usata (occidentale) sui 40-100€.
• Fire Emblem: Path of Radiance (Sōen no Kiseki), 20 Aprile 2005 (JP), Nintendo GameCube, Collezione ESTREMAMENTE RARA, Ancora fuori da ogni riedizione, usato GameCube con prezzi base da 250€ a 400€+.
• Fire Emblem: Radiant Dawn (Akatsuki no Megami), 22 Febbraio 2007 (JP), Nintendo Wii, Collezione RARA, Usato Wii molto costoso, prezzi medi tra 80€ e 150€+.
• Fire Emblem: Shadow Dragon (remake del primo Fire Emblem), 7 Agosto 2008 (JP), Nintendo DS, Mercato dell’Usato DS, Cartuccia DS usata reperibile tra 30€ e 50€.
• Fire Emblem Awakening (Kakusei), 19 Aprile 2012 (JP), Nintendo 3DS, Mercato dell’Usato 3DS, Store Digitale chiuso, cartuccia 3DS usata a prezzi medi di 40-60€.
• Fire Emblem Fates, 25 Giugno 2015 (JP), Nintendo 3DS, Mercato dell’Usato 3DS, Store Digitale chiuso, cartuccia 3DS usata a prezzi medi di 40-70€ per versione singola.
• Fire Emblem Echoes: Shadows of Valentia, 20 Aprile 2017 (JP), Nintendo 3DS, Mercato dell’Usato 3DS, Cartuccia 3DS usata a prezzi medi di 35-50€.
• Fire Emblem: Three Houses (Fūsetsu no Yukari), 26 Luglio 2019 (JP), Nintendo Switch, Facilmente Reperibile, Switch, prezzo standard retail di 50-60€.
• Fire Emblem Engage, 20 Gennaio 2023 (JP/Occidente), Nintendo Switch, Facilmente Reperibile, Switch, prezzo standard retail di 50-60€

L’Arazzo della Storia: Linee Temporali e Continenti

Qui le cose si fanno interessanti, perché la maggior parte dei giochi di Fire Emblem è autoconclusiva, ma alcuni di essi condividono lo stesso continente e si sviluppano lungo una linea temporale diretta.

Per chiarezza, ho raggruppato i titoli in “Saghe” basate sul continente condiviso o sul collegamento narrativo diretto.

1. La Saga di Archanea, Valentia e Ylisse (L’Eredità di Marth)

Questa è la culla della saga e il mondo del primo eroe, Marth. Questi titoli sono collegati da una lore antica e da una progressione temporale che copre millenni.
Giochi (in ordine cronologico in game): Shadow Dragon and the Blade of Light, Fire Emblem Gaiden / Echoes: Shadows of Valentia, Fire Emblem: Mystery of the Emblem, Fire Emblem Awakening.
I primi tre giochi si svolgono nello stesso arco temporale sui continenti di Archanea e Valentia, separati ma appartenenti allo stesso mondo. Awakening è il punto d’arrivo, ambientato ben 1000 anni dopo gli eventi di Mystery of the Emblem (sull’Ylisse, la terra che sorge dalle ceneri dell’Archanea), chiudendo di fatto l’antica cronologia.

2. La Saga di Jugdral (Il Dramma Epico)

Una saga a sé stante, nota per la sua narrazione divisa in due generazioni e per le sue trame oscure, ambientata sul continente di Jugdral.
Giochi (in ordine cronologico in game): Fire Emblem: Genealogy of the Holy War, Fire Emblem: Thracia 776.
Genealogy of the Holy War copre due generazioni di eroi. Thracia 776 è un capitolo collaterale che si svolge narrativamente durante gli eventi della seconda parte di Genealogy of the Holy War, focalizzandosi su un arco secondario della guerra.

3. La Saga di Elibe (I Primi in Occidente)

I due episodi che hanno fatto conoscere Fire Emblem all’Occidente, ambientati sul continente di Elibe.
Giochi (in ordine cronologico in game): Fire Emblem: The Blazing Blade, Fire Emblem: The Binding Blade.
The Blazing Blade (Fire Emblem in Occidente) è un prequel diretto di The Binding Blade, narrando la storia dei genitori di Roy, l’eroe del secondo gioco.

4. La Saga di Tellius (Ike il Grande)

La saga su console casalinghe con uno dei protagonisti più iconici, Ike. La connessione è un seguito narrativo immediato.
Giochi (in ordine cronologico in game): Fire Emblem: Path of Radiance, Fire Emblem: Radiant Dawn.
Radiant Dawn è un seguito immediato di Path of Radiance, con una trama che riprende subito dopo la conclusione del primo. Condividono il continente di Tellius.

5. La Saga del Fòdlan (La Nuova Era?)

Probabilmente il Fire Emblem più amato e di successo (complice l’uscita su Switch), con la potenziale aggiunta di un nuovo capitolo.
Giochi: Fire Emblem: Three Houses (Fòdlan), Fire Emblem: Fortune’s Weave (Continenente da confermare, ma con un potenziale collegamento a Fòdlan).
Three Houses è attualmente autoconclusivo. Tuttavia, con l’arrivo di Fe Fortunes Weave (che, stando ai rumor e al trailer, dove è comparsa Sothis, potrebbe essere sia un sequel ambientato su Fòdlan che un prequel che ne esplora le origini divine), siamo di fronte a una potenziale nuova saga narrativa. Per ora sono da considerare indipendenti, ma l’attenzione è massima!

6. Titoli Totalmente Indipendenti

Questi giochi si svolgono in mondi unici e separati. Non hanno alcun legame diretto di sequel o prequel con il resto della serie (PER ORA).
Fire Emblem: The Sacred Stones, ambientato nel Magvel.
Fire Emblem Fates, in Hoshido o Nohr, dipendentemente dalla scelta.
Fire Emblem Engage, ad Elyos.

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Recensione

Sai, ci sono momenti in cui la nostalgia non è solo un ricordo sfocato, ma un’emozione che ti investe in pieno petto, come una Meteora Dirompente presa in faccia senza guantoni. Rivedere il logo di Level-5 illuminare lo schermo, sentire Mark Evans dire “Inazuma Eleven” e guardare i miei personaggi preferiti finalmente modellati con una grafica “next-gen” mi ha fatto spuntare un sorriso ebete che non accennava a sparire.

Per chi, come me, è cresciuto a pane e Nintendo DS, passando i pomeriggi a consumare il pennino sullo schermo per tracciare le traiettorie di Mark Evans e compagni, tornare in quel mondo è come tornare a casa dopo un viaggio durato un decennio. La gioia di vedere il fuoco di Axel o il mantello di Jude muoversi con una fluidità mai vista prima è indescrivibile: sono vibranti, epici e pronti a scendere in campo per quella che potrebbe essere l’ultima volta.

Ringrazio Level-5 per la copia.

Una Storia di cuori, non di alieni

Dimentica i viaggi nel tempo, gli alieni della Alius Academy che radono al suolo le scuole o i complotti mondiali per il controllo politico del calcio. Victory Road decide di fare un passo indietro, o meglio, un passo verso l’interno dell’animo umano.

La narrazione, ambientata 25 anni dopo le gesta storiche della Raimon, cambia tono in modo drastico e coraggioso.

Il nuovo protagonista, Unmei Sasanami, sembra l’antitesi di Mark Evans: è un ragazzo che ha smesso di amare il calcio. Anzi, lo odia. Non vuole avere nulla a che fare con il pallone a causa di traumi passati che lo hanno svuotato.

Non c’è un “villain” bidimensionale da sconfiggere per salvare il mondo, ma ci scontriamo con drammi interni, problemi della vita di tutti i giorni e la lenta, faticosa riscoperta di ciò che ci rende vivi. È una storia più matura, quasi un racconto di formazione che esplora il peso delle aspettative e la bellezza di rialzarsi dopo una caduta.

Un approccio che ho trovato rinfrescante: meno “shonen” classico e più vicino alla realtà di chi, come me, lo sport lo vive con fatica e passione.

Tre modi di vivere il calcio

Il pacchetto offerto da Level-5 è mastodontico, un vero e proprio parco giochi per ogni appassionato che si rispetti.

Il gioco si regge su tre pilastri fondamentali:

Modalità Storia: Qui viviamo l’avventura di Unmei. È un RPG di stampo classico dove l’esplorazione della città e della scuola è centrale. La narrazione è densa, piena di cutscene di altissima qualità che sembrano uscite direttamente dall’anime (infatti sono di studio Mappa, quelli di Jujustsu Kaisen e altri anime fichi). Interessante l’introduzione delle “sfide di persuasione” e di meccaniche stealth o investigative che spezzano il ritmo delle partite, anche se ammetto che a volte avrei preferito correre subito in campo invece di parlare con ogni NPC del corridoio.

Modalità Cronache (Chronicle Mode): Il vero nirvana del fan service. Immagina una mappa stellare che racchiude l’intera storia della serie. Qui puoi sbloccare oltre 4500 personaggi (sì, hai letto bene!) provenienti da ogni epoca: dalla saga originale a GO, fino ad Ares e Orion. È il paradiso del farming: ogni vittoria ti permette di accumulare risorse e frammenti per reclutare le leggende del passato. È qui che passerai le tue nottate, cercando di comporre la squadra dei sogni definitiva.

Modalità Online: Il terreno di scontro globale. Tra partite classificate e la possibilità di gestire la propria “Kizuna Station”, la competizione è feroce. Potrai personalizzare tutto, dalla divisa allo stemma, e sfidare allenatori da tutto il mondo per dimostrare chi è il vero re del campo.

Tra divertimento, Gacha e qualche crepa

Il gioco è divertente, viscerale e appagante. Il sistema di controllo è stato completamente ripensato: addio pennino (un minuto di silenzio per i nostri schermi graffiati), benvenuti controlli moderni. La gestione dei passaggi e dei tiri è intuitiva, e le possibilità di farming sia online che offline sono potenzialmente infinite.

Molto affascinante la nuova modalità Gacha: il sistema di reclutamento tramite le “Stelle Legame” è visivamente splendido e crea quella scarica di dopamina tipica dei collezionabili. È incredibile come Level-5 sia riuscita a rendere eccitante anche solo il momento in cui “peschi” un giocatore raro.

Tuttavia, bisogna essere onesti: si è persa un po’ di quella tensione magica dei titoli per DS. Le battaglie per il reclutamento dei giocatori di un tempo erano dei piccoli puzzle tattici, a volte punitivi, che ti costringevano a studiare ogni mossa. Qui l’azione è più fluida, ma il sistema di contrasti a volte risulta un po’ ripetitivo e, alla lunga, rischia di stancare chi cerca una sfida pura.

E poi c’è la nota dolente: gli exploit. In rete circolano e continuano ad essere create guide su come sfruttare bug per segnare senza che il portiere possa toccare la palla o trucchetti per ottenere giocatori rari senza fatica. Questo “glitch-fest” per me ha rovinato tutto, tutta la voglia di andare a competere online (nonostante Level – 5 sia molto attenta e abbia rilasciato fix continui).

Accessibilità: Un campo senza barriere

Un plauso sincero va fatto alla sensibilità di Level-5 sul fronte accessibilità. Hanno capito che il loro pubblico è cresciuto e include persone con esigenze diverse:

Modalità Commander: Puoi giocare come un vero allenatore, impartendo solo ordini tattici senza dover fare micro-gestione del movimento dei giocatori. Perfetto per chi preferisce l’aspetto strategico a quello d’azione.

Personalizzazione visiva: Opzioni per ingrandire i testi (una manna dal cielo per chi gioca su Switch Lite!) e per regolare gli effetti grafici come lo screen shake, che per alcuni può risultare fastidioso.

Controlli adattivi: La possibilità di rimappare i tasti e scegliere tra diversi schemi di input rende il gioco fruibile a una platea vastissima.

Verdetto: Il cuore dice sì, la testa tentenna

Inazuma Eleven: Victory Road è un immenso atto d’amore.

La timeline del supporto a lungo termine pubblicata da Level-5 promette anni di contenuti, nuovi tornei e aggiornamenti costanti, il che lo rende un investimento sicuro per ogni fan.

È un gioco che ti scalda l’anima, che ti fa sentire di nuovo parte di qualcosa di grande.

Però, se devo essere sincero fino in fondo, non riesce a replicare esattamente quel feeling che ricevevo dai giochi per DS.

Non è perfetto, ha dei difetti strutturali e una ripetitività di fondo che potrebbe scoraggiare i meno pazienti. Non mi ha lasciato quel senso di meraviglia assoluta che provai la prima volta che Mark parò un tiro con la Mano di Luce. Ma sai cosa? È Inazuma Eleven. E, quando vedi la tua squadra correre verso la porta avversaria in alta definizione, con le musiche epiche che incalzano, tutte le critiche evaporano. Perché alla fine, la magia di Inazuma Eleven non si batte mai.

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Nerdando in breve

Inazuma Eleven: Victory Road, sviluppato e pubblicato da Level-5, segna il ritorno in grande stile di un franchise leggendario. Attraverso una storia più matura e introspettiva e una mole di contenuti spaventosa che abbraccia l’intera cronologia della serie, il titolo riesce a colpire dritto al cuore dei nostalgici grazie a una veste grafica moderna e un sistema di farming online e offline potenzialmente infinito. Nonostante alcuni problemi di ripetitività del gameplay a lungo termine e una gestione dell’online piagata da diversi exploit, il gioco rimane un acquisto obbligato per ogni fan, pur non riuscendo a replicare perfettamente la magia tattica e il feeling ostico che caratterizzavano i capitoli storici per Nintendo DS. In conclusione, pur con i suoi spigoli, è un titolo divertente e vibrante che riporta finalmente il calcio di Level-5 sul podio che merita.

Trailer

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Recensione

Una delle cose che ho sempre apprezzato molto giocare negli MMORPG  sono i dungeon, sia in singolo che in gruppo.

Però, da quando la vita adulta si è fatta spazio nella mia esistenza (parliamo di pochi anni eh, sottolineiamo che ho 26 anni e non 34 haha), preferisco dedicare il poco tempo che ho ad altri giochi.

Però ora è arrivato Fellowship, il nuovo Dungeon Crawler co-op sviluppato da Chief Rebel (che ringrazio veramente con gioia per avermi regalato il gioco) ed edito da Arc Games, fortemente influenzato dalle meccaniche di dungeon degli MMO (anche perché nel team ci sono ex sviluppatori di WoW, da cui Fellowship sembra prendere molta ispirazione artistica).

Eroi a profusione

Se siete stanchi di quei giochi dove si può scegliere tra una manciata di guerrieri, Fellowship risolve la questione. La prima cosa che salta all’occhio è la quantità di personaggi tra cui sguazzare, ognuno con il suo set di abilità e una sua voce unica e convincente . Ci si sente subito legati al proprio main. Il team di sviluppo ha optato per un sistema che definirei “classico ma non banale”, basato sui tre ruoli sacri e intoccabili di ogni buon RPG che si rispetti: Tank, Guaritore e DPS .

Personalmente, ho scelto la strada più onorevole e masochista: il Tank. E ragazzi, se ve lo state chiedendo: sì, mi sto divertendo un mondo!

C’è una soddisfazione quasi catartica nel tenersi addosso l’aggro dei mostri come un magnete con i frigoriferi. E parlando di teamplay, nei dungeon si torna alle care, vecchie buone abitudini che fanno battere il cuore di ogni veterano: il Tank pulla (cioè attira) i nemici, creando scompiglio; il Guaritore resta concentrato sul Tank; e i DPS si scatenano a fare danno. È la santa trinità del dungeon crawling, e in Fellowship funziona perfettamente.

L’Hub e la sfida

Ma cosa succede quando non siete nel vivo dell’azione a spaccare crani? Be’, torniamo all’Hub, il nostro fido e utilissimo campo base dove si gestisce praticamente tutto. È il cuore pulsante del gioco, il luogo dove si tirano le somme e si fa il “compitino” prima di tornare a menare le mani. Qui dentro, il team di sviluppo ha concentrato una serie di strutture essenziali che rendono la nostra vita da eroi molto più semplice eccone alcuni:

• Il Fabbro: Il vecchio amico che ci aiuta a potenziare armi e armature. Più ferro, più legnate, insomma.
• Il Gioielliere: Dove incastoniamo gemme e ci facciamo belli, migliorando statistiche e abilità passive. Fondamentale per l’ottimizzazione selvaggia!
• Lo Stalliere: Non è solo per i cavalli, ma il luogo dove gestiamo le nostre magnifiche mount.
• La Forgia: Il posto magico per far diventare denaro gli equipaggiamenti inutilizzati.

Ma, in soldoni, come si gioca?

Gameplay Loop

Iniziamo dalla base, amici. Il primo passo in Fellowship è scegliere l’Eroe giusto: tra le vaste opzioni, la decisione non è solo estetica, ma puramente strategica, perché quale archetipo incarnare (Tank, DPS o Guaritore), come abbiamo detto, è la chiave per l’avventura.
Una volta armati di buona volontà (e un po’ di equipaggiamento base), il mondo di Fellowship si apre a una scelta che definirei “Santa Trinità del Grind”. Abbiamo il Gioco Rapido (Quick Play), perfetto per chi ha dieci minuti tra una riunione e l’altra, una scampagnata veloce per sbloccare le abilità e fare il pieno di starter gear. Poi c’è la Sfida (la modalità Ranked), la modalità in cui ci si può effettivamente potenziare, con difficoltà scalabili, timer feroci e classifiche (attenzione! I dungeon non si battono solo sconfiggendo il boss finale). La modalità ha 4 rank, a difficoltà crescente: Contender, Adept, Champion e Paragon.
Una volta arrivati a Paragon (che droppa oggetti unici), si apre la possibilità di affrontare l’attuale sfida endgame del gioco: gli Eterni

Il bello è che tutte queste modalità non sono che porte d’accesso a una gamma vastissima di dungeon, il vero cuore pulsante del gioco. Non c’è la solita e noiosa salita di livelli, qui la tua forza è legata a doppio filo al loot che riesci a strappare dalle grinfie dei nemici. Ogni run, che sia un’Avventura da dieci minuti con un solo boss o un Dungeon di mezz’ora con tre bestioni, ti inonda di oggetti. E qui si chiude il cerchio: il loop è un continuo ballo tra l’uccidere, l’ottenere Equipaggiamento e il potenziarsi nell’Hub, tornando dal fabbro o dal gioielliere, per poi affrontare le Sfide sempre più cattive. Non si smette mai di crescere, ma solo se si è disposti a sporcarsi le mani!

Conclusioni

Allora, cosa ne pensiamo di questo Fellowship? Non giriamoci intorno: è un gioco che crea dipendenza! Mi sto divertendo come un matto, sul serio, e già in questa fase di Early Access si sente che ha tutte le carte in regola per diventare un vero giocone.

È una boccata d’aria fresca vedere come gli sviluppatori abbiano puntato su un modello player-friendly: niente abbonamenti, niente microtransazioni invasive, e soprattutto: no pay-to-win.

L’unico punto su cui mi sento di battere i pugni sul tavolo, purtroppo, riguarda l’inizio: l’accesso è complesso, i comandi non sono sempre intuitivi e si deve capire un bel po’ di cose prima di carburare. Il tutorial c’è, ma è un po’ sbrigativo, specie su come ottimizzare i potenziamenti e gestire il nostro caro Hub.
E un avviso per gli sviluppatori: il loop di gioco è fantastico, ma c’è il rischio di ripetitività se gestito male nel lungo termine.

In ogni caso, il bilancio è decisamente positivo. È un must play se amate le sfide e il dungeon crawling senza fronzoli.

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Nerdando in Breve

Fellowship è il dungeon crawler co-op che aspettavamo, che centra l’obiettivo con un gameplay che crea dipendenza e un sistema di progressione basato sul loot e non sui livelli. Un plauso va al modello onesto: niente pay-to-win né abbonamenti. Peccato solo che l’accesso non sia intuitivo, con un tutorial sbrigativo sui potenziamenti. È una scommessa vinta in Early Access, a patto che gli sviluppatori evitino la noia della ripetitività. Non è solo un gioco: è l’esperienza dungeon-only che ti cattura e non ti molla più.

Trailer

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Recensione

Ci sono dei momenti, nella vita di un videogiocatore, che non si dimenticano. Non sono per forza legati al “c’ero io quando è uscito”, ma alla scoperta di qualcosa che ti segna. Per il sottoscritto, quel momento è stato a pochi anni con una PlayStation grigia tra le mani e con il naso incollato allo schermo, a casa di un mio amichetto. Lì ho scoperto una leggenda di cui avevo solo sentito parlare, un titolo che i “grandi” nominavano con un misto di venerazione e terrore: Ivalice.

Non ero lì nel ’97, ma quando, anni dopo, ho messo le mani su The War of the Lions ho capito. Ho capito perché quel gioco era un mostro sacro. E quando Square Enix , che ringrazio con fervore per averci fornito il codice, ha annunciato il ritorno di Final Fantasy Tactics con The Ivalice Chronicles, il mio bambino interiore ha fatto un balzo. È l’occasione, per la mia generazione, di vivere questo capolavoro nella sua forma definitiva. E per me, di rivivere quella folgorazione, ma su uno schermo molto più grande.

Il Fuoco di Vesta

Final Fantasy Tactics non è il classico JRPG a cui la saga principale ci ha abituato. No, qui si fa sul serio. È il capostipite di un filone, quello degli strategici a turni con elementi RPG, che ha fatto scuola. Niente Active Time Battle e preparatevi a spremere le meningi, a calcolare movimenti, posizionamenti, percentuali di colpire e, soprattutto, i tempi di carica di magie devastanti che il vostro mago impiegherà tre turni a lanciare, solo per vedere il nemico spostarsi all’ultimo secondo. Mai. na. Gioia.

La storia è quella, meravigliosa e incredibilmente matura, del giovane nobile Ramza Beoulve, un “figlio di” il cui ruolo negli eventi che hanno scosso il regno di Ivalice è stato volutamente cancellato dai libri di storia. Una trama d’autore, veramente piena di intrighi politici, guerre di successione e scontri di classe che, come sottolineato dallo stesso director dell’originale, Kazutoyo Maehiro, risuona oggi con una rilevanza quasi spaventosa. La domanda che ci si pone ora, pad alla mano, è: come regge, a quasi trent’anni di distanza, un titolo così imponente e, ammettiamolo, così lento?

Ce l’hanno fatta?

La risposta è: sì, e pure dannatamente bene, ma con qualche doverosa riserva. Partiamo subito dal sodo, da quello che fa la differenza tra un’operazione nostalgia pigra e un lavoro fatto con criterio.

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles si presenta con due anime distinte: una Classic, per i puristi masochisti che vogliono rivivere l’esperienza del 1997 con la traduzione di The War of the Lions, e una Enhanced, su cui si concentra questa recensione, pensata per chi, come me, ha meno tempo.

E qui si vedono le prime, graditissime, novità.
Il codice sarà anche stato rifatto da zero, ma il cuore pulsante del gioco, quel mix perverso di strategia e micro-management, è rimasto intatto. Nel bene e nel male.

Il sistema di combattimento a turni e l’incredibile, quasi soverchiante, profondità del Job System sono ancora oggi una delle cose più appaganti e complesse che mente umana abbia mai concepito.

Passare ore nei menu a sbloccare nuove classi, a mescolare abilità da Cavaliere con quelle da Mago Nero per creare un guerriero arcano che nemmeno il Garland e a studiare la scacchiera per attaccare i nemici alle spalle o dall’alto… è una droga videoludica potentissima, una di quelle che ti fa dire “ancora una battaglia e poi smetto” alle tre di notte (tratto da una storia vera).

Purtroppo però, questo remake è quasi troppo fedele, il gioco si porta addosso il peso dei suoi anni come un’armatura di piombo.

La versione Enhanced

Le meccaniche, per quanto geniali, sono figlie di un’epoca diversa. La lentezza di certe animazioni, la necessità quasi obbligatoria di fare grinding per tenere il passo con una curva di difficoltà che a tratti si impenna senza preavviso (sto parlando con te, caro amico con la V), le battaglie che possono durare un’eternità. Sono tutti elementi che nel 1997 accettavamo con grande pazienza, ma che oggi mi fan venir voglia di lanciare il controller fuori dalla finestra.

Ed è qui che la versione Enhanced mette delle toppe, trasformando un’esperienza potenzialmente frustrante in qualcosa di molto più godibile. L’introduzione del fast forward, regolabile a diverse velocità, è una manna dal cielo, una di quelle quality-of-life che da sola vale il prezzo del biglietto.

Vedere quelle animazioni lentissime sfrecciare via è pura liberazione. Aggiungiamoci una UI ripulita, la possibilità di vedere chiaramente l’ordine dei turni, l’auto-salvataggio durante gli scontri e, soprattutto, un doppiaggio completo in inglese che, pur non essendo eccelso, dona finalmente una voce a quei meravigliosi dialoghi in inglese arcaico. Il risultato è un’esperienza che smussa gli angoli più ruvidi e spigolosi del titolo originale, rendendolo più digeribile senza sacrificarne la sfida.

Conclusione

Quindi, com’è questo ritorno a Ivalice? È un’operazione piena di nostalgia, ma fatta con intelligenza, rispetto e, soprattutto, con la consapevolezza dei limiti del prodotto originale.

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles non è una semplice remastered, ma un vero e proprio restauro conservativo di un capolavoro immortale. Il gioco base rimane un titano del suo genere, con una storia che ancora oggi dà lezioni di scrittura a produzioni tripla A e una profondità tattica che crea una dipendenza quasi patologica.

Le criticità legate al ritmo e a certe legnosità del gameplay, pur rimanendo parte integrante dell’esperienza, vengono mitigate in maniera eccellente dalle nuove feature della versione Enhanced, che diventa di fatto la modalità consigliata per tutti, vecchi fan e nuove leve.

È il modo perfetto per i vecchi lupi di mare, per rivivere un’avventura epica senza dover girare mesi del calendario a ogni turno, e l’occasione d’oro per i neofiti per scoprire perché, quando si parla di JRPG tattici, tutto è praticamente iniziato da qui. La guerra dei leoni può finalmente essere combattuta da tutti.

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Nerdando in breve

Final Fantasy Tactics: The Ivalice Chronicles, un grande classico che torna a splendere. Un fighissimo e cervellotico JRPG tattico a turni, di quelli che vi faranno sentire dei piccoli Napoleone su una scacchiera. A orchestrare questo glorioso ritorno a Ivalice è, ovviamente, mamma Square Enix, che si occupa sia dello sviluppo che della distribuzione del titolo. Insomma, tutto in famiglia, come le migliori faide nobiliari.
Un bel giochino davvero.

Trailer

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Recensione

Se metti insieme un mondo in rovina, un paio di draghi nei sogni, la danza come arma e la coltivazione intensiva di rapporti umani e pomodori, finisci con qualcosa che assomiglia parecchio a Rune Factory: Guardians of Azuma. Che non è semplicemente “il nuovo Rune Factory”, ma una virata bella decisa dentro una serie che sembrava destinata a vegetare tra raccolti automatici e storielle da harem da discount.

Qui, invece, si balla per combattere. Sul serio.

La danza salverà il mondo

Il gioco parte col botto – letteralmente. Un oggetto celeste si schianta sulla terra di Azuma, la natura impazzisce, gli dei spariscono, e i villaggi si svuotano. Noi ci svegliamo lì in mezzo, senza memoria, con la voce misteriosa di turno che ci affida il potere dell’Earth Dancer. Che, per inciso, è un guerriero che combatte danzando. Un concept molto interessante, sicuramente innovativo.

Però questo sistema è meno tamarro di quanto suoni, e funziona. I combattimenti, più action che mai, prendono una piega originale grazie a un set di armi vario (anche talismani e archi, in linea con l’ambientazione) e alle mosse coreografate che trasformano ogni scontro in qualcosa di molto ritmico, che lo rende veramente piacevole. Un’idea strana, ma coerente col tono del gioco, che fonde spiritualità giapponese e gameplay con una grande dignità.

Villaggi da coltivare, non solo pomodori

In Guardians of Azuma, la parte gestionale è una colonna portante del gameplay. Dimenticatevi la casetta con campo e staccionata – qui si parla di ricostruire interi villaggi devastati dalla corruzione, pezzo per pezzo. Non è solo estetica, ma infrastruttura vera: ogni edificio ha un ruolo chiave, ogni NPC riportato in città contribuisce attivamente, sbloccando risorse, servizi e quest secondarie.

C’è un comodo sistema modulare per piazzare strutture, con una libertà che strizza l’occhio ai city builder senza scivolare nel micro-management ossessivo tipico del genere. Vuoi un mercato per vendere più roba? Serve costruirlo e convincere un mercante a tornare. Vuoi migliorare l’allevamento? Devi bonificare il terreno, costruire la stalla e convincere un esperto a trasferirsi. Tutto questo si lega a doppio filo al combat system e alla narrativa: finisce che niente è niente è davvero “opzionale”.

La ricostruzione non è fine a se stessa: più sviluppi un villaggio, più il mondo prende vita, letteralmente. Le stagioni tornano, i festival si riattivano (con minigiochi nuovi e rinnovati), gli dei si risvegliano e iniziano a fornire bonus concreti alla produzione e al combattimento. Una struttura circolare ben pensata, che premia il giocatore che vuole investire tempo e risorse nella rinascita del mondo.

Sì, puoi ancora piantare pomodori, ma almeno stavolta lo fai per rimettere in piedi una civiltà.

DLC: più kimono, più combattimenti, meno fuffa del previsto

I contenuti scaricabili previsti per Guardians of Azuma non si limitano a skin cosmetiche buttate lì per monetizzare l’entusiasmo dei primi giorni. Al lancio e nelle settimane successive, il piano DLC include:

• Costume & BGM Packs, che sbloccano outfit alternativi per i protagonisti ispirati ai giochi precedenti della serie (Frontier, Tides of Destiny, ecc.) insieme a musiche classiche selezionabili come colonna sonora per le zone principali. Niente di rivoluzionario, ma una bella carezza per i fan di lunga data.

• Festival & Marriage Candidate Packs, con nuovi eventi stagionali e – cosa non da poco – personaggi aggiuntivi con cui interagire, stringere legami o portare all’altare. Un’aggiunta che estende davvero la longevità, soprattutto per chi vive di dialoghi doppiati e storie da visual novel tra un raccolto e l’altro.

• Extra Dungeon Pack, in arrivo post-lancio, con nuove aree ad alto rischio, loot esclusivo e boss non presenti nella main quest. Un DLC pensato per chi ha già completato la campagna base e cerca una sfida più seria, magari con l’equipaggiamento finalmente craftato come si deve.

Non è tutto oro, certo: il rischio che parte di questi contenuti fosse già pensato come “vendibile separatamente” c’è (e si sente), ma almeno parliamo di roba che aggiunge valore concreto. Se siete il tipo di giocatore che in Rune Factory cerca tutto – farming, romance, e anche quel dungeon che ti oneshotta se sbagli danza – i DLC non sono solo estetica: sono una seconda infornata.

Un passo coraggioso, non sempre sicuro

Guardians of Azuma non è perfetto. La curva di apprendimento è un po’ sbilanciata, alcune sezioni “story-driven” rallentano troppo e, come spesso accade nei giochi giapponesi che vogliono fare tutto, c’è una leggera crisi d’identità. Ma almeno ci prova. E quando ci riesce – e succede spesso – ti ritrovi coinvolto in un loop appagante: combatti, coltivi, ricostruisci, ti innamori, salvi un dio, poi torni a piantare cipolle.

È un po’ più del solito Rune Factory ed è tutto strano. Prendetelo come un complimento.

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Nerdando in breve

Rune Factory: Guardians of Azuma, sviluppato da Hakama Inc. e pubblicato da Marvelous Europe, è il capitolo più ambizioso della serie. Combat system rinnovato, gestione che passa dal giardinaggio alla vera urbanistica, atmosfera giapponese ben curata e DLC che valgono qualcosa. Si balla per combattere, si costruisce per sopravvivere e si flirta come nei vecchi titoli. Un esperimento riuscito, nonostante qualche sbavatura.

Trailer

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